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DE BRAD MEHLDAU À CHRISTIAN SCOTT, NICE FÊTE LE JAZZ TOUTE L’ANNÉE

Après avoir revitalisé le festival d’été du jazz, la ville de Nice a souhaité renforcer et rendre davantage visible la programmation d’artistes de qualité pendant le reste de l’année. Ne disposant pas d’une salle dédiée au jazz en centre ville – ce qui serait souhaitable – les concerts ont lieu généralement dans deux salles  : l’une, le Forum nord, inscrit jusqu’à présent dans un environnement guère attractif, pourrait bénéficier du projet de transformation de l’ancien stade du Ray.

L’autre, le Théâtre Lino Ventura, inauguré en 1992 avec une capacité d’accueil de 700 places, se trouve dans le quartier de l’Ariane, où vivent, dans un environnement peu attractif, mais qui évolue lentement, plus de 10000 personnes, issues pour beaucoup de plusieurs vagues d’immigration. Les associations et les habitants ont souvent été soucieux de donner de la profondeur historique à leur espace de vie, qui fait l’objet, pour un épisode tragique de la Seconde Guerre mondiale, d’une notice dans le fameux Dictionnaire biographique, « Maîtron »

La localisation et les conditions d’accès du théâtre ressemblent à celles de la MC93 à Bobigny, près de Paris. Mais tandis qu’à Bobigny ce sont plutôt des parisiens qui viennent voir des spectacles qui ont souvent été remarqués pour leur qualité et leur inventivité, ici, à l’Ariane, le public, certes dominé par les amateurs de musique, est plutôt familial. Ainsi, lors du concert solo donné le 11 mars 2016 par le pianiste Brad Mehldau, des parents avaient emmené leurs enfants pour un programme assez exigeant. Mehldau n’avait pas  minoré cette étape de tournée, et c’est bien de savoir que certains ont pu le découvrir à cette occasion.

Brad Mehldau en concert (Patrizio Gianquintieri)

Depuis la rentrée 2017, c’est Frederica Randrianome-Karsenty, la directrice du Nice Jazz Festival, qui a pris en charge la programmation. Le 5 octobre dernier, Un double concert permettait d’entendre Lou Tavano en première partie et Anne Pacéo (en formation « Circles »). Un très beau moment, en particulier dans la complicité entre Anne Pacéo et Christophe Panzani, assurément l’un des plus beaux sons actuels au saxophone ténor.

Anne Pacéo et Christophe Panzani, Nice, 5 octobre 2017 (Patrizio Gianquintieri)

Ce samedi, c’est Christian Scott qui sera à l’affiche du Forum nord. Le musicien américain originaire de La Nouvelle Orléans est connu pour mélanger approches jazzistiques et rock, ce qui divise la critique outre-Atlantique. C’est également un artiste engagé, qui a encadré plus de 500 jeunes lycéens dans le cadre des stages Harlem Jazz Residency en 2016. Sa présence à Nice est donc un événement à tous points de vue.

 

WOMAN TO WOMAN

Un casting entièrement féminin et international, en provenance des États-Unis, du Canada, de France, du Chili, d’Israël et du Japon. « Woman to Woman », nommé d’après le titre d’une chanson écrite par Joe Coker et Chris Stainton, après avoir fait vibrer le New Morning, est au Nice Jazz Festival.

C’est Renee Rosnes qui assure la direction artistique, depuis son piano, d’un groupe comprenant la très inspirée Anat Cohen, dont la clarinette a souvent des accents klezmer,

Anat Cohen (Patrizio Gianquitieri)

Melissa Aldana au saxophone, Ingrid Jensen  à la trompette, Allison Miller  à la batterie,

Renee Rosnes, Allison Miller, Melissa Aldana et Ingrid Jensen (Patrizio Gianquintieri)

et  la très énergique et facétieuse Noriko Ueda à la contrebasse.

Noriko Ueda (Patrizio Gianquitieri)

La plupart de ces musiciennes ont déjà une expérience de ce type de formation : ainsi, Noriko joue-t-elle régulièrement dans le DIVA Jazz Orchestra, l’un des groupes entièrement féminins invités chaque année, depuis 2005, dans le Women in Jazz Festival au Dizzy’s Club, à New York.

Mais ce qui réunit la plupart d’entre elles, c’est d’avoir étudié au Berklee College of Music, décidément l’une des plus fécondes écoles de jazz états-uniennes. Et d’avoir trouvé l’une des plus grandes chanteuses actuelles comme permanent guest, Cécile McLorin Salvant, qui accompagne le groupe dans son ensemble ou avec certaines musiciennes.

Cecil McLorin Salvant (Patrizio Gianquitieri)

Cécile, pourtant à peine âgée de 27 ans, semble être en pleine possession de ses moyens et évolue avec une aisance incroyable. Ses choix de répertoire sont d’une grande intelligence, tout comme les lectures qu’elle en fait. Après avoir commencé par « Yesterdays » (Jerome Kern), le concert se termine avec un duo magnifique où Cécile chante avec beaucoup de précision vocale et une belle musicalité, mais surtout avec un grand sens de l’interprétation, « Gracias a la vida », magnifié en son temps par Mercedes Sosa.

 

À JUAN, LE JEUNE CARRÉ FRANÇAIS

En 2015, la réunion annuelle de l’International Jazz Festivals Organization, qui associe 16 festivals internationaux, se tenait à Monaco. À cette occasion, Jean-René Palacio, l’hôte de la manifestation, par ailleurs  directeur artistique du festival Jazz à Juan, souhaitant aider les jeunes musiciens français à se faire connaître ensemble sur les grandes scènes européennes et nord-américaines, en réunit quelques-uns pour un concert spécial, qui retint l’attention des professionnels présents. Ainsi naissait le « French Quarter », présent cette année en ouverture de Jazz à Juan, un an après l’attentat de Nice.

Le groupe tire son nom de celui du carré français construit au XVIIIe siècle en Louisiane  par l’ingénieur-architecte Adrien de Pauger, lors de la création de la Nouvelle-Orléans par Jean-Baptiste Le Moyne de Bienville.  Aujourd’hui, la maison de ce  jeune carré est ouverte à la promesse du monde, qui n’est pas toujours un havre de paix. En témoigne le concert donné à Istanbul un an auparavant, le 15 juillet 2016, où l’équipe s’est trouvée au milieu du coup d’État avorté et du chaos qui a suivi dans la nuit.

Si chacun de ces musiciens possède déjà une certaine notoriété, le fait de les voir jouer collectivement et partager l’interprétation de leurs compositions originales permet d’afficher la vitalité de la scène française. Avec des variations dans la lineup dues aux engagements des uns et des autres, ce sont ainsi Airelle Besson, Hugh Coltman, Laurent Coulondre, Thomas Enhco, Baptiste Herbin, Anne Pacéo, Sylvain Romano, ainsi qu’Émile Parisien et Vincent Peiraniqui ont choisi de se retrouver ensemble, et toujours à l’étranger (sauf l’exception antiboise).

Sylvain Romano, Anne Pacéo, Hugh Coltman, Airelle Besson, Thomas Enhco, Baptiste Herbin et Laurent Coulondre (Patrizio Gianquintieri)

Pour ceux qui les connaissent déjà, c’est une manière nouvelle de revisiter les pièces de leur répertoire récent dans de nouveaux arrangements : « Radio One », et « Neige » (Besson), « Ballade for Jackie » (Herbin), « You’re just a ghost » (Enhco), « Sunny Road Trip » (Coulondre), « Little Big Man » (Coltman), « Myanmar » (Pacéo). De voir la bonne entente régner, comme ici, où Laurent Coulondre surgit inopinément sur scène pour saluer à son tour Thomas Enhco, qui vient de présenter les autres musiciens.

Laurent Coulondre et Thomas Enhco (Patrizio Gianquintieri)

Pour les autres, ce sera une manière de découvrir les univers et les qualités musicales de ce French Quarter. Sans doute en partie à cause du programme qui a placé ses solos en début de concert, la prestation de Baptiste Herbin était particulièrement remarquable par sa musicalité et la beauté du son de son saxophone soprano.

Les uns et les autres repartent dans leurs tournées respectives. Signalons la présence d’Airelle Besson à Souillac et de Hugh Coltman à Saint-Émilion le 21 juillet, celle, le 25 juillet, de Thomas Enhco, en compagnie de Vassilena Serafimova, au festival de piano de La Roque d’Anthéron, et d’Émile Parisien au labyrinthe Miro de la Fondation Maeght. Le 29 juillet, Laurent Coulondre sera à La Londe, puis Anne Pacéo à Marciac le 5 août, Sylvain Romano (le 8 août) et Baptiste Herbin (les 2 et 3 septembre) au Sunset Sunside.

 

 

L’ESPRIT JAZZ D’ED VAN DER ELSKEN

Dans l’épatante exposition que consacre le Jeu de Paume au photographe et cinéaste Ed van der Elsken, il est réjouissant de découvrir, de manière inattendue, des petits formats noir et blanc de musiciens de jazz. Et plus encore de se plonger dans le livre que van der Elsken a publié en 1959, simplement intitulé Jazz, un cadeau qu’il est appréciable de recevoir et tout autant de partager.

Car, pour ma part, c’est une véritable découverte et il semble, en parcourant la toile, que l’édition originale où l’auteur a inscrit, à la main, les noms des musiciens qu’il a photographiés, est très recherchée. Point de fétichisme de collectionneur dans tout cela, car le travail de van der Elsken est tout sauf anecdotique.

Il prolonge les expériences les plus significatives des photographes documentaires américains des années 1930, comme Walker Evans et Dorothea Lange, et partage le goût de son contemporain Robert Frank pour la Street Photography.

En effet, Frank publie au même moment son grand livre Les Américains, qui se rapproche, selon Jonathan Day, de « l’improvisation en jazz, vivant de façon créative dans le moment, tout en étant conscient de la structure dans laquelle les réponses correspondent à ce moment » (Robert Frank’s The Americans. The Art of Documentary Photography, Bristol & Chicago, 2011, p. 42).

Charles Mingus par Robert Frank (Londres, 1951)

Pas étonnant donc que Jack Kerouac, auquel a fait appel Frank pour le texte accompagnant ses photos, ait manifesté également son amour du jazz au point de dire : «Je veux être considéré comme un poète de jazz soufflant un long blues au cours d’une jam-session un dimanche après-midi.» (Libération, 9 août 1995).

Al Cohn, Zoot Sims et Jack Kerouac en 1959 à Hanovre en session d’enregistrement.

Evans et van der Elsken pont en commun le choix du Leica 35mm, doté d’un téléobjectif. Van der Elsken y recoure sans flash pour saisir les musiciens en concert dans la plus grande expressivité physique et musicale, de près ou de loin, de face ou de dos, en contre-plongée ou en surplomb. La prise de vues, en noir et blanc, donne parfois un grain très visible au tirage, qui accentue la force brute du mouvement saisi.

Van der Elsken aime le jazz, les musiciens, mais aussi ceux qui les écoutent. C’est rare de voir un photographe délaisser un moment les artistes pour regarder le public.

Ed van der Elsken, Jazz

Jacques Becker l’avait également fait en 1949 dans Rendez-vous de juillet (merci à Adèle Bossard-Giannesini de me l’avoir fait redécouvrir lors d’un exposé dans mon séminaire sur le jazz et la modernité cinématographique). Il y montre combien, dans l’immédiat après-guerre, le jazz participe à sa manière à la naissance d’une sociabilité générationnelle, les liens amicaux et amoureux se structurant autour d’une musique qui continue à faire danser, tout en entrant bientôt dans une nouvelle ère, celle du Be-bop, où il s’agira davantage de l’écouter, comme l’explique lui-même Jacques Becker.

L’esprit de bande, van der Elsken l’avait si bien connu à Saint-Germain-des-Près que Patrick Modiano l’inclura dans la galerie de personnages d’un de ses romans, Dans le café de la jeunesse perdue, où il écrit : « Un photographe était entré un jour au Condé. Rien dans son allure ne le distinguait des clients. Le même âge, la même tenue vestimentaire négligée. Il portait une veste trop longue pour lui, un pantalon de toile et de grosses chaussures militaires. Il avait pris de nombreuses photos de ceux qui fréquentaient le Condé. Il en était devenu un habitué lui aussi et, pour les autres, c’était comme s’il prenait des photos de famille. » (Folio Gallimard, 2007).

Mais c’est à Amsterdam que van der Elsken a profité de la vitalité de la nouvelle scène jazzistique des années 1950, où se sont côtoyées plusieurs générations de musiciens, de Louis Armstrong au jeune Miles Davis, pour composer la matière de Jazz. Il dépeint avec un grande acuité visuelle l’enthousiasme du jeu, l’effort physique qui distord les corps, les bouches, les bras. Chet Baker y fait davantage percer une rage presque monstrueuse, bien éloignée de la joliesse des photos de William Claxton (que l’on peut néanmoins apprécier).

Ed van der Elsken, Jazz (Chet Baker)

Les instruments envahissent parfois le cadre photographique, au point de les rendre presque inquiétants par leur taille ou leur apparence matérielle. Des sortes de plans de coupe saisissent le regard en forme de clin d’œil  porté par Duke Ellington sur ses musiciens, la sueur qui envahit le visage de Coleman Hawkins, tandis que des vues d’ensemble montrent la communion avec la foule, dans une ambiance enfumée qui fait de la scène un ring de boxe. C’est très cinématographique, car van der Elsken a voulu, même dans un livre, rendre palpable le mouvement, l’énergie vibrante du jazz, son tempo.

Ed van der Elsken, Jazz (Jay Jay Johnson, Elvin Jones, Kai Winding, Red Garland, Lee Konitz et Oscar Pettiford)

D’où vient une mise en page dont l’intelligence graphique et le sens du découpage  sont d’une grande modernité, en particulier dans l’art du dépliement latéral des images ou dans la mise en relation de deux attitudes du même artiste.

Avant de refermer le livre, on pourrait en reprendre la lecture en le feuilletant à vitesse rapide, comme pour un flip book, une approche ludique qu’autorise sa puissance d’archive, celle de l’enfance de l’histoire.

 

ÉDOUARD FERLET : PENSER BACH, SE L’APPROPRIER

En évoquant Bach dans notre contemporanéité, comment ne pas revenir d’abord à Glenn Gould ? Au moins pour un aspect de son jeu, visuellement remarquable : la position basse de son tabouret. Elle donne le sentiment d’une sorte d’humilité devant l’œuvre qu’il interprète, nous laissant presque croire qu’il est en train de déchiffrer la partition et qu’il est lui-même l’auditeur de ce qu’il est en train de jouer, comme dans un rêve éveillé. Dans le largo du concerto n°5 en fa mineur pour piano et orchestre (BWV 1056), la main gauche, d’une grâce extrême, se détache régulièrement du clavier. Même s’il n’y a pas d’indication d’un tempo de référence sur la partition, le rythme est volontiers lent. Dans une interprétation plus récente, Alexandre Tharaud joue quasiment deux fois plus vite. Il y a donc une grande liberté laissée aux pianistes, et ceux-ci en font leur miel.

Mais voici qu’à ces musiciens classiques se sont ajoutés depuis la fin des années cinquante des jazzmen, qui ont approché Bach avec la volonté de le relire avec leur technique, leur sens de l’improvisation, et, pour les plus ambitieux, une approche de déconstruction et de recomposition. Aujourd’hui, deux d’entre eux se distinguent : Dan Tepfer, qui a choisi d’ajouter à chacune des variations Goldberg, une composition libre (c’est ainsi que son CD s’appelle « Goldberg Variations/Variations« ), et Édouard Ferlet, qui a pris le parti de travailler à l’intérieur même de la structure originelle.

En 2012, Ferlet publie « Think Bach », principalement consacré au Clavecin bien tempéré, dont Michel Contat trouve qu’il « surprend et émeut. Il y a d’abord le rythme, son implacable régularité, à respecter, et la tentation mécanique, à déjouer. Comment ? En insufflant la passion à la mathématique. Seul moyen : donner vie aux croches non pas en altérant leurs valeurs mais en les soumettant à une dynamique vivante, en modifiant leur intensité. La frappe alterne alors profondeur et légèreté en un jeu très sérieux qui vise le plaisir pur de la forme » (Télérama, 1er octobre 2012). Quelques mois plus tôt, Ferlet évoquait dans une vidéo sa manière de travailler, alors qu’il n’avait pas encore terminé son CD, une des caractéristiques de ce musicien qui aime bien prendre son temps avant d’arrêter un choix, aidé en cela par Jean-Philippe Viret, dont la complicité bénéficie d’une confiance réciproque forgée depuis des années.

Désormais pris sur un long terme par cette rencontre avec l’univers claviériste de Bach, Édouard Ferlet se rapproche de la claveciniste Violaine Cochard. En 2015, baroque et jazz se croisent dans Bach Plucked/Unplucked. L’exercice joue dans les deux sens et le duo nécessite une grande précision dans la communauté de jeu.

Puis vient Think Bach Op. 2, qui a nécessité une longue préparation. Tirant parti de sa première expérience, Ferlet s’est donné davantage de liberté dans l’adaptation de Bach, sans pour autant affadir ou contredire sa rigueur. Dans la pochette du CD, il indique que l’ensemble des pièces jouées sont des « compositions » sauf une, le Largo du Concerto n°5 en fa mineur dont nous venons d’entendre, plus haut, l’interprétation de Gould. En le jouant d’abord sur sa seule main droite, Ferlet restitue la simple beauté mélodique de ce morceau. Les modifications apportées ensuite sont comme autant de touches discrètes d’un pianiste qui nous donne à entendre sa propre méditation. En studio d’enregistrement, le 7 décembre 2016, après plusieurs prises étalées sur deux jours, il faut conclure. Jean-Philippe Viret fait alors une suggestion :


Jean-Philippe Viret dialogue avec Édouard Ferlet, Studio Audio Lane, La Garenne-Colombes, 7 décembre 2016.

Avec « Mind The Gap », Ferlet indique dans le titre même l’écart qui sépare l’original de sa recréation. Il s’agit du Prélude en ut dièse majeur (BWV 872). En voici une interprétation par un pianiste, Friedrich Gulda, qui avait par ailleurs incorporé le jazz non pas dans la relecture d’œuvres classiques mais dans le déroulement de ses concerts (au risque de déplaire aux deux publics du jazz et du baroque)

Ferlet est habitué depuis plusieurs années à se servir de son ordinateur, qui est relié en permanence à son piano. Il y procède à une écriture virtuelle qu’il met ensuite à l’épreuve de la faisabilité pianistique. Tandis que la mémoire vive de la composition originelle accompagne le travail de création, se fixe progressivement une partition qui clôt l’œuvre et permet de la rendre disponible à tous sur le site web du musicien. La partition, comme manière de se forger une culture musicale : lorsqu’il était à Lunebourg, Bach, âgé de 15 ans, passait beaucoup de temps dans la bibliothèque municipale pour y recopier des partitions.

Pour ce prélude, Édouard Ferlet a commencé par enregistrer séparément les quatre voix, afin de les bien distinguer.

Puis il a trouvé par hasard sur le Web un enregistrement à deux djembé du percussionniste et batteur d’origine guadeloupéenne Sonny Troupé. Le tempo l’a intéressé et lui a même permis d’avoir une base rythmique pour structurer sa composition, comme il nous l’explique à son domicile le 23 mars dernier.

Le résultat est très convaincant et assez jubilatoire, offrant à l’oreille tantôt une sonorité de ragtime, tantôt un développement en boucle bien dans l’esprit du baroque. Cette espèce de joie ludique, qui a demandé du temps et du travail pour se donner dans cette familiarité, si elle s’inscrit dans le temps présent – et profane – rejoint sans aucun doute l’élévation spirituelle en même temps que l’ordinaire du quotidien de création de Bach.

Le CD s’ouvre par une composition inspirée du Prélude en sol dièse majeur (BWV 884), dont Ferlet célèbre la dimension « solaire » et la « générosité ». C’est très exactement ces qualités qui caractérisent Think Bach Op. 2 et qui devraient séduire un large public.

En concert le 13 mai prochain au café de la danse, Édouard Ferlet sera précédé en première partie par Guillaume Latil, puis entouré de Naïssam Jalal et Sonny Troupé. Nous avons hâte de voir comment à la liberté première de l’adaptation de Bach va s’ajouter celle du concert, et provoquer un effet de surprise et, qui sait, de transe.

 

 

 

 

 

LE RENOUVEAU DE « JAZZ MAGAZINE »

C’était donc en décembre 1954. Jazz Magazine sortait son premier numéro, avec Lionel Hampton en couverture et, dans la rubrique d’actualité « Vient de paraître », section 33 tours, on pouvait trouver les noms de Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Dave Brubeck, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan, Nat « King » Cole, Art Tatum, mais aussi, côté français, ceux de Guy Lafitte, Django Reinhart, Henri Renaud, Maxime Saury et d’André Persiani, qui avait reçu trois ans plus tôt le prix « Jazz Hot », et qui fera les beaux soirs du Furstenberg, à Paris, de 1970 à 1988.

À l’époque, il y avait deux revues de jazz en France, Jazz Hot et le Bulletin du Hot Club de France. « Cette année-là, raconte Frank Ténot (Jazz Magazine, n°545, février 2004), il y avait eu à Paris un festival de jazz, organisé principalement par Charles Delaunay, le directeur de Jazz Hot. Et ç’avait été un échec financier. Personne n’ayant voulu combler le déficit, surtout pas la compagnie de disques Vogue où travaillait Delaunay, Jacques Souplet, alors administrateur de Jazz Hot, était parti, furieux, pour aller travailler chez Barclay. Et sa première idée a été de faire une revue de jazz : Jazz Magazine. Il m’a aussitôt demandé de participer au premier numéro. »

Le développement du magazine et son installation dans le paysage jazzistique français auraient pu faire l’objet d’une recherche savante, si Frédéric Goaty, un jeune étudiant inscrit à l’université de Nanterre, avait terminé son mémoire de Maîtrise, qui portait précisément sur l’histoire de Jazz Magazine de 1954 à 1984, mais ce dernier a finalement choisi de travailler à la Fnac et de commencer à écrire des articles sur le jazz, avant de devenir le directeur de la rédaction de Jazz Magazine en 2009. L’appel du jazz serait-il plus fort que l’engagement dans un parcours universitaire ? On pourrait le croire puisque l’un des jeunes collaborateurs actuels de la revue, Pascal Rozat, agrégé d’histoire, a également préféré laisser libre cours à sa passion musicale, en gardant néanmoins de sa formation le goût de l’archive, en particulier filmée (et en provenance de l’INA, comme ce concert de Stan Getz). Il peut en tout cas sembler légitime que Jazz Magazine aime à se présenter comme une « revue d’histoire et d’actualité du jazz ».

Avec environ 7000 abonnés, et des ventes en kiosque qui oscillent entre 5 et 6000 exemplaires chaque mois, la revue a fidélisé un public, plutôt traditionnellement masculin et âgé (50 ans et plus en moyenne, mais la dernière étude du lectorat de Jazz Magazine révèle, de manière certes irrégulière, un certain rajeunissement, le plus souvent porté par un coup de cœur pour un artiste) qui apprécie de pouvoir disposer, selon une hiérarchie qui va du choc d’écoute à la simple notule, de comptes rendus de 70 à 80 nouveautés ou reprises discographiques, sur une offre qui peut aller jusqu’à 150 CD reçus à la rédaction, en même temps que d’un dossier d’histoire généralement centré sur un artiste (le plus souvent des légendes du jazz).

Une fois assuré l’essentiel de l’actualité, les entretiens, le « Blind (Fold) Test », la chronique du « jour où », les portraits, l’approche patrimoniale, qu’est-ce que l’on peut attendre d’une revue mensuelle ? Ce qui s’est pratiqué un temps, et qu’il convient sans doute de revitaliser : le dialogue avec des personnalités provenant d’autres univers artistiques ou intellectuels (à l’exemple des liens noués naguère avec des écrivains comme Georges Perec) ; mais également une rubrique plus consistante sur l’actualité historiographique, y compris en langue anglaise, en entretenant un lien permanent  avec les éditeurs qui prennent le risque de publier des essais ou des traductions (et, dans ce registre, le Centre National du Livre peut aider, d’où l’importance d’assurer une veille sur ce qui se publie à l’étranger) ; ou un accompagnement plus constant de l’acte de création (à l’image du reportage sur l’enregistrement du dernier CD d’Émile Parisien).

Il est vrai que la revue se trouve dans un paysage éditorial à la fois plus clairsemé mais en pleine évolution. De nouvelles revues ont vu le jour, en format papier ou sur le web (ou sur les deux, comme Jazz News). Certaines, comme So Jazz, n’ont eu qu’une durée de vie éphémère. Ce qui n’est pas le cas de Citizen Jazz, qui vient de fêter ses 15 ans d’existence, 

Il existe même désormais une revue scientifique, Epistrophy, créée en 2015, avec deux numéros à son actif, et un troisième en préparation.

C’est surtout dans la presse écrite quotidienne que le jazz est moins présent. À défaut d’avoir une rubrique régulièrement fournie, comme dans le New York Times, où érudition et réactivité se conjuguent et produisent des articles d’une grande tenue, Le Monde possède cependant plusieurs plumes, y compris encore celle, quoique moins active désormais, de Francis Marmande. À Libération, c’est un blog, « Ça va jazzer » (Bruno Pfeiffer) qui couvre l’actualité , même si, et c’est bien dans la tradition du quotidien, la rédaction sait repérer au coup par coup certains courants artistiques nouveaux ou des événements révélateurs d’une évolution sociétale. Un bon exemple se trouve dans l’accueil réservé en France à Kamasi Washington, sur lequel Libé publie pas moins de quatre articles entre 2015 et 2016, dont l’un est signé de Katia Touré, l’une des rares femmes de la rédaction de Jazz Magazine.

Jazz Magazine a récemment souhaité accompagner son travail éditorial par l’organisation d’un festival parisien qui, après sa deuxième édition, mérite de s’installer sur le modèle du Blue Note Festival, soit sur plusieurs jours et dans différents lieux. Dans l’immédiat, rendez-vous régulier est donné aux lecteurs le jeudi soir au Bal Blomet, qui vient de rouvrir à Paris, dans le 15ème arrondissement.

 

BLUE NOTE, UN FESTIVAL ENTRE EUROPE ET AMÉRIQUE

Cette semaine commence le festival Blue Note Xperia, après une première édition, voici deux ans, qui avait servi de rampe de lancement. Tandis que Norah Jones, dont le dernier album renoue avec le style et l’atmosphère de ses débuts, et Ben l’Oncle Soul, affichent déjà complet, d’autres artistes seront également présents, d’Al Jarreau, à Charles Lloyd, Paolo Fresu et Richard Galliano et Jan Lundgren, en passant par des représentants de la nouvelle génération, déjà réputés, comme Robert Glasper, Christian Scott et Trombone Shorty, ou à découvrir, comme Kandace Springs et Terrace Martin.

Ce qui rassemble ces musiciens, assez différents par leur style et leur âge ? L’appartenance au label Blue Note, en tant que producteur ou diffuseur, mais pas uniquement, car le projet Mare Nostrum, de Fresu, Galliano et Lundgren, par exemple, est édité par ACT. Le trio symbolise d’ailleurs la présence européenne au sein d’un groupe d’artistes surtout américains. Ce serait cependant oublier que Blue Note Records, le fameux label créé à New York en 1939, l’a été par Alfred Lion, Max Margulis et Francis Wolff, tous trois juifs allemands originaires de Berlin.

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Max Margulis, Pete Johnson, Abe Bolar, Alfred Lion, Ulysses Livingston. Photo prise par Francis Wolff en 1939 (DR)

Cette histoire pourrait donc être racontée autrement, dans le croisement des échanges entre Berlin, Paris et New York, que ce soit en positif (venue d’artistes africains-américains dans la capitale allemande des années 1920 et du début des années 1930 ; voyages aux Etats-Unis des quelques fans allemands de jazz) ou en négatif (tentatives des nazis non pas d’interdire le jazz comme expression musicale, mais de le rendre « blanc », en créant des groupes concurrents de l’underground berlinois et des artistes américains pendant la Deuxième Guerre mondiale). Par-delà la dimension musicale de la présence transatlantique du jazz, il existe une histoire politique et culturelle, celle qui verra des soldats américains (déjà présents en 1918), qu’ils soient blancs ou noirs, accompagner par leur engagement citoyen la libération des camps, la fin des combats et la capitulation nazie, à l’exemple du jeune chef de Band Dave Brubeck.

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Dave Brubeck et son premier Band (DR)

L’aventure artistique exceptionnelle de Blue Note, de Sidney Bechet, Thelonious Monk, Ornette Coleman, Sonny Rollins, John Coltrane, à Jason Moran aujourd’hui, a fait se croiser la dynamique de l’héritage culturel du New Deal au legs du Bauhaus et de l’art moderne européen (Wolff est photographe, et les graphistes du label donneront un style inimitable aux disques maison).

En un mouvement de balancier assez intéressant à souligner, ce sont aujourd’hui les Français, en l’occurrence le groupe Universal, qui ont sorti Blue Note d’une longue phase de déclin (tout comme Impulse!). Et c’est un Allemand né en Pologne, Siggi Loch, qui a créé en 1992 le label ACT, où les Français Peirani et Parisien ont trouvé des camarades de jeu pour leurs derniers CD (Michael Wollny et Joachim Kühn). On se souviendra également que le label ECM, fondé en 1969 par Manfred Eicher, a édité nombre de grands artistes américains, à commencer par Keith Jarrett, tout en développant une production européenne de haut niveau.


En 1989, ECM permet au saxophoniste Charles Lloyd de redémarrer sa carrière.
Il sera à Pleyel samedi 19 novembre.

La Belle équipe d’Émile Parisien

En 2006, Émile Parisien enregistrait avec son quartet un CD intitulé Au revoir porc-épic, dans lequel figurait une composition en plusieurs parties, mystérieusement intitulée « Le clown tueur de la fête foraine ». Il la reprend dans une interprétation différente dans son dernier opus, auquel il a donné le titre de Sfumato. Jusqu’à présent, le « Sfumato » était connu pour être l’une des techniques favorites de Léonard de Vinci, qu’il décrivait comme étant « sans ligne ni contour, à la façon de la fumée ou au-delà du plan focal ». Nous savons maintenant, grâce à une étude de chercheurs du CNRS, qui ont eu recours à la spectrométrie de fluorescence des rayons X, que, pour obtenir cet effet, le peintre a multiplié les couches de peinture, mais avec des épaisseurs si fines que leur superposition crée un effet de voile davantage que de relief ou d’épaisseur.

Comment interpréter cette technique en termes musicaux ? En deux temps : le premier est la manière dont Parisien a composé son équipe. Pas seulement par affinités ou par rencontres, mais par influences et héritages. Après avoir rencontré le pianiste Joachim Kühn, il lui a proposé de participer à une résidence à Marciac, où le saxophoniste a été formé au jazz. Ce choix s’explique certes par le talent et la renommée du pianiste allemand, et leur appartenance au même label (ACT), mais aussi par le fait que ce dernier a souvent joué avec les deux parrains de Parisien, Daniel Humair (auquel une composition du CD est consacrée) et Jean-Paul Célea. Parisien est également allé chercher un ancien élève de Humair, Manu Codjia. Avec le batteur portugais Mário Costa et le contrebassiste Simon Tailleu, c’est donc toute une génération qui est rassemblée, de 29 à 71 ans et davantage encore avec l’invitation faite à Michel Portal et à Vincent Peirani de se joindre au groupe. Une première prestation publique du quintette a eu lieu au Triton le 14 mai dernier.

Le deuxième temps est celui de l’enregistrement, qu’a suivi l’ami Pascal Rozat pour Jazz Magazine (688, octobre 2016). Il s’agit alors de donner toute leur place à ces musiciens, d’assurer leur complémentarité, de fondre leurs couleurs tout en ménageant des improvisations  personnelles. Parisien restreint ici sa virtuosité free pour des arrangements faisant souvent penser à une écriture proche des expérimentations de la musique du vingtième siècle, mélodique en même temps qu’atonale. La coprésence de la guitare et du piano, ou de la clarinette basse et de l’accordéon, donnent en effet une texture originale dans son expressivité, son énergie et son lyrisme.

Le préambule, qui fait la part belle au duo entre le piano et le saxophone, introduit l’ensemble des musiciens, semble privilégier une tonalité élégiaque, vite démentie dans « Poulp », davantage fragmenté et se jouant de rythmes plus ou moins rapides, avant qu’un instrument, ne prenne la main et emmène les autres sur des variations. Sfumato mélange en effet des compositions d’Émile Parisien et de Joachim Kühn et est appuyé par une solide rythmique. « Le clown tueur de la fête foraine » forme une histoire à part entière, en trois parties, très cinématographiques, dans un style empruntant au réalisme poétique des films français des années 1930, à la manière de La Belle équipe, et au groove des road-movies américains, avec la guitare électrique de Manu Codjia. Après deux morceaux aux rythmes contrastés (lent pour « Brainmachine », enjoué pour « Umckaloabo »), « Balladibiza », installe un climat de suspension du temps, où les musiciens semblent rechercher la meilleure harmonie entre l’accord de l’ensemble et les pensées de chacun. C’est la très grande précision dans l’écriture qui frappe, en même temps que la liberté donnée aux musiciens. Tous seront au New Morning samedi 5 novembre.

Nice : de la tristesse, et pas de Blues

Imagine-t-on traverser l’intérieur du Bataclan juste après l’attentat du 13 novembre, pas même pour voir le lieu, mais comme si on ne faisait qu’y passer, parce que c’est sur le chemin du piéton ou du cycliste? C’est pourtant ce qui se passe à Nice depuis le 14 juillet où, assez rapidement, la Promenade a été rouverte sur pratiquement toute sa longueur. Tandis que le soleil, tout à coup insolent dans sa présence, et la mer, transparente grâce au mistral qui a soufflé, ont continué à maintenir la vie balnéaire estivale, la chaussée et le trottoir de la portion qui va du boulevard Gambetta à l’hôtel Méridien sont parsemés de petites sépultures florales, à l’emplacement de la mort de victimes individuelles, puis de grands carrés mortuaires, quand ce sont des dizaines d’enfants et d’adultes qui ont été fauchés. C’est comme si on pouvait suivre, par la visualisation de ces espaces entourés parfois de craie et de bougies, et souvent de petits mots déposés par les familles et les passants, la progression meurtrière de ce camion qui a foncé dans la foule, par une belle soirée de fête nationale. Le contraste entre la beauté de la baie des anges et ces mémoriaux,  à la taille des personnes tuées, est saisissant et remplit de tristesse.

Quand nous préparions la journée spéciale que France Inter a consacrée au programme que je dirige au sein de l’Institut d’histoire du temps présent – la collecte de témoignages filmés des victimes et des témoins des attentats du 13 novembre dernier à Paris et à Saint-Denis – Jean Lebrun m’avait demandé ce que nous ferions en cas de survenue d’un nouvel événement meurtrier. Sans réponse alors, le sentiment qui domine aujourd’hui, tandis que j’étais présent à Nice pour préparer avec le photographe Patrizio Gianquintieri la couverture du festival de jazz, est d’être sidéré par la brutalité de ce qui s’est passé, et de douter de notre capacité à nous en protéger quand il s’agit de contribuer au travail de mémoire et de connaissance que requièrent de tels actes. Heureusement, je suis entouré d’une anthropologue, Élisabeth Claverie, et d’une historienne, Hélène Dumas, qui ont appris à se confronter à la douleur des victimes de crimes de masse.

À deux pas du plus grand des mémoriaux de la Promenade, l’affiche du « Nice Jazz Festival » a été enlevée de la porte d’entrée du Théâtre de Verdure. La décision a été prise d’annuler l’édition 2016 et l’on peut comprendre que, au moins pendant ces trois jours de deuil national, la musique aurait paru perturber la solennité du moment. Cependant, la culture n’est pas un divertissement, quelque chose qui nous éloignerait de l’essentiel, mais, au contraire, elle est un bien nécessaire, le lieu du partage des expériences, l’expression de ce qui nous réunit dans nos différences et, le plus souvent, la manifestation publique d’une fraternité sincère. Et, s’agissant du jazz, est-il besoin de rappeler ses fondements historiques, la manière dont il a témoigné du racisme et participé à l’évolution des droits civiques aux États-Unis ? Nous ne verrons donc pas Abdullah Ibrahim, ni la marraine de cette édition 2016, Melody Gardot. Nous aurions eu besoin de les entendre. Au moins, dans les archives filmées du festival, peut-on trouver cette « litanie contre la peur » (Christian Scott).

Un jazz inventif célébré aux Victoires 2016

Pour cette édition 2016 des Victoires du jazz, le lieu choisi était la pinède de Juan-Les-Pins, la veille de l’ouverture du festival de Juan. Pour pimenter un peu la soirée, le mistral s’était invité, donnant à la fameuse vue sur l’Esterel une clarté inhabituelle, mais transformant la scène en un frêle esquif battu par le vent. Côté coulisse, l’ambiance était inhabituellement animée, grâce à la présence des nombreux musiciens invités ou en compétition, les uns répétant dans les recoins du backstage, les autres se préparant dans leurs loges. Une vraie fourmilière, où le son des instruments circulait au gré de l’irrégularité du vent.

A. BESSON
Airelle Besson se préparant à jouer avec Lucky Peterson (P. Gianquintieri)

Dans les trois catégories de prix, c’est la batteuse Anne Paceo qui a été sacrée meilleure artiste de l’année, tandis que l’organiste-pianiste Laurent Coulondre était élu Révélation et « Mechanics », de Sylvain Rifflet, meilleur album.

S. RIFFLET L. COULONDRE A. PACEO
Sylvain RIfflet, Laurent Coulondre et Anne Paceo (P. Gianquintieri)

Parmi les albums nominés figurait « Tilt », de Joce Mienniel. Une occasion de (re)découvrir ce flûtiste aux talents protéiformes et à l’univers très original. Sensible aux espaces désertés et aux ruptures de lumière et de rythme, Mienniel cite comme source d’inspiration Cormac McCarthy et Pierre Soulages, dont il a particulièrement apprécié l’exposition tenue au Centre Pompidou en 2010.

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Des correspondances musicales qu’ont suscitées les grande toiles de Soulages, Mienniel écrit : « La couleur noire est dans ce disque, la mesure sur laquelle tout repose et tout se construit. Car il s’agit bien de cela, entendre le noir autrement, l’écouter, s’immerger en lui, et lui trouver une force singulière. À l’instar de l’outrenoir de Pierre Soulages, la musique laisse ici apparaître une infinité de détails au point de révéler une plus grande luminosité que dans nulle autre couleur. »

Comme il l’explique à Elsa Boublil, il a choisi la flûte assez tôt, à l’âge de 10 ans, et en a privilégié le registre alto. En l’écoutant en mode solo, on peut apprécier pleinement la manière dont il s’est approprié l’instrument.

Le compositeur, qui recoure volontiers au traitement électronique du son, travaille également pour le cinéma et la télévision ou, comme ici, pour un clip intitulé « Showreel ».

Mienniel a rejoint les lauréats et les artistes invités en fin de soirée pour entourer Lucky Peterson, dont la générosité bien connue a permis à tous ceux présents sur scène et dans la pinède de célébrer les Victoires du jazz en revenant à son essence, le Blues.

 

 

 

Christophe Panzani, les sentiers qui bifurquent

En 1940, José Bianco, créateur et rédacteur en chef de la revue argentine « Sur », convainc Jorge Luis Borges de regrouper certains de ses textes en un volume. Celui-ci en choisit huit, auquel il donne le nom de « Jardin aux sentiers qui bifurquent ». Il y développe l’idée d’une bifurcation dans le temps et non dans l’espace, à la manière d’une des déambulations chères à l’amoureux des livres et des rayonnages de bibliothèque.

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C. Panzani par Ludovic Debeurme / Couverture de l’édition originale de « Fictions » chez Gallimard, où parut le texte de Borges en traduction.

En 2015, le saxophoniste et compositeur Christophe Panzani reprend ce titre pour l’un des morceaux de son CD, « Les Âmes perdues »,  dont il a confié la couverture au dessinateur Ludovic Debeurme. L’univers de cet auteur exigeant de bandes dessinées, grand lecteur de Freud, Lacan et Deleuze, s’est également nourri du goût pour la guitare et le jazz manouche. Enfant, rapporte Gilles van Kote, Ludovic accompagnait son père « chaque samedi à la Chope des Puces, un bar de Saint-Ouen (Seine-Saint-Denis) où se produisaient Mondine Garcia et son fils Ninine, deux monuments du genre ».

Christophe Panzani a réuni sept pianistes différents pour l’accompagner dans ses chemins de traverse. À voir et à écouter certains d’entre eux présents au Duc des Lombards lors de la soirée consacrée au lancement du CD, il est frappant de constater la belle adéquation entre les styles de chacun d’entre eux et les partitions que leur a attribuées le compositeur. C’est particulièrement le cas avec Laia Genc (« Die Grünen Bohnen »), dont le toucher tout en subtilité incarne pleinement la dimension chambriste et la rigueur classique de ces « âmes perdues ».

C’est également notable dans le duo avec Guillaume Poncelet, ici au piano, mais dont l’instrument principal est la trompette. Tous deux ont déjà partagé pas mal de moments musicaux dans diverses formations, comme celle rassemblée autour du rappeur Gaël Faye.

L’ensemble donne l’impression d’une grande maîtrise dans l’écriture et la construction mélodiques, malgré la diversité des approches et des musiciens.  Très épuré, le jeu du saxophone ténor dégage une présence et un lyrisme qui imposent une grande attention de la part des auditeurs. Le développement de certains morceaux allie parfois gravité et minimalisme comme dans « Le Rêve d’Icare » où les premières notes de Yonahan Avishai font de l’envol promis un enjeu existentiel.

C. PANZANI
Christophe Panzani, Juan-les-Pins, 13 juillet 2016 (Patrizio Gianquintieri)

C’est pourtant un parfum d’une grande douceur qui embaume le « Jardin aux sentiers qui bifurquent », dans un duo avec Dan Tepfer qui est comme un dialogue, à livre ouvert, bien entendu…

 

 

Autour de Chet

Jean-Louis Schefer (cité par Serge Daney) évoquait un jour les films qui « ont regardé notre enfance ». Il voulait ainsi évoquer non pas le regard que nous portons sur eux, mais la place que  certains peuvent nous assigner, et la manière dont ils nous accompagnent, dévoilent, puis capturent notre intimité.

Cela commence donc par un état de suspension du temps, le plaisir de l’instant, l’après-midi passé dans la douceur de la campagne italienne.


C’est l’année 1960, John Cassavetes vient de remonter Shadows, et Jeanne Moreau descend les Champs-Élysées au son de Miles Davis dans Ascenseur pour l’échafaud.

Chet Baker est jeune. Il a 30 ans. Il a un physique de comédien, entre James Dean et les ragazzi pasoliniens. Il faudra attendre l’année 2015 pour qu’un des anciens membres du Cercle des poètes disparus, Ethan Hawke, l’incarne à l’écran dans Born to Be Blue (Robert Budreau, 2015).

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Un soir, Chet n’est pas dans l’humeur de jouer ni de chanter. Il se trouve à Cannes, pendant le festival du film. Les gens sont très bruyants. Il dit : « People couldn’t care less about the music, no! Compared to the New Morning in Paris, where there’s almost as many people, you can hear a pin drop when you play. That’s the difference ». Il est filmé par Bruce Weber. Il se décide  quand même à chanter et jouer « Almost Blue ». « We’d appreciate if you can try to be quiet, it’s that kind of tune, you know… » Ce n’est pas la capacité d’invention musicale qui compte, ni la performance du jeu de la trompette. C’est le feeling.

À force d’écouter Chet interpréter « Imagination », « Let’s get lost », « My Funny Valentine », il n’y avait plus aucune doute. Toutes ces compositions, c’était les siennes, c’est lui qui les avait écrites, elles lui ressemblaient tellement. Qui d’autre, en tout cas, pourrait se les approprier ?

Certains viennent de s’y essayer. Après un temps d’adaptation, force est de convenir que le pari de Clément Ducol, audacieux, est tenu. Tous les artistes se sont retrouvés en même temps dans un studio pour enregistrer et partager leurs expériences. La trompette est tenue par 6 musiciens différents.

Il faut d’abord souligner la qualité exceptionnelle des arrangements de chaque morceau et, davantage encore, les choix d’orchestration : atmosphère chambriste pour Yael Naïm (« Valentine ») ; tonalité blues avec Charles Pasi (voix et harmonica) ; teintes années 1950 pour la trompette d’Airelle Besson, avec une Sandra Nkaké tout en retenue (« It Could Happen To You ») ; un duo inattendu et chaloupé entre Ibeyi et Benjamin Biolay (« Moon & Sand ») ; une belle interprétation de « Let’s Get Lost » par Stéphane Belmondo et Rosemary Standley, qui se déploie comme dans le générique d’un film de Todd Haynes ; un José James à son aise dans la reprise de « Nature Boy ».

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De cet ensemble, qu’accompagnent au fil des morceaux le violoncelle de Pierre-François Dufour, les percussions de Cyril Atef et le piano de Boyan Z, se détachent deux interprétations : celle de « A Taste of Honey », par Piers Faccini, dans le style d’une comptine de l’Ouest américain du temps des pionniers, et le spectaculaire « Born to Be Blue » de Hugh Coltman et Erik Truffaz, sans doute le tune le plus risqué à reprendre après Chet, joué ici avec un léger effet de réverbération, un son qui imposerait le silence au public d’une autre manière, tout simplement en le surprenant.

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Le CD, dont la couverture est très réussie, sort le 29 avril chez Verve. Toute la troupe sera à Paris, pour une rendez-vous exceptionnel, à la Philharmonie, le 9 octobre prochain.

 

Cyrille Aimée, de Samois-sur-Seine à Brooklyn

Choisir d’être chanteuse de jazz, nous l’avons déjà dit, est un enjeu à deux facettes. C’est, d’une part, si le talent est au rendez-vous, s’assurer la bonne grâce des radios et des médias, toujours friands de cette présence à l’antenne, sensée correspondre au goût du public. Mais c’est également se retrouver dans un cercle très fréquenté où la concurrence artistique est grande et l’adoubement du milieu professionnel pas toujours facile à acquérir. D’où la nécessité de faire preuve d’originalité dans le répertoire chanté. C’est le cas de Lou Tavano, en concert le week-end dernier au Duc des Lombards, qui s’appuie sur des compositions personnelles et un style évoluant entre plusieurs inspirations musicales.

C’est également le cas de Cyrille Aimée, dont l’univers musical s’est nourri des expériences qu’elle a vécues en France et aux États-Unis

Née d’un père français et d’une mère dominicaine, Cyrille Aimée a d’abord vécu à Samois-sur-Seine, où Django Reinhardt, qui s’y était installé deux ans avant sa mort, en 1951, est enterré, et où, chaque année, se tient un festival qui porte son nom. À sa double attache familiale s’est ainsi ajouté le partage, pendant un temps, de la vie manouche.

Aux États-Unis, elle étudie au conservatoire de jazz de SUNY Purchase, au nord de New York, avec comme professeurs Pete Malinverni, Jon Faddis et Jimmy Greene. En 2012, elle est l’invitée  du guitariste John Scofield au festival d’été « Shades of Jazz ». Puis, en 2013, elle fait partie du spectacle monté par Wynton Marsalis et Stephen Sondheim, A Bed and A Chair. Elle y est remarquée pour son talent de chanteuse, mais aussi pour sa présence scénique.

C’est d’ailleurs cette qualité très américaine qui la fait remarquer de la presse.  Dans le New York Times, elle est qualifiée de « one-woman rhythm machine » par Stephen Holden et, récemment, sur son blog, Bruno Pfeiffer avoue qu’il l’a « si vite aimée« .

Pour son dernier CD, « Let’s get lost », Cyrille Aimée est allée chercher des compositions dont la plus ancienne, « Three little Words » (Harry Ruby), remonte à 1930. Dans son souvenir, c’est l’un des tout premiers morceaux qu’elle a entendu Ella Fitzgerald chanter. Elle reprend également une chanson peu connue que Georges Moustaki avait composée pour Édith Piaf, « T’es beau tu sais ».  Avec « Estellitas Y Duendes »,  qui évolue entre bachata et merengue, elle rend hommage à  une star de la République dominicaine, Juan Luis Guerra. Quant au morceau si identifié à Chet Baker, « Let’s get lost », elle  a réussi à se l’approprier en accélérant le tempo, avec une guitare manouche et un scat très convaincant.

Cyrille Aimée est en effet entourée de deux guitaristes, Adrien Moignard et Michael Valeanu, de Sam Anning à la contrebasse, et de Rajiv Jayaweera aux percussions, ce qui signale une formation inhabituelle pour une chanteuse.

Cyrille AIMÉE
Cyrille Aimée au New Morning, 8 avril 2016 (C. Delage)

Si elle a dû attendre un peu en France pour que ses CD passent à la radio, ce ne fut pas le cas à New York où elle a pu s’épanouir en jouant pendant de nombreuses années  au Cupping Room Cafe, dont elle a contribué à faire un spot apprécié, entre décontraction et partage de moments musicaux inspirés des musiques du monde.

Sur scène, pour sa première venue au New Morning, elle est apparue très à l’aise. Elle dégage beaucoup d’énergie et sait associer ses musiciens en leur donnant toute leur place, en particulier dans le duo entre la guitare manouche et la guitare électrique. Grâce à sa belle maîtrise du scat, elle crée des ruptures de tempo, des accélérations qui enflamment le public.

Hugh Coltman, du Blues à Nat King Cole

En concert au Trianon le 6 février dernier, dans une salle bondée, Hugh Coltman a séduit le public présent par sa manière de se réapproprier, sans aucune mièvrerie, et avec beaucoup de personnalité, l’œuvre de Nat King Cole.

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Hugh Coltman, entre Nat King Cole et Muddy Waters

Entouré d’excellents musiciens, avec, en particulier, le pianiste Gael Rakotondrabé, Coltman a revisité des grands standards de Cole, en les détachant de l’image un peu trop lisse du crooner, et en mettant en valeur l’héritage du Blues, et, singulièrement, de Muddy Waters.

C’est en effet par là qu’il avait commencé sa carrière, avec le groupe The Hoax. En tournée, il avait croisé John Lee Hooker, B.B. King et Buddy Guy. Quand il reforme son groupe, en 2008, le Live qu’ils publient deux ans plus tard renouvelle cet intérêt (2010, A Blues Odyssey).

Avec Nat King Cole, il s’agit d’abord, comme il nous le confie, d’un retour à la musique qu’il entendait dans le foyer familial. Le CD « Shadows: songs of Nat King Cole » a été conçu en hommage à sa mère, disparue alors qu’il n’était âgé que de 7 ans. « Elle était fan de lui », nous confie-t-il. « Elle avait un best of de ses chansons qui tournait en boucle à la maison ».

À ce souvenir d’enfance s’est maintenant adjointe une préoccupation plus politique. Coltman s’est en effet intéressé à la vie de Nat King Cole, grâce, en particulier, à la vision d’un documentaire réalisé par Alan Lewens en 1989, Unforgettable : Nat “King“ Cole. Il y a découvert les contradictions dans lesquelles le chanteur s’est trouvé, alors qu’il ne voulait pas s’engager dans la lutte pour les droits cvils, au grand dam de la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP). Il a pourtant été  victime des agissements de groupes racistes. « Comment, malgré sa couleur de peau, a-t-il pu s’en tenir à cette musique si douce, à ce sourire? » Ce « smile », Coltman le fait glisser dans l’univers de Chaplin, avec une reprise qui a donné matière à un clip. Il confesse une admiration pour la manière dont « Charlot, dans Modern Times, arrive à patiner avec une incroyable précision, tout en se faisant passer pour maladroit.

La manière dont Coltman a arrangé certains des hits de Nat King Cole, pour les rendre plus rythmés, plus rauques, est particulièrement remarquable dans son interprétation de Nature Boy, le premier grand succès de Cole en 1947. Dans le concert du Trianon, il a d’ailleurs enchaîné avec « You Rascal You », hors répertoire de Nat King Cole, mais dans la même veine, qu’Amstrong avait enregistré pour un dessin animé de Betty Boop.

C’est dans un registre plus intime qu’il interprète enfin, assis, « Morning Star », en hommage, désormais, à la mère de ses enfants.

« For there in my mother’s eyes
I saw the morning star

The lovelight in her eyes
Shining bright like a morning star ».

 

Les mémoires vives de Marcus Miller

Avec Afrodeezia, Marcus Miller continue les pérégrinations qu’il avait commencées dans son précédent album, Renaissance.

M. MILLER
Marcus Miller (© Patrizio Gianquintieri)

En tant qu’artiste de l’UNESCO pour la paix, et porte-parole du projet « La Route de l’esclave », lancé en 1994 au Bénin, il s’est rendu à Gorée et a visité la Maison des esclaves. Il y a vu  comment hommes, femmes et enfants africains, entassés comme des animaux pour être empilés sur des navires négriers, devaient franchir une porte « sans-retour ».

« Alors que je travaillais sur la composition de “Gorée », écrit Miller sur son site (marcusmiller.com), je fus frappé par l’idée que « la porte du non retour » représentait non seulement la fin de l’expérience africaine des captifs, mais d’une certaine manière, cette porte symbolisait également le début de notre expérience afro-américaine».

Cette mémoire tragique a été en quelque sorte apaisée par la musique qui en est issue et qui veut transmettre un message d’« espoir et de résistance ». Ainsi Afrodeezia se veut « une reconnaissance et la célébration des différents styles musicaux qui se sont  développés à partir de l’expérience de l’esclavage, un voyage difficile, continu, mais joyeux vers la liberté. »

Pour composer et enregistrer ce nouvel album, Marcus Miller est allé à la recherche des rythmes qui ont construit l’héritage musical du jazz, puis, avec ses musiciens, il s’est rendu au Maroc et au Nigéria, à Paris et Sao Paulo, des Caraïbes à la Louisiane, pour finir par les grandes villes de Chicago, Detroit, et New York.

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Marcus Miller (© Jean-Philippe Marty)

Sur scène, dans la pinède de Juan-les-pins, les rythmes et les couleurs musicales d’Afrodeezia emportent très rapidement l’adhésion du public. Le trompettiste de Miller se fait particulièrement remarquer par la qualité de son jeu, jusqu’à l’arrivée d’Ibrahim Maalouf, invité à partager avec Miller une création qui ajoute une note orientale aux saveurs africaines.

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Lee Hogans et Ibrahim Maalouf (© Jean-Philippe Marty)

Cette mémoire vive des racines du jazz est volontaire. Elle se nourrit cependant d’un héritage plus intime. Le grand-père de Miller était évêque épiscopal et jouait du piano. Son père, organiste, pianiste, et chef de chœur, officiait surtout dans les églises noires épiscopales. Avec « Preacher’s Kid », Miller a voulu rendre hommage à son père, âgé aujourd’hui de 90 ans.

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Atteint de la maladie d’Alzheimer, William H. se souvient encore de ses deux fils. Il a cependant posé, sur la table de nuit à côté de son lit, une des couvertures de disque de Marcus, au cas où…