Imany, de New York à Juan.

Photographie Jean-Philippe Marty, pinède de Juan-les-Pins, 21 juillet 2011.

Il y a deux ans, j’avais déjà évoqué la forte présence et la qualité du jazz vocal féminin, alors que Mélody Gardot venait de s’affirmer comme un talent avec lequel il allait falloir désormais compter.

Cette année, la jeune auteur et interprète Imany s’est spontanément imposée au public de Jazz à Juan par sa classe, sa tranquille assurance et sa beauté.

Née en France, issue d’une famille d’origine comorienne de dix enfants, elle a vécu en région parisienne et sa scolarité s’est effectuée dans un collège d’établissement militaire pour jeunes filles (son père était pompier dans l’armée de l’air). Partie à New York,  un peu sans repères, elle devient mannequin puis s’intéresse à la chanson et, entre Brooklyn et Manhattan, se produit sur quelques scènes arty, dont celle du Bitter End, un club classé « landmark » où Bob Dylan lança naguère sa Rolling Thunder Revue et où elle chante pour la première fois l’un des titres de ce qui allait devenir son premier album, « I Lost My Keys ».

I don’t trust myself
I’ve been doing the same mistakes
can you help me to find a family ?
I am so lonely by myself
I lost my keys
I don’t even know my own address
and there’s nowhere I wanna be

Sa voix, un peu rauque, la prédispose naturellement au style folk ou soul, mais ses compositions l’ont très vite fait comparer à Tracy Chapman, ou même Billie Holiday. Après un concert où elle a semblé très à l’aise sur scène, elle prend volontiers le temps de répondre à quelques questions, à commencer par celle sur ses racines :

« Je suis née en France, mais il n’empêche que l’on me demande toujours d’où je viens. Je ne suis pas souvent allée dans le pays d’origine de ma famille, mais j’ai quand même écrit en partie une de mes chansons en comorien, avec l’aide de mon père il est vrai ».

Votre père vous a-t-il souvent parlé de l’histoire des Comores ?

« Lui est très concerné par l’indépendance, mais moi, mon engagement est davantage personnel. Le contexte a changé. Holiday vivait au temps de la discrimination raciale, Chapman s’est engagée contre l’apartheid, je me sens concernée par d’autres questions, celle, par exemple, du mariage forcé des jeunes filles, que j’évoque dans « You Will Never Know ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=L4tF9EnbcxU[/youtube]

Dans ce clip, réalisé par Andrew Dosunmu, la voix est distincte des images, où l’on ne vous voit jamais chanter.

« Oui, c’était un choix commun avec le réalisateur. Comme la production s’inquiétait qu’on ne me reconnaisse pas, au milieu de la figuration, ils ont insisté pour que je porte une robe blanche ! (rires) »

Cela fait aussi sens par rapport à ce que vous chantez, l’innocence volée, même si, à la fin, vous inversez le rapport de domination et retrouvez votre fierté.

« Nous avons conçu le clip comme un court-métrage qui raconte une histoire, celle d’une liberté individuelle retrouvée. »

Vous avez également fait une reprise de Redemption Song, de Bob Marley, qui évoque les « vieux pirates qui m’ont volé et vendu aux bateaux d’esclaves ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=SLQI41QrlGo [/youtube]

Oui, je l’ai beaucoup chanté à mes débuts, ce soir j’ai choisi de reprendre Mercedes Benz de Janis Joplin.

À New York, vous vous êtes fait connaître en chantant en anglais?

« J’ai chanté en anglais mais aussi en français, les Américains adorent cela, La Vie en rose par exemple. Pour l’instant, je suis la tournée de Ben L’oncle Soul mais cet automne, je serai avec la formation avec laquelle j’ai enregistré mon CD, soit 8 musiciens. J’espère partir en Amérique du sud, aux Comores, revenir à New York. Et puis, au jour le jour, je prépare mon prochain CD, juste en essayant des maquettes sur mon ordinateur. »


B.B. King : Oldies, but Goodies

Dans les concerts, particulièrement ceux en plein air, et davantage encore dans la pinède  de Juan-les-pins, l’entrée et la sortie de scène de l’artiste invité ajoutent toujours au plaisir du show, en contribuant à l’empathie entre ce dernier et le public. Après tout, c’est cela le privilège du spectacle vivant, que ce soit le théâtre, la danse ou la musique : le partage, la communion, dans l’évanescence de l’instant présent.

Dans l’après-midi, pendant la balance, un musicien s’était assis sur une chaise tout à fait ordinaire placé au milieu de la scène. Un des photographes présents a voulu saisir cette opportunité pour prendre un cliché « posé ». Refus immédiat mais poli de celui-ci. Cette chaise, c’est celle de Riley B. King, surnommé B. B. (Blues Boy) King. Les consignes pour le soir sont précises : les photographes auront droit à trois morceaux, mais l’orchestre en jouera d’abord deux seul. Le King, âgé de 85 ans, entrera en fauteuil roulant avant de s’asseoir sur cette fameuse chaise.

Me revient en mémoire l’entrée de scène d’Aretha Franklin il y a deux ans au Radio City Music Hall de New York. Après une attente interminable, meublée par du stand-up, l’orchestre était apparu par un de ces effets de lever de rideau et de pivotement de scène propres au Radio City, puis, après encore un bon quart d’heure, un chauffeur de salle était venu au centre et avait commencé à hurler : « Ladies and gentlemen, please welcome the queen of soul, A/Re/Tha/Fran/kliiiiin » ! Dans ce genre de situation, il va de soi que la salle est totalement acquise, debout, excitée. Sur la scène immense, Aretha arrive très lentement par la gauche, encadrée par deux personnes qui l’aident à marcher. Puis, seule, elle se dirige au centre et commence à chanter, pas très juste ni très fort. Qu’importe, c’est Aretha, celle qui a eu le privilège de chanter le jour de l’intronisation de Barack Obama (avec son beau chapeau, pour les fans seulement) :

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=YsNHhJTZAM0 [/youtube]

Après être resté un instant sur le devant de la scène, en compagnie des photographes, il était temps de monter sur la mezzanine, pour ne rien rater de l’entrée de scène du King, autrement dit, voir ce qui se passait en coulisse. L’orchestre se met en place, dirigé par le trompettiste James Bolden, et l’ensemble sonne tout de suite plein pot. Un morceau, deux morceaux. Un des musiciens, en costume rouge, vient devant le micro central. Même style que pour Aretha. Et là, petit miracle, B. B. King entre debout, sans être épaulé. Il s’asseoit, prend sa guitare et se met à chanter sans embage. Puis, il présente tous ses musiciens et dit : « My name is B. B. King. Im an old man from Mississipi. »

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=F4OXrmxDp44[/youtube]

Il commence à bavarder, à s’adresser au public, à bafailler, comme on dit dans le midi. On comprend vite qu’il ne va pas chanter beaucoup, mais peu importe car il est surtout question de « kisses » : « Oh give me one more kiss darling. Just before I go. Cause when I leave this time little girl. I won’t be back no more. »

Maintenant, se demande le spectateur, comment va-t-il quitter la scène ? Une personne s’approche de lui pour le prendre en photo. Il lui serre la main. Une autre profite de cette ouverture pour faire la même chose. La sécurité l’en empêche. Mais le King fait signe qu’il est d’accord : bientôt le devant de scène est bondé de gens, plutôt jeunes, qui, un par un, viennent saluer le vieux lion. Il aimerait bien se lever, mais, n’étaient-ces ces mauvaises jambes, il est quand même en forme et bien dans sa tête.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=3GWc78hD4I4&feature=related [/youtube]

Il finit par se lever et, dans une ambiance survoltée, la sortie du King est annoncée par le même musicien qu’au début. Bien sûr, en regardant les vidéos de ses autres concerts, ce qu’il a chanté et fait à Juan, il l’a fait partout ailleurs, presque de la même manière. Mais il a su donner quelque chose aux gens venus le voir, une part de son charisme, de son humanité, de son identité africaine-américaine. Il peut s’en aller, fier de ce qu’il a fait, en autodidacte heureux de nous dire que son neveu, présent sur scène à ses côtés, a pu, lui, faire des études pour devenir musicien.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=I9dvjWQtth0[/youtube]

Miles Turning Electric

« Georges Marchais avait souhaité une cérémonie simple, écrit Pascal Virot dans Libération. Elle fut dépouillée. Et sans émotion. […] Crêpés de noir, les drapeaux tricolores et les drapeaux rouges, frappés de la faucille et du marteau, s’agitent mollement sous la pluie. […] Le cercueil est recouvert d’un drapeau rouge coiffé d’un drapeau tricolore. La trompette de Miles Davis exhale ses accords mélancoliques. »

Oui, vous avez bien lu, la montâââgne n’était pas belle ce jour-là, car, surprise, point de Jean Ferrat mais du Miles Davis ! « Accord mélancoliques » ? Pas vraiment, cependant, car le disque choisi pour les funérailles du Secrétaire général du Parti communiste français, c’était Bitches Brew (1969, dont la spendide pochette a été réalisée par Abdul Mati Klarwein), troisième meilleure vente pour un album de jazz après Kind of Blue et Time Out (Dave Brubeck), mais, surtout, moment-clé où Miles développe un nouveau genre, le jazz-rock fusion, dont l’une des caractéristiques majeures est d’électrifier les intruments.

Comme toujours, le casting fait rêver, surtout rétrospectivement, étant donné la carrière de la plupart de ces jeunes musiciens : Bennie Maupin (clarinette basse), Joe Zawinul, Larry Young, Chick Corea (piano électrique), John McLaughlin (guitare), Dave Holland (contrebasse), Harvey Nrooks (basse électrique), Lenny White (batterie), Don Alias (Batterie, congas) et Wayne Shorter (saxophone soprano). Étaient présents hier, en ouverture de Jazz à Juan 2011, et pour commémorer la sortie de cet album : Bennie Maupin, en première partie,  avec un groupe dont le nom même (Bitches Brew Beyond) signale bien l’héritage revendiqué, Herbie Hancock et Wayne Shorter, en seconde partie, accompagnés par Marcus Miller et deux jeunes musiciens, Sean Jones (trompette) et Sean Rickman (batterie). Quant à Jack DeJohnette (batterie), il sera là ce soir pour le concert annuel du trio de Keith Jarret.

Ce genre de « Tribute » à Miles est un exercice périlleux. D’abord sur un plan historique : le passage à l’électrique a été un tel choc en son temps qu’il est quasiment impossible d’en redonner à entendre, aujourd’hui, à quarante ans de distance, la nouveauté radicale. En effet, les amateurs de Miles étaient alors habitués à un certain univers sonore du trompettiste et, pour une partie d’entre eux, ils ont été déboussolés par la transformation effectuée. Mais il faut compter aussi avec la conscience que nous avons aujourd’hui de l’histoire du jazz et notre sentiment, même confus, du vieillissement de certaines partitions, voire de la pratique de certains instruments, je pense ici à l’usage de l’orgue Hammond et aux percussions harmoniques du modèle B3. Sans parler de la « fusion » entre jazz, rock et funk, qui correspond également à un moment précis (fin des années 1960, époque du festival de Woodstock, etc.).

Si le groupe Bitches Brew Beyond a paru un peu terne, nous laissant trop sur le bord du chemin emprunté par Miles, le parcours proposé par Marcus Miller était somptueux. C’est lui qui a eu l’idée de cet hommage et qui l’a en quelque sorte conçu d’abord comme une dialogue, un partage entre musiciens de trois générations différentes (celle de Hancock et Shorter, celle de Miller et celle de Jones et Rickman), ensuite comme un continuum en deux longues séquences sans interruption. La première, la plus longue, de près d’une heure, a été présentée par Miller comme  la partition qu’aurait pu imaginer Miles dans le rêve d’une vie idéale. Très belle formule pour un moment d’une incroyable intensité, où la puissance électrique donnait aux cuivres une ampleur symphonique. Les variations de tempo, au sein d’une formation  très cohérente et unie, étaient lancées par la batterie ou par la clarinette basse, et l’ensemble n’était jamais agressif, mais plutôt cool. Sans doute était-ce la volonté de Miller d’insister davantage sur la continuité du parcours de Miles que sur ses ruptures, une perspective rendue possible par le fait qu’il avait intégré l’équipe des siders du maître après le tournant électrique et que cela fait désormais vingt ans que ce dernier est décédé.

En fin de concert, après un solo remarqué de Hancock sur « Someday My Prince Will Come » (que Miles avait enregistré en 1961 à New York), la reprise de « Time after Time »

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=OddHP8_Em7s[/youtube]

et de « Tutu »

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=hL5JrivCaLM&feature=related[/youtube]

a ravi le public, très nombreux, venu célébrer la mémoire vive de Miles Davis.

Ahmad Jamal, a French Celebration


Jamal à l’affiche de l’Olympia (2000 et 2011).

C’est comme si toutes ses dates anniversaires êtaient fêtées depuis 30 ans. Pourtant Ahmad Jamal n’a pas toujours connnu le succès public et/ou critique. En France, il a fêté ses 80 ans à Marciac, puis ses 81 ans à Paris, à l’Olmypia, avant d’être célébré ce soir à Nice, en clôture du festival.

Beaucoup d’articles ont été écrits sur lui, mais jusqu’à présent aucun livre. En novembre 2010, Alex Dutilh a consacré une semaine de son Open Jazz à un long entretien qu’il a réalisé avec Georges Kiossef dans la maison du pianiste dans le Connecticut.

Pour qui veut découvrir ce musicien, je ne peux que recommander la notice de Wikipedia, pour une fois bien mieux documentée que la version en langue anglaise, et dont la qualité signale bien l’intérêt porté par les Français à l’artiste.

Frederick Russell Jones est né à Pittsburgh, en Pennsylvanie, dans une famille modeste où son père travaillait dans une aciérie et sa mère était femme de ménage. À l’époque, l’État, surnommé « Keystate » en raison de sa position géographique privilégiée entre Nord et Sud, comme entre côte atlantique et Midwest, était encore l’un des poumons industriels des États-Unis, producteur d’acier et de pétrole (aujourd’hui du très polluant gaz de schiste). Deux grands capitaines d’industrie ont symbolisé l’essor de la sidérurgie et des chemins de fer à Pittsburgh : Andrew Carnegie, qui, avec sa société, Carnegie Steel, a fait fortune en produisant des rails de chemin de fer, avant de la revendre au financier J.P. Morgan et de devenir un mécène exceptionnel ; Andrew Mellon, financier de l’industrie, homme politique, qui ne brilla pas particulièrement par son progressisme pendant la Grande Dépression, avant de devenir un philanthrope avisé.

Pour voir à quand ressemblait encore les paysages de la Pennsylvanie ouvrière avant la grande reconversion dans le tertiaire à la fin des années 1980, il suffit de se souvenir du début du film de Michael Cimino, The Deer Hunter, qui montre non seulement des ouvriers travaillant dans une usine sidérurgique mais également la présence de la nature, dans un territoire où la confrontation à l’autre se fait d’abord dans la montagne, dans le rituel de la chasse aux cerfs, avant de se déplacer au Vietnam.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=idvJ6MoL21I[/youtube]

C’est dès l’âge de trois ans que Frederick touche pour la première fois un piano, soit un an plus tard que le fils d’une voisine, amie de sa mère, Erroll Garner ! Le rêve de Frederik : aller à la prestigieuse Julliard School, à New York. Il finira par y arriver, mais à 32 ans, alors que son trio, qui venait de connaître un grand succès en 1959, se dissout trois ans plus tard.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_Qc3VaXtW5M[/youtube]

Frederik, renommé Ahmad Jamal lors de sa conversion à l’islam en 1952, devient ensuite un pianiste autant accompli que respecté. L’économie de son jeu, son incroyable aisance, son goût de l’épure sont très caractéristiques d’une personnalité que je rapprocherais volontiers de Yehudi Menuhin, n’était-ce le caractère parfois autoritaire de la direction de son trio (il est capable de se retourner brusquement, depuis son piano, pour tancer du regard un musicien qui a fait un écart par rapport à ce qu’il attendait de lui).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=Cp2UgfaQwTc&NR=1[/youtube]

Le concert d’Ahmad Jamal prend place après celui de Roy Hargrove et avant celui de Wynton Marsalis dans le Théâtre de verdure. Un vrai feu d’artifice…

Rencontre avec Michel Portal

S’il y a un musicien qui n’a jamais été menacé par la routine ou par l’autosatisfaction, c’est bien Michel Portal, dont le parcours d’artiste, exceptionnel, s’est constamment placé sous le signe de l’exigence, de l’ouverture et de l’humilité.

« Sa musique jouissive, véhémente, lyrique, inventive, interrogative est une perpétuelle remise en cause de l’humain et des structures », écrit de lui Francis Marmande. Mais ce qui frappe surtout, dans son exercice de prédilection, le concert, c’est sa concentration. L’improvisation prend chez lui une autre forme que celle à laquelle les musiciens de jazz nous ont ont habitués. C’est davantage une plongée dans l’intimité de la création tout autant que dans le partage avec d’autres musiciens : une expérience qui s’engage dans le temps du jeu lui-même, sans savoir toujours vers où le compositeur-interprète s’engage et nous conduit.

Dasn un entretien accordé récemment à Arnaud Valerin lors de la sortie de son dernier CD, « Baïlador », Portal explique pourtant que, cette fois-ci, il ne voulait pas partir sur un « free total ».  Il est venu en studio avec une partition, qu’il avait travaillée avec Boyan Z et qu’il a demandée aux musiciens de jouer telle qu’elle était écrite, avec des chorus plutôt courts par rapport à l’exposition des thèmes. L’entretien proprement dit laisse d’ailleurs vite la place à l’image de  Portal dont on lit sur le visage, très expressif, le ressenti à l’écoute de l’un des morceaux de l’album, « Citrus Juice ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=-giJE8YTYdg[/youtube]

Dans l’entretien qu’il nous accorde après le concert, je reviens sur sa très grande attention et sa réactivité au jeu des musiciens qui l’entourent.

Vous donnez l’mpression, souvent, en concert, d’être comme transpercé par le son, le jeu des musiciens qui vous entourent.

« Quand je joue, je ne me sens pas compositeur. Ce qui m’importe, c’est que l’intensité de la musique ne faiblisse pas. Prenez le Quintette avec clarinette de Mozart, la tension est très grande, dès le début, et il faut la garder ainsi jusqu’au bout. En jazz, je suis du côté de Charlie Mingus, qui faisait comprendre séparément à ses musiciens : « T’entends ce que je joue ? ». C’est cela, un concert, de la transmission entre individus. Si cela ne marche pas, si on est en standby, je suis déraciné. »

Baïlador a été composé dans un temps inhabituellement court pour vous, trois ans.

« Oui, d’habitude, c’est beaucoup plus long… En général, j’écris des musiques qui se limitent à 8 mesures tout au plus. C’est un travail lent, que je ne peux pas faire tous les jours, en me levant le matin et en me disant que je vais composer.

Comment s’est passé l’enregistrement en studio ?

« J’ai enregistré à New York, au studio Avatar, en compagnie de Boyan Z (piano), avec qui j’ai écrit la plupart des compositions, Ambrose Akinmusire (trompette), Lionel Loueke (guitare), Scott Colley (contrebasse) et Jack DeJohnette (batterie). Ma démarche ne correspond pas au mode courant de travail en studio. En général , il faut faire de la « production », c’est-à-dire écouter ce qu’on vient d’enregistrer et procéder le cas échéant à des modifications sur ordinateur. À son époque, quand une seule note ne le satisfaisait pas, Coltrane demandait à son groupe de tout rejouer ! Moi, ce qui m’importe par dessus tout, c’est la fusion du jeu. Par exemple, je commence à jouer et j’attends, je cherche le trompettiste, j’essaie de rentrer dans son univers.

Ce soir, on a bien vu la complicité qui vous unit à Bojan Z. Cela a semblé plus délicat avec certains des autres musiciens présents.

« Ambrose et Boyan étaient présents, mais Nasheet Waits (le batteur habituel de Jason Moran) et Harrish Raghavon (contrebasse) jouaient le programme pour la première fois. C’est plus difficile d’être bien en phase, surtout quand on propose soudainement des accords, une profondeur de son, qui proviennent d’un autre univers que celui du jazz. Quand les musiciens pratiquaient le free total, une époque qui est bien lointaine aujourd’hui, où on est passé à autre chose, ils se connaissaient parfaitement et avaient en commun la même culture musicale, une connaissance d’ailleurs très pointue du jazz. Je pense à Wayne Shorter, par exemple  »

Il faut dire aussi que votre double culture musicale (jazz et classique) n’est pas courante. J’avais l’impression, en entendant Tutti No Hystérique, d’être plutôt à l’Ircam que dans un festival de jazz.

« Oui, c’est d’ailleurs très séduisant, ce duo avec Ambrose, mais j’en connais trop bien le secret de fabrication : c’est une construction sérielle, avec des blocs harmoniques. C’est trop mathématique, je sais le faire mais cela ne me passionne pas. »

Je ne suis pas d’accord. Sans doute est-ce très construit, mais c’est inattendu et il y a des notes d’humour quand, tout à coup, les instruments miment des embrassades

« Oui, je crois que ce que je fais, c’est un Blues bizarre. Vous avez trouvé comment, mon dernier CD? »

Je suis très sensible à cet équilibre entre une partition écrite, très complexe, très exigeante dans son interprétation, et cette communion que vous recherchez en concert avec les musiciens, qui laisse ouvert le jeu, avec ses imprévus, peut-être ses ratés. Cela implique l’auditeur, à qui vous donnez une place, jamais passive.

« Oui, j’aime bien surprendre mes musiciens, voir comment ils vont réagir. Quelque chose advient, en concert. Souvent, le jazz, c’est de la guimauve, dans le sens sentimental. J’ai peur des choses vulgaires. Écoutez DeJohnette : tout en subtilité ! »

Blues night

Nice, 9 juillet 2011, Le Homemade Jamz Blues Band, photographie Christian Delage.

Soirée Blues samedi 9 juillet au Nice Jazz Festival. Quelle autre musique peut être aussi marquée historiquement que celle qui est née dans les champs de coton du sud des États-Unis, dans le delta du Mississipi ? C’est l’une des grandes inventions musicales du vingtième siècle, portée par la population afro-américaine, et d’abord éditée, dans l’Amérique de la discrimination, sous la forme de « race records ».

Ainsi pourrait-on simultanément retracer l’histoire de la fin de l’esclavage et la lutte pour les droits civils en racontant l’histoire du Blues, sa migration vers Chicago dans les années 1950 quand les jeunes africains-américains étaient partis au nord, chercher du travail, son amplification électrique, son influence sur les autres musiques.

La soirée Blues du Nice Jazz Festival offrait trois concerts successifs : le premier a permis au public français de découvrir la nouvelle vague du delta blues, en la personne du trio  Homemade Jamz Blues Band, une sorte de band à la manière des Jackson, où le père, Renaud Perry, non seulement fait jouer ses trois enfants, Ryan, 19 ans (guitare et chant), Kyle, 16 ans (basse) et Taya, 12 ans (batterie), depuis près de six ans, mais fabrique les guitares des garçons en les profilant avec des sortes de pots d’échappement dignes de formules 1.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=03mV8WfXC_Y[/youtube]

Leur énergie est tout à fait impressionnante et a conquis l’adhésion du public niçois par son groove, au prix sans doute d’une couleur musicale qui se détache du Blues historique, auquel est davantage attaché Joe Louis Walker, soixante ans, né à San Francisco et passé d’abord par le Gospel et l’université (Musique et Anglais), avant de se consacrer ua Blues, après avoir été invité au Jazz & Heritage Festival à la Nouvelle-Orléans. Une démarche volontariste, donc, qui ne procède pas d’un ancrage initial dans le delta, comme la famille Perry, mais d’un choix artistique, soucieux de préserver, y compris dans le choix d’instruments et d’une manière de jouer plutôt hérités des premiers temps, l’héritage du Blues.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=EUbf9HzNJKM[/youtube]

À la fin de son concert, Walker était rejoint pour un boeuf par Jean-Jacques Milteau, qui célèbre régulièrement sur TSF l’histoire du Blues dans « Bon temps rouler« , et en est lui-même l’un des meilleurs praticiens français. Sur scène, avec son groupe, Milteau faisait la part belle à ses deux chanteurs, Michael Robinson et Ron Smyth, tout en élégance et en swing.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=B1fpUIH9t8I[/youtube]

Un peu sur la défensive en début de concert, Milteau feignait de s’étonner que le public soit si présent pour écouter du Blues. La paradoxe est qu’il en connaît mieux l’évolution que les jeunes Perry, mais qu’il s’en fait l’ambassadeur loin de sa terre natale, dans une forme d’appropriation autant musicale qu’historienne.

Michel Legrand, plutôt musique ou cinéma, jazz ou variétés ?

Michel Legrand est l’un des invités de la soirée d’ouverture du festival de jazz de Nice 2011. Compositeur, arrangeur, pianiste, chanteur, il fêtera l’année prochaine ses 80 ans et reste pour toujours celui qui a composé des musiques de film qui ont fait le tour du monde et lui ont permis, en particulier, de conquérir l’Amérique, avec, par exemple, Les Moulins de mon cœur (L’Affaire Thomas Crown, Norman Jewison, 1968).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=qbWRIJWpCSw[/youtube]

L’Amérique de Hollywood, mais aussi celle des grands clubs de jazz. Quand il s’est produit au Birdland en 2009, le critique du New York Times, Nate Chinen, avait noté sa résistance, insistante auprès du public, à ne pas jouer seulement ce que l’on attend en général de lui, ces chansons qui ont reçu plusieurs fois des oscars et auxquelles il préfère désormais substituer le plaisir du jeu avec Ron Carter et Lewis Nash.

Du jazz ou de la musique de film, quel a été l’accord majeur du parcours de Legrand ? En fait, il a commencé par le jazz, et pas n’importe lequel, puisque l’un des ses premiers albums de référence, Legrand Jazz, a été enregistré à New York en 1958, en compagnie de Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Phil Woods, Ben Webster, Hank Jones et Art Farmer.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=VtyzWNBRNks[/youtube]

« Miles trônait alors au sommet du jazz new yorkais, se souvient Legrand. Tout le monde me disait : “Il va venir à la séance et se tenir près de la porte en gardant sa trompette dans son étui fermé. Il va écouter pendant cinq minutes, et s’il aime la musique, il va s’asseoir, ouvrir son étui, et jouer […]. S’il n’aime pas, il va repartir et il ne reprendra plus jamais contact avec toi”. Je n’avais alors que vingt-quatre ans, et j’avais tellement peur que j’en avais des poussées de sueurs ! J’ai commencé à répéter avec l’orchestre. La porte s’est ouverte, et Miles a écouté près de la porte pendant cinq minutes. Puis il s’est assis, a ouvert son étui et a commencé à jouer. Après la première prise, il m’a demandé : “Michel, est-ce que mon jeu convient ?”. C’est comme ça que tout a débuté ».

Cette carrière de jazz « pur » sera très vite rattrapée par le goût du musicien pour la chanson. Encore très jeune, il s’était d’ailleurs fait connaître en « jazzifiant » des mélodies françaises (« Les Feuilles mortes », « La Vie en rose ») ou en édulcorant quelque peu des standards comme « April in Paris » dans un album, I Love Paris, publié par Columbia en 1954.

On préfèrera la décontraction swinguante d’Anna Karina et de Jean-Paul Belmondo, dans Une femme est une femme,

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=PgX4xIK_ebY[/youtube]

où Godard et Legrand rendent hommage au genre de la comédie musicale, ici incarnée par le duo que forment Gene Kelly et Cyd Charisse dans Chantons sous la pluie (Stanley Donen et Gene Kelly, 1952)

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=7YWBOfsXsDA&NR=1[/youtube]

Mais c’est avec Jacques Demy que Legrand trouvera le meilleur équilibre entre cinéma et musique, comme entre jazz et chanson. Tous deux créeront un genre original de « Musical« , dont la réussite provient de leur collaboration étroite, et de ce mélange de parler-chanter très particulier.

Lors de la sortie récente du coffret intégral des films de Demy, le réalisateur Christophe Honoré, l’un de ses plus fervents admirateurs dans la deuxième génération d’après, expliquait sur ARTE ce qu’ont représenté pour lui Lola, Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort, alors qu’il était jeune cinéphile, avant de devenir le réalisateur des Chansons d’amour, créant à son tour un duo avec le compositeur et chanteur Alex Beaupain.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=8_aNYAKsOtE[/youtube]

Pour son concert niçois, Michel Legrand est accompagné du Nice Jazz Orchestra, un Big Band qui regroupe 18 musiciens sous sa direction.

Jason Moran, matière et mémoire

Dans son dernier album, Ten, Jason Moran, que j’avais longuement interviewé en 2009 à Nice, a confirmé la place centrale qu’il occupe désormais sur la scène new-yorkaise, observable par sa présence régulière dans les grands clubs de la ville, les nombreuses collaborations qu’il suscite ou qui lui sont proposées et ses incursions sur des terrains aussi divers que le cinéma, l’art vidéo, les arts plastiques ou l’enseignement.

Mais ce qui est particulièrement remarquable chez ce jeune artiste (36 ans), c’est sa volonté de tenir ensemble plusieurs exigences : se réapproprier les sources du jazz, chercher des voies de renouvellement dans son travail de composition, ouvrir  son inspiration vers d’autres formes de musique, comme le rap.

Pour ce nouvel album, qui aura nécessité quatre années de maturation, et qui a été élu meilleur album de l’année 2010 par le New York Times, la préoccupation de l’héritage et de la transmission domine, avec le souci constant d’inscrire le jazz dans la mémoire vive de la société américaine comme dans la matière panistique des compositions.

Jason Moran en enregistrement, New York,  septembre  2009, studio avatar, photographie Christian Delage.

Dans « Old Babies », on peut entendre, en fond sonore, les voix de ceux qui ont inspiré Moran, ses deux jeunes fils jumeaux, Jonas et Malcom, un peu comme Stevie Wonder l’avait fait avec sa fille dans « Isn’t she Lovely »

« Play to Live » est un hommage posthume à son maître, Andrew Hill, avec qui il a rédigé ce morceau, et qui est décédé d’un cancer en 2007. On retrouve également Thelonious Monk, dont l’écoute de « Round midnight », par l’adolescent Moran, avait déclenché la passion du jazz, dans la reprise de « Crepuscule with Nelly ». Enfin, Moran cite des samples de guitare de Jimi Hendrix provenant de son premier et fameux concert aux États-Unis, donné en 1967 lors du festival Pop de Monterey.

En formation de trio avec le bassiste Tarus Mateen et le batteur Nasheet Waits, Jason Moran et son « Bandwagon » célébrent surtout la culture africaine-américaine.

« Blue Blocks », qui ouvre l’album, provient de « Live: Time », une pièce commandée par le Musée d’art de Philadelphie,  à l’occasion de l’exposition de tapisseries organisée en 2008 par le Gee’s Bend, un collectif de femmes descendant de familles d’esclaves qui travaillaient sur des plantations en Alabama. Tout au long du vingtième siècle, ces « quilters » ont contribué à la vitalité de l’art populaire américain et protégé la culture de leur communauté :

« RFK In The Land Of Apartheid » est le thème principal de la musique composée par Moran pour le documentaire du même nom réalisé en 2009 par Larry Shore et Tami Gold :

Le film retrace le voyage effectué par le jeune sénateur Robert F. Kennedy en Afrique du sud en 1966 et le discours tenu contre l’apartheid, « Ripple of hope » :

Kennedy avait alors exalté les liens entre le mouvement des droits civiques aux États-Unis et la lutte des militants emmenés par Nelson Mandela contre l’apartheid.

Enfin, avec « Nobody », Moran fait revivre la figure d’un des plus fameux pionniers de l’art du minstrel show, Bert Williams. Sa version de « Nobody », enregistrée en 1913, a gardé toute sa fraîcheur,


tout comme l’un des films que la Biograph lui avait permis en 1916 de mettre en scène et d’interpréter, Natural Born Gambler.

Cette mémoire est revitalisée dans la matière des compositions de Moran. Il lui importe toujours que la mélodie, qu’elle soit originale ou inspirée d’un standard, soit clairement audible, et qu’elle ne se dissolve pas dans les variations ou l’improvisation. Ce qui ne l’empêche pas, bien au contraire, de renouveler constamment l’écriture jazzistique et d’avoir formé un style de jeu qui lui appartient singulièrement.

Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter et de comparer les deux versions qu’ils proposent du même thème, « Study No. 6 », où, tout en conservant la mélodie, clairement reconnaissable, ils procèdent à une véritable recréation.

À la volonté de ne pas séparer héritage et création correspond le souci de s’adresser à d’autres publics que ceux du jazz, ou, tout simplement, de partager la musique qu’il pratique avec ce qui a formé son oreille quand il était jeune. « One of the problems of trying to combine the forms is that jazz is really built on improvisation and hip-hop is really built on that beat, explique-t-il à Gabe Melin. If we got rid of some of the powerful elements of each of the forms, and reduced it to its purity, then we can try to find some common ground. ». Une manière de dire que, par-delà les genres de musique, l’instrument lui-même choisi par Moran, en l’occurrence le piano, possède ses propres contraintes, dont il faut savoir se jouer en travaillant le toucher et le tempo.

Étant donné son goût pour l’art contemporain et pour le mélange de la musique avec la vidéo, la peinture et l’archive sonore, photographique et visuelle, on pourrait caractériser le travail de création de Moran par la déstructuration qu’il pratique volontiers. Cependant, sa « modernité » n’est jamais affichée contre l’héritage du jazz. Sur son piano, se trouve souvent posé un MP3 et il lui arrive de s’arrêter en plein concert, pour faire entendre une archive semblant dater des débuts du blues, parfois un vieux standard, parfois un simple extrait chanté, qu’il travaille ensuite en écho et en répétition, avant de se l’approprier avec ses musiciens et de partir sur ses propres combinaisons. Récemment, dans le cadre du Harlem Jazz Shrines Festival, il a samplé un fragment de mélodie avec des rythmes provenant de la Motown, de la House et du Hip-hop.

Jazz en vue : Nice 2011

J’ai déjà eu l’occasion de dire combien l’écoute de la musique s’enrichit toujours de sensations visuelles, olfactives, temporelles, quand elle s’inscrit dans un espace  particulier.

Le souvenir du Sirius de Karlheinz Stockhausen est toujours vivace pour ceux qui l’ont écouté dans l’espace de projection de l’Ircam, tout comme celui du Répons dirigé par Pierre Boulez dans la carrière Callet à Boulbon.

Les concerts donnés en extérieur produisent un effet singulier quand ils prennent place dans des décors remarquables. C’est le cas des festivals de Nice et Juan-les-Pins. Cette année, le Nice jazz festival descend de la colline de Cimiez pour s’installer au bord de la mer, dans l’espace Masséna et le théâtre de Verdure, du 8 au 12 juillet. Sans préjuger de l’effet de ce nouveau site, il convient d’ores et déjà de saluer la programmation, établie par Harry Laap.

On retrouvera avec plaisir Roy Hargrove, et son nouveau pianiste, Jonathan Batiste, déjà remarqué l’année dernière à Juan-les-Pins et au New Morning, à Paris ; Avishai Cohen, Ahmad Jamal, ou encore Wynton Marsalis, plutôt habitué à honorer de sa présence la ville de Marciac.

Intitulée « Jazz made in France », la soirée du 10 juillet réunira Dominique Fillon, Martial Solal (en compagnie de Stefano Bollani) et Michel Portal, qui n’était pas venu à Nice depuis longtemps. Une belle occasion d’écouter – et de  voir – trois générations de grands musiciens français : Fillon (l’un des frères du Premier ministre) est né en 1968, Portal, en 1935, et Solal, en 1927 (ici avec Bollani improvisant sur Caravan).

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