Le trio Jarrett, à distance.

Keith Jarrett au piano, réglage de balance, Juan-les-pins, 20 juillet 2012, photographie Jean-Claude Pouget.

Il y a deux ans, à Juan, nous avions été bouleversés par le concert donné par Keith Jarret, Jack DeJohnette et Gary Peacock. Dans la pénombre de la scène, quelque chose de très intime s’était produit. Une épure, mais avec une vraie émotion. Jarrett venait d’enregistrer un nouveau CD, né des retrouvailles avec Charlie Haden, Jasmine.

L’année suivante, en 2011, la déception fut à la hauteur de notre attente : sans inspiration, le concert parut presque terne, mais surtout quelque chose apparut nettement : le pianiste était si replié sur lui-même qu’il avait quasiment empêché Peacock et DeJohnette de s’épanouir à ses côtés et les avait contraints à une forme d’impuissance musicale qui nous a tous gênés. Il n’y aurait donc pas de compte rendu de ce moment raté…

Dans ce genre de situation, c’est comme pour des joueurs de football. Dans l’espace presse, de l’admiration, on passe rapidement au jugement négatif, et on évoque le montant exorbitant des contrats de Jarrett, ses caprices, son mépris du public. Autant dire que l’attente était grande, non pas de donner raison aux critiques, mais de retrouver les émotions de 2010.

Keith Jarret, réglage de balance, Juan, 20 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Cérémonial inchangé : dans un éclairage réduit au minimum, les trois compères entrent sur scène et démarrent sans attendre. Le premier morceau donne la part belle au piano, qui semble mêler plusieurs mélodies dans une sorte d’introduction au son très « musical ». Oui, il s’agit bien de Leonard Bernstein et de son fameux West Side Story. Resté à l’affiche pendant cinq ans au George-V, sur les Champs-Élysées, le film aux dix oscars revient au Chatelet cet automne dans une nouvelle production scénique.

Après « Tonight », voici « Somewhere ». Le rtyhme est plutôt lent et les variations font presque disparaître le thème sur la fin. Belle appropriation !

Le morceau suivant provient de Jasmine : « I’m gonna laugh you right of my life ». L’auditeur est ému. Mais Jarrett a raccourci la version qu’il a enregistrée avec Haden. Petite frustration. Idem pour « Butch & Butch », qu’il avait joué vingt ans plus tôt avec une énergie bien différente.

Tout aussi court, « Is it really the same ? », créé en 1966 avec le Charles Lloyd Quartet et enregistré en 1996, conclut la première partie, qui laisse les spectateurs sur leur faim (à peine 25 minutes de concert).

La deuxième partie s’ouvre sur un tune popularisé par Nat King Cole, « Answer my love », que le trio joue avec beaucoup de retenue et de distinction, mettant en valeur la contrebasse.

Gary Peacock, réglage de balance, Juan, 20 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Avec « All of you » (enregistré en 2000), Jarrett reprend un standard que Bill Evans avait enregistré au Village Vanguard en 1961. Intéressant de comparer cette version avec l’interprétation donnée par le trio à Tokyo, en 1986.

Suivent une reprise du célèbre « I’ve got a crush on you », de Georges & Ira Gershwin, et deux extraits du CD Bye Bye Blackbird.

Jack DeJohnette, réglage de balance, Juan, 20 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Fin du concert. Les « bis » étant programmés à l’avance, trois morceaux sont joués, avec une sortie de scène entre chacun d’entre eux : « God Bless The Child » (Billie Holiday) et « Blues in G », déjà joués en 2010, et « When I Fall in Love ».

Un mélange de compositions personnelles, de reprises de standards, et l’inattendu West Side Story devraient nous ravir. Pourtant, ce qui se passe sur scène ressemble trop à un son et à une ambiance de studio, sans présence et empathie avec le public. En fait, tout cela est un peu désincarné. Il manque quelque chose de très simple et de si précieux : la générosité.

La guitare au sommet

Richard Bona, Juan-les-pins, 18 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Soirée entièrement consacrée à la guitare dans la pinède, à l’invitation du groupe Troc d’André Ceccarelli. En première partie, le quartet de l’Australien Alec Stuart, « grand prix du jazz » à Juan l’année dernière, pratique un jazz plutôt atonal plutôt séduisant, mettant paradoxalement en vedette le saxophoniste ténor Guillaume Perret. Puis Sylvain Luc et Philippe Catherine se présentent en duo, et, après s’être un peu cherchés pendant deux ou trois morceaux, offrent une belle symbiose. Biréli Lagrène monte ensuite sur scène avec son quartet. Après un début se perdant un peu dans une veine free, Biréli donne toute la mesure de son talent et de son inspiration. Il est alors près de minuit : Mike Stern et Richard Bona donnent un deuxième souffle à la soirée et vont même réussir, pendant une heure et demie, une vraie performance. Les deux compères se connaissent et se pratiquent depuis longtemps.

Mike Stern, dont l’allure ressemble pour le physique à Mick Jagger et pour la chevelure à Iggy Popp, est porteur, à près de soixante ans, d’une étonnante juvénilité. D’une très grande décontraction, son style est tout en fluidité, grâce à un usage très particulier de l’amplification et de la distorsion des sons de sa guitare. À l’évidence, celui qui a eu la chance de travailler avec Miles Davis prend toujours autant de plaisir à jouer. Il reste très concentré sur son instrument pendant tout le concert, sans afféterie de jeu de scène, mais, dans les intervalles, il aime bien interpeller le public, dont il gagne très vite la confiance et une écoute attentive.

Mike Stern, Juan, 18 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Avec Richard Bona, ils forment un duo très tonique (en compagnie d’un batteur et d’un saxophoniste tout aussi performants).

C’est un plaisir de voir Bona jouer, tant ses mimiques sont expressives et vous laissent comprendre la répartition entre ce qui est préparé et ce qui est inattendu dans le cours des morceaux joués. Les sons qu’il arrive à sortir de sa guitare basse sont étonnants et c’est une grande palette de couleurs sonores qu’il nous offre. Il chante également, recréant par la voix une ambiance proche de ses racines africaines.

Richard Bona, Juan, 18 juillet 2012, photographie Jean-Claude Pouget.

Un moment exceptionnel.

So long, Sonny Rollins!

Sonny Rollins, Juan-les-pins, 17 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Juan est son festival  fétiche. Sonny Rollins y est venu plus d’une dizaine de fois. Cela faisait néanmoins 7 ans qu’il n’avait pas honoré de sa présence la pinède. Entretemps, il y a eu le concert du cinquantième anniversaire à Carnegie Hall, à New York. Des célébrations du talent exceptionnel du saxophoniste, nombreuses. Des récompenses, multiples, comme celle de « Jazz Master » attribuée par le National Endowment for the Arts. Des moments éprouvants, comme le départ forcé de son appartement situé près du World Trade Center , le 11 septembre 2001, avec pour seul bagage son saxophone.

Les musiciens étant prêts, voici qu’il entre sur scène, provoquant une standing ovation. Le corps penché en avant, il avance difficilement. À bientôt 82 ans, Sonny doit lutter contre la vieillesse et l’affaiblissement de ses forces. Il démarre cependant au quart de tour, et nous fait – presque – oublier cette première vision d’un corps abîmé, lui qui était si puissant et si généreux dans son jeu. Pour qui a vu le dernier concert parisien de Herbert von Karajan, l’important reste, pour l’artiste comme pour nous, que la musique arrive à triompher et à surmonter la douleur.

Kobie Watkins, Sonny Rollins, Juan, 17 juillet 2012, photographies Jean-Louis Neveu.

Sonny n’est pas seul. À ses côtés se trouvent des musiciens plutôt jeunes, qui jouent l’échange avec lui en maintenant un rythme plutôt nerveux. Nos regards se portent sur le batteur, dont le touché est exceptionnel de finesse et d’équilibre et dont le son s’impose très vite comme la révélation de ce concert. Il y a deux ans, c’était le pianiste de Roy Hargrove que nous avions repéré. Depuis, il a confirmé son talent, tout autant que son sens du partage avec les autres musiciens, dans la semaine de concerts qu’il a donnés l’automne dernier au Dizzy’s Club.

Kobie Watkins est le sider de Rollins depuis déjà quelques années. Grâce à sa prestation – et celle de Sammy Figueroa aux percussions, le concert a été une réussite, confirmant, si besoin était, que les grands musiciens savent faire confiance aux nouvelles recrues pour les aider à maintenir vivante leur flamme d’artistes, « toujours guidés, écrivait John Coltrane, par cette constante extraordinaire et éternelle – l’urgence créatrice » (« Lettre à Don DeMichael, 2 juin 1962 », publiée en annexe des entretiens de Coltrane avec Michel Delorme parus aux éditions de l’éclat en 2011).

So long, Sonny and easy living!

Robin McKelle, l'esprit Soul

Robin McKelle, Juan-les-pins, 16 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Avec Fairytale Ending, le hit de son dernier CD, Soul Flowers, Robin McKelle a probablement trouvé la veine musicale qui lui correspond le mieux. Le son Big Band, qu’elle affectionne, est toujours présent, mais au service d’une musique qui lui permet d’inscrire dans le temps présent son goût des fifties et des sixties.

La chanteuse américaine, néee à Rochester, aime bien profiter de ses musiciens, les Flytones,  pour installer l’ambiance et le rythme de ses compositions et faire souvent durer l’introduction, tout en groove et en swing. Assumant un look volontiers rétro, Robin McKelle a une voix puissante et chaude. Elle sait très vite s’emparer de la scène, en symbiose avec ses musiciens, et, visiblement, elle aime bouger et faire bouger le public.

Robin McKelle, Juan-les-pins, 16 juillet 2012, photographie Jean-Claude Pouget.

Très professionnelle dans son placement de voix et son phrasé, la chanteuse, qui ne se met qu’une seule fois au piano, sait s’imposer sans effet particulier de mise en scène. C’est probablement en France qu’elle est le plus appréciée : elle a déjà tourné dans les grands clubs (New morning, La Cigale) comme les meilleurs festivals (Marciac, Nice, Juan).

En entretien, elle s’avère très disponible et ouverte au dialogue (merci à Béatrice di Vita pour avoir facilité ce que l’on nomme dans le jargon un « one to one », exclusif qui plus est…)

Ce soir, vous avez commencé à toute vitesse, avec un premier morceau très enlevé, où l’orchestre, surtout les cuivres, était très présent.

Oui, j’aime bien la scène, je me sens très à l’aise et je cherche tout de suite à entrer en contact avec le public. Ce n’était pas facile à Juan car les spectateurs sont assis, mais, à la fin, je crois qu’ils sont bien rentrés dans le jeu.

Vous jouez différemment en club et en concert ?

Non, ce que je recherche c’est d’abord de trouver la bonne énergie, d’être dans l’univers musical qui est le mien. Bien sûr, dans un club, on est plus proche du public, ce que j’aime bien, et cela crée des liens différents, mais c’est la musique qui commande.

Votre éducation musicale s’est faite à Boston, connue pour ses deux grandes écoles, la Berklee et le New England Conservatory. C’est Maggie Scott qui vous a formée à la Berklee. Comment s’est fait le choix de devenir chanteuse ?

J’ai toujours voulu chanter, dès ma jeunesse. Ma mère chantait, mais dans un chœur à l’église. J’ai d’abord fait du piano, puis j’ai reçu une éducation musicale classique de chanteuse d’opéra, mais j’ai finalement choisi le jazz.

Votre dernier CD a surpris, avec une veine Soul qui a beaucoup plu en France. C’est quelque chose de passager ou c’est un tournant dans votre évolution musicale?

Je ne crois pas avoir changé de style. L’évolution se fait naturellement, vers ce qui sans doute me correspond le mieux. Il n’y a pas de plan  réfléchi, c’est une question d’instinct, de feeling.

Vous avez repris deux standards, Walk on By et I’m a Fool to Want You. Des morceaux que vous avez dû entendre, quand vous étiez adolescente, interprétés par les grandes dames auxquelles on vous compare souvent, comme Ella Fitzgerald.

Oui, vous pourriez ajouter Gladys Knight ou Donnie Hathaway. Bien sûr, j’ai en mémoire leurs interprétations, mais quand je chante, je suis dans la continuité du déroulement de mon concert, et, surtout, dans la projection de ce que ces chansons évoquent en moi. Si l’on veut exprimer quelque chose, il faut pouvoir le construire.

Une forme d’appropriation, avant même d’être une recherche d’originalité ?

Oui, je ne pense jamais, sur le moment, à ce que telle ou telle chanteuse a fait. Mais je suis consciente de l’héritage dans lequel j’essaie de m’inscrire.

"The Nearness of You", histoire d'une chanson.

Dans la pinède de Juan-les-pins, en ouverture de l’édition 2012, Norah Jones chantait des compositions de son dernier CD, des ballades agréables à entendre mais pas du tout jazzy. Le vent soufflait assez fort et nous étions tous un peu distraits par le spectacle de la mer, des feux clignotants du petit phare du cap d’Antibles, du feu d’artifice lancé au loin sur la route de Cannes. Puis, Norah Jones s’est mise à chanter « Don’t know why » et le public a apprécié.

https://www.youtube.com/watch?v=5NDuj-MyVyA

Elle a ensuite enchaîné  sur le très beau « The Nearnerss of You ». Une chanson écrite en 1938 par Hoagy Carmichael, sur des paroles de Ned Washington, pour Romance in the Dark, réalisé en  1938 par Henry Codman Potter. Dans le film, c’est la mezzo soprano Gladys Swarthout qui en est l’interprète.

Comme c’est une mélodie que des générations de chanteurs ont enregistrée, en voici un florilège.

Glenn Miller s’en est emparé le premier avec son orchestre, et Ray Eberle au micro :

https://www.youtube.com/watch?v=JqIFnJ0UipU

C’est la grande époque des Big Bands : un son très cuivré, dans l’ambiance un peu mélancolique d’un club de jazz mid-town. De Niro aurait pu rencontrer Liza Minnelli sur ce tune si l’histoire de New York New York s’était déroulée avant la guerre. Il est préférable de ne pas savoir ce que Joe Pesci aurait fait si un type lui avait piqué la fille avec laquelle il voulait danser…

Puis, voici Connie Boswell, l’une des grandes chanteuses de jazz des années 1930, connue pour le groupe qu’elle formait avec ses sœurs, The Boswell Sisters. Délicieusement désuet.

Ella Fitzgerald a reconnu devoir beaucoup à Connie Boswell. Avec Louis Amstrong, leur version est sans doute la plus rayonnante :

https://www.youtube.com/watch?v=JhaCNIpAnPs

Oui, on pourrait les écouter toute la nuit : tout en douceur, en phrasé, en musicalité, en quiétude.

« The Voice », ensuite. On peut penser ce que l’on veut du bonhomme, mais à l’époque (1947) disons qu’il a encore le privilège de la jeunesse et une voix qui avait conquis, entre autres, Jean-Pierre Melville (dans L’Aîné des Ferchaux, il est allé tourner une scène à Hoboken, où Sinatra est né):

J’ajouterai Gerry Mulligan, qui a travaillé avec Chet Baker, et Antonio Carlos Jobim: what else?

https://www.youtube.com/watch?v=k3c6nabCNzk

Le grand Willie Nelson, pour un style plus country:

https://www.youtube.com/watch?v=2uo0LI43m_Y

Puisque c’était elle l’invitée de Jazz à Juan, Norah Jones :

Mais, en conclusion, cette version par deux des artistes actuels les plus inventifs, Joshua Redman et Brad Mehldau:

Ron Carter, Sharon Jones: intériorité, extériorité.

Sharon Jones, Photographie Jean-Philippe Marty

Ron Carter, photographie Jean-Louis Neveu

Difficile de trouver deux tempéraments aussi différents que ceux du contrebassiste Ron Carter et de la chanteuse Sharon Jones, qui viennent de se succéder sur la scène du théâtre de verdure de Nice.

Carter est un gentleman, un musicien hors pair, élégant et racé. Il joue depuis longtemps en trio avec le très fin guitariste Russell Malone, mais cette année il était accompagné au piano par Donald Vega, dont les soli ont ravi le public. Regardez le visage de Carter (à partir de la minute 6), lui-même séduit par l’envolée de Vega dans sa libre interprétation de My Funny Valentine. Tout cela est si épuré, si mélodieux! J’ai déjà souligné le choix qu’avait fait Carter de ne pas suivre Miles Davis quand ce dernier est passé à l’électrique. Sans doute s’est-il privé de certaines expérimentations qui ont contribué à renouveler le jazz lors du siècle dernier, mais le sens de la transmission est bien là, et la générosité avec laquelle il laisse ses musiciens vagabonder dans la reprise de standards est très gratifiante, pour eux, comme pour nous. Professeur émérite au City College de New York, Carter, âgé de 75 ans, a été récemment promu Chevalier des Arts et des Lettres par le ministre de la culture.

De cette ambiance feutrée, nous sommes passé le lendemain à une sorte de cyclone puissant, qui a emporté  quelques spectateurs sur scène, à l’invitation de l’artiste cependant.

Sharon Jones, Nice, 12 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Sharon Jones a d’abord été gardienne de prison à Rikers Island (oui, c’est bien là qu’un certain DSK a été placé récemment en détention, mais bien après le départ de Sharon…), puis convoyeuse de fonds pour la Wells Fargo (les créateurs d’American Express). Elle commence sa carrière alors qu’elle est déjà âgée de 40 ans et, avec la complicité des Dap Kings, le groupe du label indépendant Daptone (qui a produit l’album d’Amy Winehouse, Back to Black), elle reprend la veine du funk des années 1960/1970, « à la manière de » James Brown.

Musicalement, ce n’est pas follement intéressant, mais Sharon, vêtue d’une robe vert « océan » avec des franges qu’elle a fait onduler en entrant sur scène, « pour imiter les vagues », nous a-t-elle dit, est assurément une performeuse. Elle doit son succès à sa voix et à sa très grande authenticité, elle qui vit toujours dans le Queens, à New York.

Issue d’un milieu modeste, Sharon Jones est citoyenne d’un monde qui est aussi le nôtre.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=XMbBdNEjaFk[/youtube]

Trombone Shorty domine le ring

Trombone Shorty & Orleans Avenue, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Le concert commence dans une semi-obscurité. Tout d’un coup, les lumières éclairent le batteur qui commence, disons, très fort, son abondante chevelure ondoyant au même rythme que les coups de percussions. Métal et musique extrêmes ? Non, bien sûr, çà c’était pour Antoine Gaudin (« On était au Hellfest 2012 : métal et musiques extrêmes sous le soleil de Satan », excellente chronique à lire sur nonfiction)

Entre alors sur scène Trombone Shorty, tenant bras tendus, tel un trophée, sa trompette et son trombone, et avançant comme sur un ring. Le public niçois, pourtant d’âge et de culture musicale très différents, comprend que ce musicien-là, 26 ans, annonçant fièrement qu’il vient de La Nouvelle-Orléans, va entraîner tout le monde dans son sillage (ce qu’il fera en allongeant la durée prévue de son concert de plus d’une demi-heure, devant des spectateurs debout).

Trombone Shorty, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Plutôt fin, mais très athlétique, Shorty a une énorme présence scénique, une énergie communicative, mais également, et surtout, un sens profond de la musicalité. Pas du genre à simplement jouer les hits de son dernier CD, ou à répéter les mêmes effets de concert en concert, alors qu’il tourne depuis près d’un an. Sur une base « New-Orleans », il évolue vers le funk-soul, le rock et le hip-hop en ménageant constamment des effets de surprise, que ce soit dans le jeu avec ses musiciens (belle entente avec les Orleans Avenue, son groupe depuis trois ans) ou dans l’alternance du chant (qu’il pratique depuis quelque temps maintenant) et du jeu de ses deux instruments.

Grâce à une technique de respiration très particulière, il arrive, sans s’interrompre pour reprendre son souffle, à faire circuler l’air en continu, pouvant ainsi tenir une note pendant un long moment, au risque de terminer le concert en s’étant un peu blessé à la lèvre.

Trombone Shorty, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Né à Treme, un quartier de La Nouvelle-Orléans devenu célèbre grâce à la série que HBO y a tournée (dans laquelle Shorty fait plusieurs apparitions ), le petit Troy, surnommé Shorty par son frère aîne quand, très jeune, il portait un trombone plus grand que lui, a gagné le respect de ses pairs  (voir sa « battle » avec Wynton Marsalis à la House of Blues), mais aussi celui de sa famille, en Louisiane, pour son engagement dans la reconstruction de l’État et de La Nouvelle-Orléans après Katrina. Il fut l’un des invités de la soirée « Red, White & Blues » le 21 février dernier à la Maison Blanche, aux côtés de B.B. King, Mick Jagger, Buddy Guy et Jeff Beck, lors de laquelle le président Obama s’est laissé convaincre de chanter le refrain de « Sweet Home Chicago ».

Gregory Porter, entre Nat King Cole et le Protest Song

Gregory Porter, photographie Jean-Louis Neveu, Nice, 9 juillet 2012.

« 1960 combien? 1960 qui? » Gregory Porter fait semblant de ne pas savoir, de ne plus se souvenir ce qui se passait dans les années 1960. Ce qui est sûr, c’est que “la ville de l’automobile » était alors « en train de brûler” et que “ce n’est pas juste”.

La ville en question, c’est Detroit. Déjà, en 1932, des ouvriers des usines Ford qui étaient au chômage avaient organisé une marche qui se termina par une charge meurtrière de la police. Grâce aux jeunes cameramen de la Film and Photo League, juifs pour la plupart et très engagés à gauche, cette marche a été filmée et ce document rare est conservé au Musée d’art moderne de New York.

Les années soixante? Toujours à Detroit, c’est également la création par Berry Gordy du fameux label Motown (pour “Motor Town”) : en 1961 il engage Marvin Gaye, un artiste souvent cité par Porter. Son tune « I heard It Through the Grapevine » le rendra célèbre. En 1967, ce sont des émeutes raciales qui éclatent, après celles survenues deux ans plus tôt à Watts, un quartier majoritairement noir de Los Angeles. “Tant dans le paysage que dans les mentalités, écrit Boris Leguy, l’émeute a laissé une énorme fracture. Il a fallu reconstruire une ville profondément marquée par les stigmates de l’émeute. Toute la politique de la municipalité visant à favoriser l’intégration entre Blancs et Noirs fut remise en cause par l’émeute. La conséquence que craignaient les pouvoirs publics à court terme était un backlash (retour de bâton) de la part des Blancs. Celui-ci n’eut pas lieu car les Blancs préférèrent quitter le centre-ville de Detroit et gagner les banlieues”.

Enfin, les années soixante, c’est la mort de Martin Luther King, le 4 avril 1968, à Memphis :

“There was a man, voice of the people/standing on the balcony of the Lorraine motel./Shots rang out, yes it was a gun./He was the only one to fall down, Ya’ll.”

Avant d’être assassiné, dans la chambre 306 du motel Lorraine, alors qu’il venait de délivrer un discours intitulé “I’ve Been to the Mountaintop”, Martin Luther King s’était assuré auprès de Ben Branch que ce dernier jouerait bien “Take My Hand, Precious Lord” au Curry’s Club.

Les Américains ont-ils la mémoire courte pour les interpeller ainsi? “1960. What?” est l’un des morceaux qui ont fait connaître, aux États-Unis, au Royaume-Uni et en France le chanteur africain-américain Gregory Porter. Ancien Linebacker de l’équipe de football de son université, puis chanteur sur des musicals à Broadway, Porter possède un grand charisme et s’impose sur scène par sa présence et son élégance. À Nice, dans une tournée qui le conduit à l’Olympia le 19 juillet, il nous accorde un entretien.

Êtes-vous surpris de l’accueil particulièrement chaleureux qui vous est réservé en France?

Oui, tout à l’heure les gens ont repris le refrain de “1960. What?”, ce qui m’a vraiment étonné. Je me demande comment ils ont pu se familiariser aussi vite avec mes compositions.

Pourquoi rappeler, aujourd’hui, ces années soixante?

Je crois que, d’une manière générale, les Américains n’ont pas beaucoup de mémoire et il me paraît nécessaire de leur rappeler l’histoire, pourtant très récente, qui a marqué la bataille des droits civils.

Oui, c’est très frappant de voir combien, sous une voix de velours, vous chantez des textes très écrits, très engagés, sans être forcément explicites ou militants. Dans 1960. What?”, vous ne citez pas le nom de King ou celui de Detroit.

Mon modèle, comme chanteur, c’est Nat King Cole. Mais je m’inscris également dans la tradition du “Protest Song” et je porte une grande attention aux paroles de mes chansons.

Nat King Cole, même s’il a connu un grand succès comme crooner, a lui aussi souffert des discriminations raciales.

Les gens ne se rendent pas compte que les violences subies par la communauté africaine-américaine, sans aller jusqu’au temps de l’esclavage, ne sont pas si lointaines. Cependant, je ne limite pas ces exactions à la seule communauté noire. D’autres minorités ont également souffert. Ce qui m’intéresse, c’est de lier la conscience politique à l’histoire du jazz. Et là, ce n’est pas seulement une question de référence ou d’hommage, mais de construction d’un univers musical qui a d’abord été pour moi familial. Par exemple, dans « On my way to Harlem », quand je dis que c’est à Harlem que je suis né, je dis bien que c’est dans l’esprit de qu’il représente, si ce n’est dans le lieu, que j’ai été élevé.

“You can’t keep me away from where I was born/I was baptised by my Daddy’s horn“

Vous êtes né en Californie. Quand êtes-vous venu à New York ?

Je suis venu dans les années 1990. J’ai d’abord habité à Harlem, puis à Brooklyn.

Quels sont les clubs où vous aimez jouer ?

Le Fat Cat [un club du Village, surtout fréquenté par des étudiants, où l’on peut écouter des concerts, mais aussi jouear au billard ou aux échecs], le Smoke [situé Upper West Side, pas très loin de l’université de Columbia]. Mais si vous me demandez quel est le club le plus confortable (“smooth“), c’est à coup sûr le Dizzy’s [le plus beau club de New York, où Porter se produira cet automne].

Pas le Lenox Lounge, à Harlem ?

Si, bien sûr, mais vous savez qu’il va bientôt fermer. C’est vraiment triste. Cependant, je crois que s’il y a une nouvelle renaissance de Harlem, c’est en lien avec ce qui s’y passe, mais aussi et peut-être surtout avec l’esprit d’ouverture du jazz actuel sur le monde. Il est important que nous contribuions à notre tour à la diffusion d’une musique qui est un partage.

J’ai remarqué à New York qu’il n’est pas rare, maintenant, de voir des musiciens d’origine asiatique dans des ensembles de jazz. La Julliard en forme beaucoup et de jeunes pianistes comme Jonathan Batiste ont partagé avec eux la même éducation.

Oui, moi-même je suis accompagné par un saxophoniste japonais très brillant, Yosuke Sato [dont les soli ont été très appréciés par le public niçois]

Quel jugement portez-vous sur le bilan de Barack Obama à la Maison-Blanche?

Positif. Il a ccompli pas mal de choses en quatre ans et j’espère qu’il sera réélu.

Le jazz, une histoire de famille(s)?

Mamie Smith & her Jazz Hounds, 1922. De gauche à droite : inconnu, Bubber Miley, inconnu, inconnu, Mamie Smith, Coleman Hawkins, inconnu, inconnu.  

C’est China Moses, la fille de la marraine de l’édition 2012, Dee Dee Bridgewater, qui a ouvert le festival de jazz de Nice sur la scène Masséna, tandis que c’est Jean-Christophe, le fils de Richard Galliano, qui faisait swinguer le New Meeting Quartet dans le théâtre de verdure. Si l’une exerce le même métier que sa mère, l’autre a choisi un autre instrument que son père : les percussions. Le jazz peut être une affaire de famille, que ce soit la sienne ou celle que l’on se construit dans la connaissance de l’histoire qui nous précède et dont nous sommes les héritiers.

China Moses, photographie Jean-Louis Neveu, 2011.

Jean-Christophe Galliano et son groupe ont offert leurs propres compositions, privilégiant malgré tout le dialogue piano/accordéon, pas très éloigné de la combinaison orgue/accordéon qu’offraient, juste après eux, Eddy Louis et Richard Galliano. China Moses a continué, de son côté, la série d’hommages aux grandes chanteuses américaines qu’elle affectionne. Après Dinah Washington, elle traverse le siècle dernier en interprétant des standards de Billie Holiday, Peggy Lee (« Why Don’t You Do Right ») ou Bessie Smith. Annonçant son prochain CD, qui portera le même titre, elle reprend « Crazy Blues« , rendu célèbre par Mamie Smith et ses « Jazz Hounds » en 1920 :

« I can’t sleep at night
I can’t eat a bite
’cause the man I love
He don’t treat me right ».

Si l’on peut apprécier en tant que tel le tune écrit par Perry Bradford, son histoire, que China n’hésite pas à rappeler brièvement à l’intention de son public, importe tout autant. Mamie Smith fut en effet la première chanteuse noire à avoir enregistré un disque d’abord apprécié par la communauté africaine-américaine, en particulier à Harlem, où elle vécut de 1913 (elle avait alors trente ans) jusqu’à sa mort, en 1946, alors que George W. Johnson, qui avait déjà enregistré à la fin du 19ème siècle, l’était davantage par des amateurs blancs européens et américains. Mamie Smith lança la mode des « Classic Female Blues », connue pour avoir mêlé le folk traditionnel du blues au Vaudeville, c’est-à-dire une forme de musique à une tradition théâtrale croisant la danse, la comédie, la musique ou encore la magie. « Crazy Blues » a été sélectionné par la Bibliothèque du Congrès en 2005 pour figurer parmi les créations artistiques préservées pour toujours, à côté de l’enregistrement du fameux discours de Martin Luther King, « I have a dream ».

C’est cette mémoire que porte China Moses, et il faut se réjouir qu’ainsi elle soit revitalisée.

Même s’il ne joue quasiment que ses propres compositions, le trompettiste Ibrahim Maalouf, également présent à Nice, reconnaît volontiers l’influence de son père sur son choix de devenir à son tour musicien, de pratiquer le même instrument, avec ses quarts de tons si caractéristiques, et d’inscrire son répertoire au croisement d’influences arabes et occidentales, dans une pratique partagée entre classique et jazz.

Ibrahim Maalouf, photographie Jean-Louis Neveu, 2011.

Occupant volontiers le centre de l’espace scénique, en faisant appel à ses musiciens souvent par petits groupes ou de manière individuelle, Maalouf a une façon très particulière de commencer des morceaux qu’il a déjà enregistrés par des variations, avant de remonter sur le thème principal. Sur scène, il peut surprendre son auditoire – et ses musiciens – en partant sur des improvisations dont le progression se fait par déplacement de sa trompette de part et d’autre des deux micros qui se trouvent devant lui, comme s’il cherchait à s’adresser séparément à ses guitaristes, sans pour autant les intégrer à son inspiration. Tout cela n’est pas dépourvu d’un certain narcissisme, mais quand, sur « Soon Will be A Woman », il imite le chant d’un enfant, en l’occurrence sa propre fille, qui résisterait ?