Les mémoires vives de Marcus Miller

Avec Afrodeezia, Marcus Miller continue les pérégrinations qu’il avait commencées dans son précédent album, Renaissance.

M. MILLER
Marcus Miller (© Patrizio Gianquintieri)

En tant qu’artiste de l’UNESCO pour la paix, et porte-parole du projet « La Route de l’esclave », lancé en 1994 au Bénin, il s’est rendu à Gorée et a visité la Maison des esclaves. Il y a vu  comment hommes, femmes et enfants africains, entassés comme des animaux pour être empilés sur des navires négriers, devaient franchir une porte « sans-retour ».

« Alors que je travaillais sur la composition de “Gorée », écrit Miller sur son site (marcusmiller.com), je fus frappé par l’idée que « la porte du non retour » représentait non seulement la fin de l’expérience africaine des captifs, mais d’une certaine manière, cette porte symbolisait également le début de notre expérience afro-américaine».

Cette mémoire tragique a été en quelque sorte apaisée par la musique qui en est issue et qui veut transmettre un message d’« espoir et de résistance ». Ainsi Afrodeezia se veut « une reconnaissance et la célébration des différents styles musicaux qui se sont  développés à partir de l’expérience de l’esclavage, un voyage difficile, continu, mais joyeux vers la liberté. »

Pour composer et enregistrer ce nouvel album, Marcus Miller est allé à la recherche des rythmes qui ont construit l’héritage musical du jazz, puis, avec ses musiciens, il s’est rendu au Maroc et au Nigéria, à Paris et Sao Paulo, des Caraïbes à la Louisiane, pour finir par les grandes villes de Chicago, Detroit, et New York.

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Marcus Miller (© Jean-Philippe Marty)

Sur scène, dans la pinède de Juan-les-pins, les rythmes et les couleurs musicales d’Afrodeezia emportent très rapidement l’adhésion du public. Le trompettiste de Miller se fait particulièrement remarquer par la qualité de son jeu, jusqu’à l’arrivée d’Ibrahim Maalouf, invité à partager avec Miller une création qui ajoute une note orientale aux saveurs africaines.

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Lee Hogans et Ibrahim Maalouf (© Jean-Philippe Marty)

Cette mémoire vive des racines du jazz est volontaire. Elle se nourrit cependant d’un héritage plus intime. Le grand-père de Miller était évêque épiscopal et jouait du piano. Son père, organiste, pianiste, et chef de chœur, officiait surtout dans les églises noires épiscopales. Avec « Preacher’s Kid », Miller a voulu rendre hommage à son père, âgé aujourd’hui de 90 ans.

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Atteint de la maladie d’Alzheimer, William H. se souvient encore de ses deux fils. Il a cependant posé, sur la table de nuit à côté de son lit, une des couvertures de disque de Marcus, au cas où…

 

 

 

Eric Legnini réunit Kellylee Evans et Sandra Nkaké en hommage à Ray Charles

L’année 1959 n’en finit pas d’être célébrée. Après Monk au Town Hall de New York, le festival de jazz à la Villette a consacré un week-end l’année dernière à une série de reprises de « Kind Of Blue » de Miles Davis, « Giant Steps » de John Coltrane, « Mingus Ah Um » de Charles Mingus ou encore « Time Out » de Dave Brubeck. Éric Legnini avait choisi quant à lui Ray Charles, et « What’d I Say ».

« C’est le moment, m’explique-t-il, où Ray Charles popularise le Gospel, tel qu’il était chanté à l’église, sous un format plus pop et R&B ». Mais comment s’affronter à une telle légende sans pâtir de la comparaison ? « J’ai grandi dans une famille de musiciens classiques, mais ma mère me chantait du gospel.. j’ai mis du temps à retrouver cet héritage ». Legnini a d’ailleurs fait appel à Sandra Nkaké, « qui a un côté naturellement churchy« , mais aussi à Alice Russell et à Elena Pinderhugues.

Devant le succès de leur prestation, non prévue pour être gravée sur CD, l’équipe est partie en tournée, avec, pour la circonstance, Kellylee Evans, aux côtés de Sandra Nkaké, et a fait escale à Nice.

« J’avais produit les deux premiers CD de Kellylee. Ce qui est intéressant, c’est qu’elle a grandi dans une tradition plutôt hip-hop, et si c’est davantage de mon côté que se trouve la ferveur pour le Gospel, nous partageons le même goût du crossover ».

Sur scène, Sandra apparaît plus motrice, car elle n’est pas seulement chanteuse, mais actrice, pour le cinéma et le théâtre. Cependant, leur complicité est pour beaucoup dans le succès du show.

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Éric Legnini, Kellylee Evans et Sandra Nkaké (©Jean-Philippe Marty)

« On prend vraiment du plaisir à jouer ensemble et à danser, raconte Sandra Nkaké. Ni Kellylee ni moi n’avions jamais chanté des compositions de Ray Charles. Je me souviens de lui dans The Blues Brothers : j’avais adoré son mélange de précision et de folie ».

Pour Kellylee, la présence de Legnini a été déterminante pour affronter un tel challenge, et la manière dont il a conçu les arrangements l’a particulièrement satisfaite.

Toutes deux sont également concernées par ce que Sandra appelle « le sous-texte des paroles de Ray Charles » : comment elles renvoient à une époque qu’elles n’ont pas connue, mais où la question de l’identité noire était cruciale. « Ce qui nous paraît aussi très moderne, c’est la manière dont il évoque le sexe, une forme d’amour qui n’était pas chaste, de façon parfois très crue, alors qu’il appartenait à une communauté plutôt religieuse ».

Pour Jason Moran, le jazz est aussi affaire d' »entertainment »

Quand Jason Moran entre sur la scène du théâtre de verdure du Nice Jazz Festival, avec ses musiciens et la chanteuse Lisa E. Harris, le public se scinde immédiatement en deux groupes : ceux qui vont rester assis, alors qu’ils appartiennent à une génération qui, sans avoir connu Fats Waller de son vivant (1904-1943), a certainement en mémoire certaines de ses compositions les plus célèbres, et ceux qui, âgés d’une vingtaine d’années, à peine le concert commencé, sont pris d’une envie irrésistible de venir danser devant la scène. La musique de Waller est à l’honneur, et si sa réactivation, comme toujours chez Moran, est prise au sérieux, elle prend ici un tour volontiers ludique, à l’image du masque que le pianiste porte quasiment pendant tout le concert.

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Jason Moran et le masque de Fats Waller (©Jean-Philippe Marty)

Car l’entertainment, ce n’est pas seulement le fait de procurer du plaisir à un spectateur, mais aussi une manière de porter attention, intérêt à un artiste dont la bonhommie masquait sans doute la vraie musicalité. Si réhabilitation il y a, celle-ci se fera donc dans la joie, d’où le titre du CD d’où est issu  ce concert : « All Rise: A Joyful Elegy for Fats Waller ».

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Jason Moran et Lisa E. Harris (©Jean-Philippe Marty)

Par chance, il est possible aujourd’hui de voir Fats Waller interpréter « Ain’t Misbehavin' » dans la comédie musicale, avec casting africain-américain, Stormy Weather, réalisé par Andrew L. Stone en 1943, et patrimonialisé en 2001 par la Bibliothèque du Congrès.

Comme le souligne très justement Arnaud Robert, « rien n’est littéral, rien n’est formaliste dans cet hommage. Jason Moran n’a jamais donné dans la taxidermie. Il montre, avec son trio augmenté, avec des voix, avec une trompette, ce qui pourrait s’appliquer à notre époque dans cette musique vieille de presque un siècle. Il y a des ragtimes qui ont le goût du rap. Il y a des champs sur lesquels se mène toujours la même bataille. Jason Moran est un artiste fondamentalement politique au sens où il creuse dans l’histoire africaine-américaine la persistance d’une stratégie du marronnage ».

J’avais déjà évoqué la recréation, par Moran, du fameux concert de Monk à Town Hall, puis son CD « Ten ». Si l’on devait suivre tous les concerts que la pianiste de Harlem donne cet été dans le monde, outre l’hommage à fats Waller, on le trouverait en duo avec Robert Glasper, avec la soprano de formation classique Alicia Hall Moran (sa femme) et le grand guitariste Bill Frisell,  avec Mary Halvorson et Ron Miles, et encore avec son groupe, le Bandwagon, accompagnant la compagnie Ronald Brown, ou avec la vidéo-artiste et performer Joan Jonas et, enfin, last but not least, avec des skaters!

Avec Moran, nul doute que le jazz est capable en même temps de préserver son identité et de s’ouvrir à la scène contemporaine, une occasion de (re)dire que cette musique s’adresse à tous et s’inscrit pleinement dans le temps présent.

José James célèbre les 100 ans de Billie Holiday

Les albums de reprise des grands standards du jazz sont monnaie courante et sont souvent vains, surtout quand il s’agit d’œuvres fortement marquées par leurs interprètes initiaux. C’est davantage encore le cas pour les répertoires de certaines chanteuses qui ont dominé leur époque pas seulement par leur talent, mais par leur engagement personnel, leur présence physique, la relation d’intimité créée avec le public. Pour réussir à revenir sur leurs pas, leurs admirateurs doivent – en dehors de toute velléité commerciale, bien entendu – faire preuve d’une véritable connaissance de la discographie de l’artiste qui a retenu leur attention, et, surtout, traiter avec originalité les compositions qu’ils ont choisies.

C’est le cas de Cécile McLorin Salvant, sur laquelle je reviendrai en septembre après l’avoir interviewée à New York lors de sa série de concerts au Jazz Standard. C’était également le cas en ouverture du Nice Jazz Festival 2015, avec le concert donné par José James.

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José James (Jean-Philippe Marty)

En début de soirée, José James était l’un des invités des rencontres organisées par Ashley Kahn en marge des concerts du festival. Il lui a expliqué, avec franchise et beaucoup de conviction, comment il a construit son dernier album en hommage à Billie Holiday.

Dans le livret de Yesterday I Had The Blues: The Music of Billie Holiday, James raconte qu’il a « redécouvert Billie pendant une période difficile de son adolescence. À l’époque, ses groupes favoris « étaient Nirvana, De La Soul et A Tribe Called Quest, mais la musique de Billie s’adressait à moi de façon beaucoup plus profonde. Son œuvre était gouverné par la douleur, le trauma, la croyance en la musique et en son pouvoir de transformation. Elle a été mon maître ». Entouré de Jason Moran, du bassiste John Patitucci et du batteur Eric Harland, James livre un album dont la force provient d’une grande sobriété, à l’image du pari difficile qu’il s’est fixé, et qu’il réussit pleinement.

Dans le théâtre de verdure, peu avant minuit, James, après avoir recouru à un mélange de scat et de rap lors d’une variation sur « A Love Supreme », revient seul sur scène et choisit de conclure son récital en interprétant a cappella « Strange Fruit », sans aucun doute l’une des compositions les plus bouleversantes de Billie Holiday.

D’autres avant lui s’étaient risqués à reprendre cette chanson si particulière dans l’univers musical et politique de Billie Holiday (et sur laquelle beaucoup a été écrit, en particulier le livre de David Margolick, Strange Fruit : Billie Holiday, le Café Society et les prémices de la lutte pour les droits civiques, 10/18, 2001, réédité chez Allia en 2009), mais son interprétation s’est construite comme une prière vespérale, l’expression séculière d’un recueillement, d’une co-présence de l’artiste et du public, un moment de grâce.

 

Melody Gardot se souvient de la lutte pour les droits civils

C’est aux États-Unis, et particulièrement en Californie, que Melody Gardot s’est installée pour composer son nouvel album, « Currency of Man ». C’était pour elle une sorte de retour, car elle n’y avait pas séjourné depuis plusieurs mois. À trente ans, la conscience du temps qui passe est-elle déjà vive? Elle se souvient que son grand-père aimait bien, au petit matin, réveiller sa mère en jouant de la trompette au pied de son lit. Il était également saxophoniste, et son goût pour la musique lui venait de son père, qui dirigeait un band. Jusqu’à la mort de sa grand-mère, d’origine mélangée polonaise et autrichienne, Melody parlait plutôt le polonais. Elle avait cinq ans, et c’est alors que sa mère, née aux États-Unis, lui a demandé de privilégier l’anglais, langue du pays dans lequel elle était née et où elle allait grandir. Aujourd’hui, quand elle se rend en Pologne ou en Autriche, elle se reconnaît dans les traits du visage, la couleur des cheveux ou des yeux, des gens qu’elle croise.

« Que je sois à Varsovie ou à Vienne, me raconte-t-elle, je me sens submergée par des émotions qui viennent sûrement de la mémoire, du code génétique de ma famille ».

Cette question d’identité est essentielle pour quelqu’un qui, à la suite d’un grave accident survenu à l’âge de 19 ans, a dû apprendre à reconnaître les siens et à se reconstruire dans un foyer familial certes protecteur mais fragile, sa mère l’élevant seule et ne pouvant financer ni le séjour long en hôpital qui lui aurait été nécessaire, ni des études universitaires poussées.

L’univers de la musique ne sera pas seulement celui de la création. Il sera réparateur, et permettra des rencontres qui contribueront à l’émancipation de la jeune artiste.


Bien sûr, aujourd’hui, pour « Currency of Man », Melody Gardot avance entourée de grands professionnels, comme Larry Klein, qui veulent lui permettre d’atteindre un public au moins aussi large que celui qu’elle avait conquis avec « My One and Only Thrill ». Mais sa mise en récit, son découpage, sont pensés avec beaucoup de subtilité, du son cuivré  de « Same to You », aux tonalités R&B de « Bad News », en passant par les ballades à tonalité mélancolique, comme « Once I was Loved » ou « If Ever I Recall Your Face ». Sur scène, à Juan-les-pins, sous une lumière élégante, elle s’invente un nouveau style, passant par l’usage privilégié de la guitare.


Cependant, parmi l’ensemble des compositions, il en est une qui occupe une place particulière. Il s’agit de « Preacherman ».

« La chanson a été écrite avec mon batteur, Chuck Staab, qui, comme mon grand-père, est féru d’histoire. En parlant, il m’a raconté l’histoire de ce gamin, âgé à peine de 14 ans, qui va voir son grand-oncle dans le Mississippi pendant les vacances et se fait sauvagement tuer pour avoir soi-disant chahuté une épicière blanche. On connaissait Martin Luther King, Rosa Parks, mais ça, c’était avant. C’est sa mort qui a déclenché le mouvement des droits civils. On a imaginé un rythme puis ensuite on a écrit le refrain ».

Preacherman, gon’ tell me
where his body lie.
said he down by the river now child
left him there to die.

L’histoire d’Emmett Till (1941-1955) avait déjà inspiré l’un des « Protest Songs » de Bob Dylan. Et c’est dans le cadre de la réalisation d’un documentaire que Keith Beauchamp a conduit une contre-enquête sur les conditions de la mort d’Emmett.

« Preacherman » permet à Melody Gardot à la fois de remonter dans le temps et d’être en prise avec l’actualité tragique de la mort successive de Trayvon Martin (2012) et de Michael Brown (2014). L’héritage d’Emmett Till est porté par une fondation dont Melody Gardot a rencontré les responsables.

Ainsi se déploie l’incursion de « Currency of Man » dans le monde du Blues, entre les échos de la persistance du racisme aux Etats-Unis et les teintes douces-amères d’une société où la valeur de l’homme est un bien qu’il faut exalter en même temps que protéger.

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Mélody Gardot, Juan-les-pins, 17 juillet 2015 (© J.-P. Marty)

Le voyage intérieur de Thomas Enhco

Thomas Enhco a-t-il été comme l’enfant décrit par Baudelaire dans Le Voyage, « amoureux de cartes et d’estampes, » et pour qui « L’univers est égal à son vaste appétit. » ?

En tout cas, à l’âge de 26 ans, il a déjà fait le tour du monde,  vécu quelque temps à New York, et s’apprête à donner un concert dans la grande salle du Châtelet le 7 mai prochain.

À 14 ans, il fait une rencontre décisive, avec Gisèle Magnan, une pianiste concertiste de la génération de Brigitte Engerer et de Michel Dalberto, qui a fait le choix d’enseigner (elle anime d’ailleurs aujourd’hui les Concerts de poche) et qui devient son professeur. « J’ai passé des heures, m’explique-t-il, à jouer par exemple dans la lenteur la plus extrême, pour aller écouter au fond des cordes la vibration et savoir à quel moment elle donne l’impulsion de la note suivante ». À l’époque, elle voit en lui un futur grand pianiste classique, mais c’est le jazz qu’il va choisir, non exclusivement, cependant.

Dès 17 ans, il publie son premier album sur le label « Âmes », créé par Didier Lockwood.

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En 2012, il est en trio avec Chris Jennings à la contrebasse et Nicolas Charlier à la batterie, pour Fireflies. La presse est élogieuse : Michel Contat évoque son « lyrisme amical, frais, détendu, plein de fragrances subtiles » (Télérama, 15/12/2012).

Aujourd’hui, il vient de signer un contrat avec Universal pour qui il doit publier trois albums, en  classique (Deutsche Grammophon) et en jazz (Verve). Ainsi, il vient d’enregistrer un CD avec Vassilena Serafimova en duo piano/marimba.

Pour son nouvel album, Feathers, il a fait le pari d’être en solo.

Capture d’écran 2015-05-03 à 16.59.04Thomas Enhco (Jean-Louis Neveu)

Après l’avoir enregistré, il en joue des morceaux dans divers récitals en France et au Japon. Présente au concert donné l’année dernière à la Sorbonne, Gisèle Magnan lui fait part de ses réactions. « Tu peux te permettre de jouer beaucoup moins bien. Réfléchis à cela. Ton but désormais est de trouver une simplicité évidente comme résultat de cette complexité que tu as recherchée« .

Cette simplicité peut aussi se comprendre comme provenant d’une inspiration personnelle, du registre de l’intime. Feathers est bâti selon son compositeur comme le récit d’une histoire d’amour et se déploie en plusieurs temps de durée ou d’intensité inégales. Une « catharsis », pendant l’enregistrement, où c’est près du double de ce que contient l’album final qui a été interprété, dans une sorte de fébrilité permanente.

Il faut donc se laisser porter par la chronique déployée par le pianiste, à l’écoute, dans « I’m fine, Thank you », d’un motif mélodique à partir duquel il tisse des variations harmoniques, où le grave et l’aigu s’opposent, se croisent, se chevauchent, comme autant de déambulations légères et graves. C’est là que la technique, le jeu, s’ils sont maîtrisés,  permettent de ne pas céder à une quelconque mièvrerie. Nous évoquons ensemble la musique de Gabriel Fauré et Thomas Enhco me dit y avoir apprécié le sens mélodique. « Quand j’écoute Fauré, j’ai l’impression qu’il a composé des chansons. C’est très agréable d’improviser sur ses compositions, il y a quelque chose de très évident, de très pur. La recherche d’une émotion, c’est ce qui est le plus important pour moi. Il y a quelque chose de très libérateur dans le jazz, et j’aime bien ce côté instinctif dans la composition de Feathers ».

La simplicité, c’est également l’image que l’on projette de soi dans les clips ou les captations de concerts : pour filmer un soliste, il faut trouver la bonne distance, sans fioritures, comme ici :

Dans l’album, un morceau se détache des autres. Il s’intitule « Sand Creek Song », et ouvre l’univers du pianiste sur une histoire qui lui est extérieure, celle d’un massacre d’Indiens, qui prit place dans le Colorado le 29 novembre 1864, et coûta la vie à près de 200 femmes, enfants et vieillards. « J’en ai entendu parler pour la première fois en 2007.  J’ai été marqué par cette histoire et j’ai fait quelques recherches. Un  thème guerrier en même temps que funèbre m’est venu en tête. J’ai composé un premier morceau. 6 ans plus tard, j’ai augmenté la composition, lui donnant une forme plutôt épique, mais qui correspondait néanmoins à mon état d ‘esprit. C’est un cri, qui peut alors prendre une forme universelle ».

 

Jean-Philippe Viret, « les pièces tendres et de sentiment ».

En 2001, alors âgé de 42 ans, le contrebassiste Jean-Philippe Viret donne un entretien à Citizen Jazz et revient sur son parcours. Il raconte : « Au départ, j’ai insisté auprès de mes parents pour faire de la musique. A la maison, il y avait un piano sur lequel j’essayais de trouver des couleurs. J’ai suivi un schéma assez classique : méthode rose, vieille demoiselle, et désintérêt pour la musique jusqu’au jour où j’ai rencontré Emmanuel Bex. C’est lui qui m’a suggéré de me mettre à la contrebasse. »

Le trio sera sa formation favorite, grâce à la rencontre, qui va s’avérer déterminante, avec le pianiste Edouard Ferlet et le batteur Fabrice Moreau.

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Le trio Viret (Grégoire Alexandre)

C’est plutôt dans une certaine discrétion que le trio inscrit sa présence dans l’univers du jazz,  et c’est dans un esprit très chambriste qu’il développe ses compositions. En les écoutant jouer au Café de la danse en mars dernier, dans une salle à l’acoustique et aux proportions favorables au caractère intimiste de leur formation, le spectateur est constamment surpris par leur manière de se passer le relais dans la conduite de la mélodie, en toute fluidité. Il y a quelque chose de très abouti dans cette écriture, et qui tient sûrement aux faits que les musiciens sont tous trois compositeurs.

L’album qu’ils viennent de publier s’intitule « L’ineffable ». Cela pourrait paraître logique que ce qui se met singulièrement en notes ne puisse ou ne doive pas se dire en mots. Mais, par-delà cette définition littérale, il faut comprendre ce titre  comme ce qui peut s’exprimer, entre les musiciens, et, partant, avec les auditeurs, sans effet ostentatoire, dans une révélation progressive de l’unité de la pièce.

Dans « Tous constraints », par exemple, avant que la contrebasse n’occupe le devant de la scène, à la moitié du morceau, la matière musicale associe sans dominance les trois instruments (même si  la contrebasse pâtit ici du son de la vidéo), et déjoue les schémas classiques thème et variations, mélodie et improvisation, distribution successive des chorus.

Dans Jazz Magazine (n°699, février 2015) , Stéphane Ollivier évoque la « cohésion organique » de « Tous contraints », et les difficultés que le trio a rencontrés pour trouver le bon tempo : « trop lent et le groupe peine à faire tenir ensemble les éléments du mobile ; trop rapide et l’énergie prend définitivement le dessus, annihilant toute la subtilité mise en place ». Le résultat ne laisse pas deviner les repentirs qui ont marqué l’aboutissement.

Le Trio Viret est à l’affiche du Sunside les 8 et 9 mai, pour un hommage à Keith Jarret.

 

Le Retour d’Avishai Cohen

Avishai Cohen est de retour en formation trio, avec, au piano, Nitai Hershkovits, et à la batterie, Daniel Dor. Ensemble, ils viennent d’enregistrer From Darkness et sont à l’Olympia pour un concert (complet) le 1er avril. Le compositeur et contrebassiste israélien, âgé aujourd’hui de 45 ans, est sans aucun doute un artiste parvenu à la maturité de son art.

Tout avait commencé au début des années 1990 quand il « s’est lui-même invité aux États-Unis », comme il me le raconte dans un entretien à Paris. Avant lui, d’autres musiciens israéliens y avaient séjourné, mais son parcours a permis de bâtir un pont entre New York et Tel Aviv qui assure désormais des circulations régulières entre les deux capitales : « Jazzeltov ! » titre ainsi Jazz Man en publiant en avril 2009 un article sur les artistes israéliens présents ou de passage à New York.

Avishai obtient d’abord une bourse pour étudier à l’école de jazz de la New School, fondée en 1986. Un choix que fera également le trompettiste Roy Hargrove, qui appartient à la même génération, puis Brad Mehldau ou encore Robert Glasper. L’une des caractéristiques de cette école est de ne faire appel qu’à des praticiens pour enseigner. L’autre est d’avoir été fondée par deux Juifs de Brooklyn, David C. Levy, historien d’art, muséographe et musicien, et le saxophoniste Arnie Lawrence. J’interroge Avishai sur cette proximité des cultures juives et africaines-américaines : « Il y a des expériences communes, une existence compliquée, des souffrances. Mais je n’aimerais pas dire que c’est cela qui conditionne la réussite culturelle, en particulier musicale. Il y a, incontestablement, un lien fort avec le monde, une volonté de porter quelque chose de singulier dans son expression, mais qui a vocation être partagé par le plus grand nombre, à être diffusé partout ».

Sur la scène new-yorkaise, Avishai multiplie les gigs avec des étudiants ou avec des légendes du jazz.  Les rencontres avec Danilo Perez puis Chick Corea sont décisives. Il obtient alors un visa qui lui permet de séjourner et de travailler aux États-Unis.

Il y développe un sens de la performance scénique qui va être déterminant dans le style qu’il va adopter. L’écriture et l’enregistrement d’un CD sont bien sûr essentiels, mais ils ne contraignent pas le jeu du concert public, qui va ajouter « une dimension visuelle ». À l’évidence, l’énergie d’Avishai Cohen est spectaculaire, sans pour autant minorer le rôle de son pianiste et de son batteur.

avishai2452Avishai Cohen (Patrizio Gianquintieri)

« Les musiciens avec qui je joue aujourd’hui ont l’âge que j’avais quand j’étais membre du sextet de Chick Corea. Shai Maestro était encore plus jeune. Je crois beaucoup à cette idée de travailler ensemble sur la durée, et de mettre à profit leur technique – de plus en plus développée –  au service de la création musicale. »

Neuf ans se sont écoulés entre Gently Disturbed et From Darkness, deux albums en formation trio. Entre-temps, Avishai, qui avait commencé à chanter dans le Rock band qu’il avait créé à New York, s’est pris au jeu. À la grande surprise de ses parents ou de ses proches, en Israël, il s’est mis à écrire et à chanter des textes en hébreu. La musique peut cependant s’inspirer de chants arabes, ou revitaliser le ladino, la langue créée par les rabbins espagnols pour traduire et enseigner les textes sacrés hébreux. « J’ai été encouragé à chanter par Bobby McFerrin. Dans ce registre, comme de manière générale, j’aime me donner la sensation d’être au bord de la falaise. »

Cette position rappelle celle de Charles Chaplin quand, dans Les Temps modernes, il fait du patin à roulettes dans un grand magasin en risquant à tout moment de tomber dans le vide. Ce n’est pas un hasard si Avishai Cohen interprète Smile dans un CD qui alterne avec grâce les atmosphères, les rythmes et les places respectives en leader des membres du trio.

 

Bowie/Decouflé, Let’s Dance!

À l’occasion de la venue à la Philharmonie de l’exposition  David Bowie is, le chorégraphe Philippe Decouflé a bâti un spectacle autour de quinze compositions du chanteur, réorchestrées par Pierre Le Bourgeois et interprétées sur scène par trois chanteuses, Sophie Hunger, Jehnny Beth (Savages) et Jeanne Added. En mêlant  guitares (folk et électrique), batterie et synthétiseur, saxophone (pour une ambiance plus jazzy), violon et violoncelle, Le Bourgeois nous rappelle combien l’univers musical de Bowie était composite. Decouflé a également fait appel à des artistes de cirque et à des performeurs comme Jean-Biche. Continuer la lecture de Bowie/Decouflé, Let’s Dance!

David Enhco : childhood memories

Des familles du jazz, de leurs héritages et de leurs réappropriations de la musique, il a souvent été question dans ce carnet. La plupart des musiciens se nourrissent toujours du répertoire, des styles et des apports de leurs prédécesseurs. Eux-mêmes, par leur propre sociabilité, créent ou contribuent à créer des histoires de groupes, des moments partagés d’une expérience musicale vécue à plusieurs, où, selon leur instrument ou leur leadership, certains sont plus moteurs que d’autres dans la recherche de nouveaux modes d’écriture. Pour les artistes africains-américains, le sentiment d’être porteurs, voire même garants, d’une musique qui vient d’une histoire singulière, d’une politique de la mémoire, constitue toujours un puissant vecteur d’identité. Continuer la lecture de David Enhco : childhood memories

Pedrito Martinez, révélation de Jazz à Juan

S’il y a bien une révélation dans l’édition 2014 de Jazz à Juan, c’est le percussionniste cubain Pedrito Martinez. Il avait certes donné un long entretien l’automne dernier à Mundo Latino, mais il est encore relativement inconnu alors que, depuis son installation à New York, en 2000, sa carrière a connu une ascension fulgurante.


Pedrito Martinez,
Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Il ne faut pas chercher bien loin la raison pour laquelle Martinez est devenu musicien. Enfant, dans le quartier de Cayo Hueso, à La Havane, il habitait juste en face du Palacio de la Rumba. Il y a vu, me raconte-t-il,  des groupes « historiques » comme l’Orquesta Aragón. Or, à Juan, il passait après lui sur scène et c’était plaisant de le voir en coulisses écouter ces musiciens et ces chanteurs qui préservent l’héritage d’une musique populaire, et le partagent avec d’autres générations (c’est le cas, en particulier, du flûtiste Eduardo Rubio, un atout majeur).

Martinez a appris à jouer dans la rue et n’a pas réussi à bénéficier d’une éducation musicale, « parce qu’il n’avait pas », me dit-il, « les connections qu’il fallait ». Il a rencontré des légendes cubaines, Tata Guines et Munequitos de Matanzas, avec qui il chante et joue des percussions. En 1998, il est invité au Canada par Jane Bunnett, et tourne avec son groupe, Spirits of Havana. Deux ans plus tard, il gagne le concours du Thelonious Monk Institute qui, pour la première fois, accueillait une section « Afro Latin Jazz Hand Drum ». Décision prise : son nouveau foyer sera les États-Unis, et, en particulier New York. Pedrito Martinez s’y fait connaître en jouant plusieurs soirs par semaine au restaurant-club le Guantanamera, situé Mid-Town.

Il se produit également avec Paquito D’Rivera, Eddie Palmieri, Arturo “Chico” O’Farrill, mais aussi Cassandra Wilson, Joe Lovano, ou même Sting. Wynton Marsalis le repère très vite et l’invite régulièrement au Lincoln Center, à New York. Il est également l’un des hôtes réguliers d’un nouveau club ouvert récemment dans le quartier de Meatpacking, le  Subrosa. Son groupe comprend le percusssioniste Jhair Sala, originaire de Lima (Pérou), le bassiste électrique Alvaro Benavides, de Caracas (Venezuela) et la claviériste et chanteuse Araicne Trujillo, originaire de Cuba. Tous ensemble, ils en imposent par leur énergie et leur entente. Martinez, un temps tenté par la boxe puis le judo, rappelle un peu Trombone Shorty par son allure très athlétique. La puissance de son jeu nécessite même, sur son deuxième jeu de congas, frappé des deux côtés et à l’horizontale, que Jhair Sala les maintienne manuellement en équilibre, tandis qu’Alvaro Benavides centre le micro .

Jhair Sala, Pedrito Martinez et Alvaro Benavides, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Ce qui est particulièrement frappant avec Pedrito Martinez, c’est qu’au jeu déjà compliqué des percussions s’ajoute un chant auquel il accorde une importance égale. Il le fait langue lucumí, originaire des terres Yoruba, au sud du Niger, un dialecte parvenu à Cuba lors de la traite des esclaves. Dans la maison où il vit à Union City, dans le New Jersey, avec sa femme, sa fille (présente à Juan) et ses parents, une pièce est dévolue comme sanctuaire aux divinités Santeria. La rumba y prend ainsi une autre dimension, et cela se ressent sur scène.

À Juan, le chant dans tous ses états

Sans doute en raison d’une plus grande proximité qu’à Nice, la scène de la pinède de Juan-les-Pins favorise-t-elle davantage l’interaction avec le public ? En tout cas, les premiers concerts de Jazz à Juan 2014 se sont toujours terminés cette année par une sorte de communion entre les musiciens et les spectateurs.

J. CULLUMJamie Cullum, Juan-les-Pins, 13 juillet 2014 (Guillaume Laurent).

Ce fut particulièrement le cas avec Jamie Cullum, le 13 juillet. Certes, celui-ci est un habitué des débordements de l’espace scénique vers les spectateurs, mais, il faut le reconnaître, après quelques gesticulations et montées intempestives sur le piano, il a sédentarisé son jeu avec beaucoup de générosité et de présence jazzistique. Ses musiciens ont en effet quitté leur pupitre et se sont regroupés autour de lui pour quelques morceaux au son presque acoustique. Puis, seul au piano, il a repris « Gran Torino », écrit pour le film de Clint Eastwood et « Blackbird », composé par Paul McCartney et enregistrée en 1968 dans le studio 3 d’Abbey Road, tandis qu’au même moment, John Lennon travaillait sur « Revolution 9 ». « Blackbird » est inspiré de la « Bourrée en mi mineur » de Bach et sa résonance politique (hommage à la lutte des Africains-Américains pour leur droits civiques, incarnée par Angela Davis) est aujourd’hui encore l’objet d’un débat entre spécialistes.

Le 15 juillet, quand Manu Katché, Stefano di Battista, Eric Legnini et Richard Bona entrent sur scène, un par un, c’est ce dernier qui est le plus applaudi. Ce n’est pas qu’il soit plus talentueux que les autres membres du quartet, tous excellents musiciens. Mais, entre le Cameroun, d’où il vient, Paris, où il a construit sa carrière et New York, où il vit désormais, il est au carrefour de plusieurs traditions et d’univers musicaux différents. À l’invitation de Manu Katché, il montre combien la voix est elle-même un instrument, expliquant, avant de chanter en douala, sa langue natale, qu’il va utiliser un looper, un appareil qui permet d’enregistrer une phrase musicale et de la superposer à d’autres. Succès garanti.

Le lendemain, c’est une chanteuse irlandaise atypique qui s’empare de la scène de la pinède, Imelda May, plus proche de Robin McKelle que de Stacey Kent ou de Joss Stone. Dans des genres divers, rockabilly, pop rétro, blues et jazz, elle en impose par sa voix et sa forte présence scénique.

I. MAYImelda May, Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Quant au claviériste Booker T., qui faisait partie des invités de Barak Obama lors de la fameuse soirée Blues à la Maison-Blanche, avec Alabama Shakes, il a entraîné le public dans une histoire de la musique Soul qu’il incarne avec beaucoup de décontraction et d’assurance.

Booker T., Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

De 1951 à 1954, le pianiste Bill Evans était conscrit dans l’armée américaine. Sa période sous les drapeaux fut traumatique et lui donna des cauchemars. Alors qu’il tombe en dépression, il compose, pour sa nièce, une valse. « Waltz for Debby » est l’une de ses œuvres les plus connues. Tonny Bennet l’a chanté en sa compagnie. Au piano, avec son trio, Bill Evans la joue avec toute l’intériorité qui le caractérise. À Juan, Chick Corea et Stanley Clarke l’ont reprise, en conclusion d’un set placé également sous le signe de l’épure.

En souvenir de Charlie Haden

Lors de la dernière soirée du Nice Jazz Festival, le 12 juillet 2014, l’ambiance est en demi-teinte. Nous attendons le concert de Joshua Redman et allons découvrir qu’il est coincé entre un groupe de rock et un chanteur brésilien hors sujet. De l’autre scène parvient l’écho un peu bruyant du groupe Galactic. Redman entre en compagnie d’Aaron Goldberg au piano, Reuben Rodgers à la contrebasse et Gregory Hutchinson à la batterie. Il interprète ses propres compositions. Il n’y a pas d’enjeu particulier, pas de dialogue au sommet comme avec Brad Meldhau, mais le quartet est dans son équilibre et l’unité de son inspiration. Viennent des morceaux dont les titres sont évocateurs du temps qui passe : « Yesterdays«  (Jerome Kern), « Past in the Present » (issu d’un album publié en 1994).

J. RedmanLe quartet de Josuah Redman, Nice, 12 juillet 2014 (Jean-Louis Neveu)

Le musicien prend alors le micro et évoque la mort, survenue la nuit précédente, de Charlie Haden. Il commence par un souvenir familial, les liens qui unissaient son père, Dewey Redman, également saxophoniste, à Haden, les nombreux moments passés ensemble. L’émotion commence à l’étreindre, sous le regard de Hutchinson, saisi par ce qui se passe.

Redman dit vouloir jouer un morceau qui n’est pas une composition de Haden, mais un titre que ce dernier aimait interpréter, « Body and Soul ». Les larmes lui viennent aux yeux. Le public est figé. Un silence s’ensuit, un ce ces moments de suspens que j’aime particulièrement.

De cette édition 2014 du festival, nous sommes plusieurs à penser que Cecile McLorin Salvant est l’artiste qui nous a le plus séduits, par la variété et l’intelligence de ses choix musicaux et de son interprétation.

C. McLorin SalvantCecile McLorin Salvant, Nice, 8 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Nous avions déjà bien en tête « Song of Medina (Casbah) » quand Parisien et Peirani se sont mis à l’interpréter, mais nous avons apprécié que ces deux jeunes musiciens le jouent différemment, comme pour nous surprendre par leur énergie et leur imagination.

Peirani + PArisienV. Peirani et É. Parisien, Paris,  juin 2014 (J.-L. Neveu)

Eli Degibri et Kenny Garrett, deux générations de saxophonistes, se sont succédé sur la scène du Théâtre de verdure. Le premier est resté pour écouter le second. À l’éducation qu’ils reçoivent dans les écoles de musique, les jazzmen ajoutent toujours le lien avec leurs aînés et l’expérience de vie qu’ils en retirent.

Degibri + GarrettEli Degibri (J.-L. Neveu ) et Kenny Garrett (P. Gianquintieri), Nice, 11 juillet 2014.

Robin McKelle a confirmé, si besoin était, son talent de performer, qu’elle a également montré lors d’un after-hour au B Spot.

R. McKelleRobin McKelle et Fred Cash Jr., Nice, 11 juillet 2014 (J.-L. Neveu)

Malgré le fait qu’il nous tournait le dos, par ailleurs impressionnant dans sa veste colorée, le pianiste Henry Butler, né à La Nouvelle-Orléans et âgé de 64 ans, est un grand monsieur. Après l’ouragan Katrina, il s’est installé à New York, et si l’on ne peut dire qu’il commence une nouvelle carrière, en tout cas sa notoriété, tardive, est désormais à la hauteur de son talent.

H. ButlerHenry Butler, Nice, 11 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Eli Degibri et Kenny Garrett : le saxophone en majesté

Quand Eli Degibri, né à Jaffa en 1978, réussit deux fois, en 1994 et en 1995, à obtenir une bourse pour suivre les cours de la Berklee College of Music, puis du Thelonious Monk Institute, il ne se doutait pas que les meilleurs moments qu’il va passer avec l’un de ses professeurs, Ron Carter, serait en voiture. « Quand Ron venait enseigner à la Berklee, me raconte Eli Degibri,il se déplaçait depuis New York. Un jour, je lui ai dit que j’aimerais beaucoup aller à Manhattan. Il m’a proposé de l’accompagner en voiture, ainsi nous nous pouvions discuter ensemble pendant les cinq heures du trajet, pas de jazz mais de politique ou d’autres sujets. Ron est quelqu’un de très engagé ».  les voyages qu’ils vont régulièrement faire ensemble en voiture pour rejoindre Boston depuis New York. Pouvoir parler ainsi à bâtons rompus avec l’un des plus grands saxophonistes du second vingtième siècle, signale bien que cette musique n’est pas en dehors du monde : elle procède de la vie même d’une communauté qui a su la rendre universelle. Avishai Cohen, le trompettiste et le bassiste, Omer Avital, Eli Degibri : tous ces musiciens israéliens sont venus et ont séjourné aux États-Unis. Sans pour autant s’éloigner de leur propre culture. Degibri a ainsi enregistré « Israeli Song » (2010), en compagnie de Ron Carter, de Brad Meldhau et d’Al Foster.

Sur la scène du Théâtre de verdure, le public est venu nombreux. En effet, ce soir-là, 10 juillet 2014, en dernière partie de soirée, sur le grand espace Masséna, se produit Deep Purple. Tant mieux, car les auditeurs, qui sont surtout venus pour eux, ne vont pas être déçus du programme qui précède. Degibri, élégant, presque réservé, joue un jazz mélodique, volontiers lyrique. Il le fait accompagné à la contrebasse par Barak Mori, un de ses amis d’enfance, Gadi Lehavi (18 ans), au piano et Ofri Nehemya (20 ans) à la batterie.

Lehavi et Nehemya
Gadi Lehavi et Ofri Nehemya (Jean-Louis Neveu, Nice, 10 juillet 2014)

Eli Degibri m’explique qu’il aime bien s’entourer de jeunes musiciens, lui-même appréciant de pouvoir consacrer du temps à l’enseignement et à la transmission. Il a été le tuteur de Gadi et Ofri dans le cadre d’un programme d’éducation où il a écrit de la musique pour eux. Les deux jeunes musiciens, forts d’une grande maturité technique, apportent énergie et sensibilité au quartet de Degibri. Ofri a d’abord travaillé avec Avishai Cohen avant de rejoindre Eli Degibri.

Très applaudi, Eli Degibri annonce à la fin de sa prestation qu’il est très impatient d’entendre le musicien qui passe après lui. Quelques minutes plus tard, entre en scène le quartet de Kenny Garrett qui démarre au quart de tour pour un concert époustouflant.

K. GARRETT
Kenny Garrett, Corcoran Holt et McClenty Hunter (Patrizio Gianquintieri, Nice, 10 juillet 2014)

Alors que ses compositions sont plutôt atonales et très « free », il va réussir à enflammer les spectateurs grâce à des musiciens d’exception (Vernell Brown, piano ; Corcoran Holt, contrebasse ; McClenty Hunter, batterie ; Rudy Bird, percussions). La tension sera à son comble pour une composition chantée sur un rythme répétitif et envoûtant comme une mélopée orientale, « Happy people ».

Dans le compte rendu vidéo mis en ligne sur le site du festival, on peut entendre Degibri (de 1“ à 2’43“) et Garrett (de 2’44“ à 3’50“).

Cecil McLorin Salvant, une anti-star, ouvre le festival de Nice 2014

Prendre au sérieux le jazz, sans se prendre soi-même au sérieux. C’est ainsi que Cecil McLorin Salvant définit son rapport à la musique à laquelle elle se consacre. En tout cas pour l’instant, car il n’est pas impossible, un jour, qu’elle concrétise un autre de ses rêves, chanter de l’opéra. C’est en venant en France, la patrie de sa mère, originaire de Guadeloupe (son père, médecin, est né à Haïti), qu’elle a étudié le jazz et le chant lyrique. « Si j’étais restée aux États-Unis », m’explique-t-elle lors d’un entretien à Paris, « j’aurais fait des études littéraires, ou de l’histoire ».

Source : http://www.cecilemclorinsalvant.com/photogallery/

À Aix-en-Provence, dans la classe de Jean-François Bonnel, elle apprend l’histoire du jazz non pas sous la forme d’un cours (ce sera pour plus tard, à New York, lors d’un semestre à la New School), mais par des conseils sur un choix de musiques à écouter. Elle découvre, en particulier, des chanteuses des années 1920, comme Bessie Smith ou Ethel Waters. Des chanteurs, comme Bert Williams. Mais elle apprécie aussi le répertoire folklorique américain et s’intéresse à toutes sortes de musiques. Si cela vient de son milieu familial, où elle entendait du jazz, des musiques du monde, du  blue grass, de la Motown, du disco, c’est grâce, aujourd’hui, à son téléphone portable, qu’elle fait des découvertes imprévues : « J’écoute énormément de musique tous les jours et j’essaie de varier, sur un mode aléatoire. Un artiste me mène vers un autre. Je note ce qui me paraît intéressant ».

Cecil McLorin Salvant par Jean-Louis Neveu (Paris, juin 2014)

En reprenant des standards, ou en cherchant des textes ou des musiques peu ou pas connus, elle fait un pas de côté, et prend quelque distance, « presque un second degré, en auditrice que je suis d’abord ». Cela se voit en concert et s’entend bien dans son dernier CD, « WomanChild » (le deuxième, produit par Mack Avenue et distribué par Universal, le premier ayant été autoproduit), avec, par exemple, « I Only Have Eyes For You » (bien différent de la fameuse version des Flamingos, oldies but goodies!), ou « I Did Not Know What Times It Was » (musique de Richard Rodgers et paroles de Lorenz Hart, pour la comédie musicale Too Many Girls, 1939).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=G99FfalLFWQ[/youtube]

Cecil McLorin Salvant est également pianiste et compositrice. Elle a écrit la musique qui accompagne un texte écrit par la poétesse haïtienne Ida Faubert, qu’elle chante avec beaucoup de clarté dans la diction et la voix, de la retenue, de l’humour et du swing, des qualités que Ben Ratliff semble, comme nous, avoir beaucoup appréciées. Sur la scène du Théâtre de verdure de Nice, elle apprivoise petit à petit un public qui peut la trouver, de prime abord, comme un peu distante. Très vite, les gens sont séduits par sa voix, chaude, montant avec beaucoup de souplesse dans les aigus ou descendant dans les graves, et par les textes ou les auteurs qu’elle chante. On comprend très vite qu’elle a beaucoup navigué dans le répertoire, connu ou méconnu et qu’elle a des choix d’interprétation très justes, soucieux de rappeler, en passant, le ton originel, avant d’imprimer le sien. C’est particulièrement le cas avec le fameux « Trolley Song » de Judy Garland (Meet Me in St-Louis, Vincente Minnelli, 1944), ou le très beau « Mal de vivre » de Barbara. Ajoutons qu’à ses côtés, se tiennent des musiciens de grande classe, tel Aaron Diehl.

Ida Faubert (1959).

Cecil McLorin Salvant vit à Harlem, près du Marcus Garvey Park où se tient chaque année le Charlie Parker Festival (dont je rendrai compte de l’édition 2014 bientôt). « J’ai du mal à imaginer que je pourrais habiter ailleurs qu’ici », me dit-elle, alors qu’elle fréquente souvent le Jazz Museum. Mais, si le jazz est roi à New York, il ne l’est pas autant dans le reste de l’Amérique et elle regrette que « cette musique, qui vient des Africains-Américains, ne soit plus pour la jeune génération une source de fierté. Certains en parlent comme d’une musique morte, ennuyeuse… » D’où son souhait, comme le fait si bien Jon Batiste, de se tourner vers les jeunes âgés de 18 à 25 ans et leur enseigner une partie essentielle de l’histoire de leur communauté.