Pedrito Martinez, révélation de Jazz à Juan

S’il y a bien une révélation dans l’édition 2014 de Jazz à Juan, c’est le percussionniste cubain Pedrito Martinez. Il avait certes donné un long entretien l’automne dernier à Mundo Latino, mais il est encore relativement inconnu alors que, depuis son installation à New York, en 2000, sa carrière a connu une ascension fulgurante.


Pedrito Martinez,
Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Il ne faut pas chercher bien loin la raison pour laquelle Martinez est devenu musicien. Enfant, dans le quartier de Cayo Hueso, à La Havane, il habitait juste en face du Palacio de la Rumba. Il y a vu, me raconte-t-il,  des groupes « historiques » comme l’Orquesta Aragón. Or, à Juan, il passait après lui sur scène et c’était plaisant de le voir en coulisses écouter ces musiciens et ces chanteurs qui préservent l’héritage d’une musique populaire, et le partagent avec d’autres générations (c’est le cas, en particulier, du flûtiste Eduardo Rubio, un atout majeur).

Martinez a appris à jouer dans la rue et n’a pas réussi à bénéficier d’une éducation musicale, « parce qu’il n’avait pas », me dit-il, « les connections qu’il fallait ». Il a rencontré des légendes cubaines, Tata Guines et Munequitos de Matanzas, avec qui il chante et joue des percussions. En 1998, il est invité au Canada par Jane Bunnett, et tourne avec son groupe, Spirits of Havana. Deux ans plus tard, il gagne le concours du Thelonious Monk Institute qui, pour la première fois, accueillait une section « Afro Latin Jazz Hand Drum ». Décision prise : son nouveau foyer sera les États-Unis, et, en particulier New York. Pedrito Martinez s’y fait connaître en jouant plusieurs soirs par semaine au restaurant-club le Guantanamera, situé Mid-Town.

Il se produit également avec Paquito D’Rivera, Eddie Palmieri, Arturo “Chico” O’Farrill, mais aussi Cassandra Wilson, Joe Lovano, ou même Sting. Wynton Marsalis le repère très vite et l’invite régulièrement au Lincoln Center, à New York. Il est également l’un des hôtes réguliers d’un nouveau club ouvert récemment dans le quartier de Meatpacking, le  Subrosa. Son groupe comprend le percusssioniste Jhair Sala, originaire de Lima (Pérou), le bassiste électrique Alvaro Benavides, de Caracas (Venezuela) et la claviériste et chanteuse Araicne Trujillo, originaire de Cuba. Tous ensemble, ils en imposent par leur énergie et leur entente. Martinez, un temps tenté par la boxe puis le judo, rappelle un peu Trombone Shorty par son allure très athlétique. La puissance de son jeu nécessite même, sur son deuxième jeu de congas, frappé des deux côtés et à l’horizontale, que Jhair Sala les maintienne manuellement en équilibre, tandis qu’Alvaro Benavides centre le micro .

Jhair Sala, Pedrito Martinez et Alvaro Benavides, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Ce qui est particulièrement frappant avec Pedrito Martinez, c’est qu’au jeu déjà compliqué des percussions s’ajoute un chant auquel il accorde une importance égale. Il le fait langue lucumí, originaire des terres Yoruba, au sud du Niger, un dialecte parvenu à Cuba lors de la traite des esclaves. Dans la maison où il vit à Union City, dans le New Jersey, avec sa femme, sa fille (présente à Juan) et ses parents, une pièce est dévolue comme sanctuaire aux divinités Santeria. La rumba y prend ainsi une autre dimension, et cela se ressent sur scène.

À Juan, le chant dans tous ses états

Sans doute en raison d’une plus grande proximité qu’à Nice, la scène de la pinède de Juan-les-Pins favorise-t-elle davantage l’interaction avec le public ? En tout cas, les premiers concerts de Jazz à Juan 2014 se sont toujours terminés cette année par une sorte de communion entre les musiciens et les spectateurs.

J. CULLUMJamie Cullum, Juan-les-Pins, 13 juillet 2014 (Guillaume Laurent).

Ce fut particulièrement le cas avec Jamie Cullum, le 13 juillet. Certes, celui-ci est un habitué des débordements de l’espace scénique vers les spectateurs, mais, il faut le reconnaître, après quelques gesticulations et montées intempestives sur le piano, il a sédentarisé son jeu avec beaucoup de générosité et de présence jazzistique. Ses musiciens ont en effet quitté leur pupitre et se sont regroupés autour de lui pour quelques morceaux au son presque acoustique. Puis, seul au piano, il a repris « Gran Torino », écrit pour le film de Clint Eastwood et « Blackbird », composé par Paul McCartney et enregistrée en 1968 dans le studio 3 d’Abbey Road, tandis qu’au même moment, John Lennon travaillait sur « Revolution 9 ». « Blackbird » est inspiré de la « Bourrée en mi mineur » de Bach et sa résonance politique (hommage à la lutte des Africains-Américains pour leur droits civiques, incarnée par Angela Davis) est aujourd’hui encore l’objet d’un débat entre spécialistes.

Le 15 juillet, quand Manu Katché, Stefano di Battista, Eric Legnini et Richard Bona entrent sur scène, un par un, c’est ce dernier qui est le plus applaudi. Ce n’est pas qu’il soit plus talentueux que les autres membres du quartet, tous excellents musiciens. Mais, entre le Cameroun, d’où il vient, Paris, où il a construit sa carrière et New York, où il vit désormais, il est au carrefour de plusieurs traditions et d’univers musicaux différents. À l’invitation de Manu Katché, il montre combien la voix est elle-même un instrument, expliquant, avant de chanter en douala, sa langue natale, qu’il va utiliser un looper, un appareil qui permet d’enregistrer une phrase musicale et de la superposer à d’autres. Succès garanti.

Le lendemain, c’est une chanteuse irlandaise atypique qui s’empare de la scène de la pinède, Imelda May, plus proche de Robin McKelle que de Stacey Kent ou de Joss Stone. Dans des genres divers, rockabilly, pop rétro, blues et jazz, elle en impose par sa voix et sa forte présence scénique.

I. MAYImelda May, Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Quant au claviériste Booker T., qui faisait partie des invités de Barak Obama lors de la fameuse soirée Blues à la Maison-Blanche, avec Alabama Shakes, il a entraîné le public dans une histoire de la musique Soul qu’il incarne avec beaucoup de décontraction et d’assurance.

Booker T., Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

De 1951 à 1954, le pianiste Bill Evans était conscrit dans l’armée américaine. Sa période sous les drapeaux fut traumatique et lui donna des cauchemars. Alors qu’il tombe en dépression, il compose, pour sa nièce, une valse. « Waltz for Debby » est l’une de ses œuvres les plus connues. Tonny Bennet l’a chanté en sa compagnie. Au piano, avec son trio, Bill Evans la joue avec toute l’intériorité qui le caractérise. À Juan, Chick Corea et Stanley Clarke l’ont reprise, en conclusion d’un set placé également sous le signe de l’épure.

En souvenir de Charlie Haden

Lors de la dernière soirée du Nice Jazz Festival, le 12 juillet 2014, l’ambiance est en demi-teinte. Nous attendons le concert de Joshua Redman et allons découvrir qu’il est coincé entre un groupe de rock et un chanteur brésilien hors sujet. De l’autre scène parvient l’écho un peu bruyant du groupe Galactic. Redman entre en compagnie d’Aaron Goldberg au piano, Reuben Rodgers à la contrebasse et Gregory Hutchinson à la batterie. Il interprète ses propres compositions. Il n’y a pas d’enjeu particulier, pas de dialogue au sommet comme avec Brad Meldhau, mais le quartet est dans son équilibre et l’unité de son inspiration. Viennent des morceaux dont les titres sont évocateurs du temps qui passe : « Yesterdays«  (Jerome Kern), « Past in the Present » (issu d’un album publié en 1994).

J. RedmanLe quartet de Josuah Redman, Nice, 12 juillet 2014 (Jean-Louis Neveu)

Le musicien prend alors le micro et évoque la mort, survenue la nuit précédente, de Charlie Haden. Il commence par un souvenir familial, les liens qui unissaient son père, Dewey Redman, également saxophoniste, à Haden, les nombreux moments passés ensemble. L’émotion commence à l’étreindre, sous le regard de Hutchinson, saisi par ce qui se passe.

Redman dit vouloir jouer un morceau qui n’est pas une composition de Haden, mais un titre que ce dernier aimait interpréter, « Body and Soul ». Les larmes lui viennent aux yeux. Le public est figé. Un silence s’ensuit, un ce ces moments de suspens que j’aime particulièrement.

De cette édition 2014 du festival, nous sommes plusieurs à penser que Cecile McLorin Salvant est l’artiste qui nous a le plus séduits, par la variété et l’intelligence de ses choix musicaux et de son interprétation.

C. McLorin SalvantCecile McLorin Salvant, Nice, 8 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Nous avions déjà bien en tête « Song of Medina (Casbah) » quand Parisien et Peirani se sont mis à l’interpréter, mais nous avons apprécié que ces deux jeunes musiciens le jouent différemment, comme pour nous surprendre par leur énergie et leur imagination.

Peirani + PArisienV. Peirani et É. Parisien, Paris,  juin 2014 (J.-L. Neveu)

Eli Degibri et Kenny Garrett, deux générations de saxophonistes, se sont succédé sur la scène du Théâtre de verdure. Le premier est resté pour écouter le second. À l’éducation qu’ils reçoivent dans les écoles de musique, les jazzmen ajoutent toujours le lien avec leurs aînés et l’expérience de vie qu’ils en retirent.

Degibri + GarrettEli Degibri (J.-L. Neveu ) et Kenny Garrett (P. Gianquintieri), Nice, 11 juillet 2014.

Robin McKelle a confirmé, si besoin était, son talent de performer, qu’elle a également montré lors d’un after-hour au B Spot.

R. McKelleRobin McKelle et Fred Cash Jr., Nice, 11 juillet 2014 (J.-L. Neveu)

Malgré le fait qu’il nous tournait le dos, par ailleurs impressionnant dans sa veste colorée, le pianiste Henry Butler, né à La Nouvelle-Orléans et âgé de 64 ans, est un grand monsieur. Après l’ouragan Katrina, il s’est installé à New York, et si l’on ne peut dire qu’il commence une nouvelle carrière, en tout cas sa notoriété, tardive, est désormais à la hauteur de son talent.

H. ButlerHenry Butler, Nice, 11 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Eli Degibri et Kenny Garrett : le saxophone en majesté

Quand Eli Degibri, né à Jaffa en 1978, réussit deux fois, en 1994 et en 1995, à obtenir une bourse pour suivre les cours de la Berklee College of Music, puis du Thelonious Monk Institute, il ne se doutait pas que les meilleurs moments qu’il va passer avec l’un de ses professeurs, Ron Carter, serait en voiture. « Quand Ron venait enseigner à la Berklee, me raconte Eli Degibri,il se déplaçait depuis New York. Un jour, je lui ai dit que j’aimerais beaucoup aller à Manhattan. Il m’a proposé de l’accompagner en voiture, ainsi nous nous pouvions discuter ensemble pendant les cinq heures du trajet, pas de jazz mais de politique ou d’autres sujets. Ron est quelqu’un de très engagé ».  les voyages qu’ils vont régulièrement faire ensemble en voiture pour rejoindre Boston depuis New York. Pouvoir parler ainsi à bâtons rompus avec l’un des plus grands saxophonistes du second vingtième siècle, signale bien que cette musique n’est pas en dehors du monde : elle procède de la vie même d’une communauté qui a su la rendre universelle. Avishai Cohen, le trompettiste et le bassiste, Omer Avital, Eli Degibri : tous ces musiciens israéliens sont venus et ont séjourné aux États-Unis. Sans pour autant s’éloigner de leur propre culture. Degibri a ainsi enregistré « Israeli Song » (2010), en compagnie de Ron Carter, de Brad Meldhau et d’Al Foster.

Sur la scène du Théâtre de verdure, le public est venu nombreux. En effet, ce soir-là, 10 juillet 2014, en dernière partie de soirée, sur le grand espace Masséna, se produit Deep Purple. Tant mieux, car les auditeurs, qui sont surtout venus pour eux, ne vont pas être déçus du programme qui précède. Degibri, élégant, presque réservé, joue un jazz mélodique, volontiers lyrique. Il le fait accompagné à la contrebasse par Barak Mori, un de ses amis d’enfance, Gadi Lehavi (18 ans), au piano et Ofri Nehemya (20 ans) à la batterie.

Lehavi et Nehemya
Gadi Lehavi et Ofri Nehemya (Jean-Louis Neveu, Nice, 10 juillet 2014)

Eli Degibri m’explique qu’il aime bien s’entourer de jeunes musiciens, lui-même appréciant de pouvoir consacrer du temps à l’enseignement et à la transmission. Il a été le tuteur de Gadi et Ofri dans le cadre d’un programme d’éducation où il a écrit de la musique pour eux. Les deux jeunes musiciens, forts d’une grande maturité technique, apportent énergie et sensibilité au quartet de Degibri. Ofri a d’abord travaillé avec Avishai Cohen avant de rejoindre Eli Degibri.

Très applaudi, Eli Degibri annonce à la fin de sa prestation qu’il est très impatient d’entendre le musicien qui passe après lui. Quelques minutes plus tard, entre en scène le quartet de Kenny Garrett qui démarre au quart de tour pour un concert époustouflant.

K. GARRETT
Kenny Garrett, Corcoran Holt et McClenty Hunter (Patrizio Gianquintieri, Nice, 10 juillet 2014)

Alors que ses compositions sont plutôt atonales et très « free », il va réussir à enflammer les spectateurs grâce à des musiciens d’exception (Vernell Brown, piano ; Corcoran Holt, contrebasse ; McClenty Hunter, batterie ; Rudy Bird, percussions). La tension sera à son comble pour une composition chantée sur un rythme répétitif et envoûtant comme une mélopée orientale, « Happy people ».

Dans le compte rendu vidéo mis en ligne sur le site du festival, on peut entendre Degibri (de 1“ à 2’43“) et Garrett (de 2’44“ à 3’50“).

Cecil McLorin Salvant, une anti-star, ouvre le festival de Nice 2014

Prendre au sérieux le jazz, sans se prendre soi-même au sérieux. C’est ainsi que Cecil McLorin Salvant définit son rapport à la musique à laquelle elle se consacre. En tout cas pour l’instant, car il n’est pas impossible, un jour, qu’elle concrétise un autre de ses rêves, chanter de l’opéra. C’est en venant en France, la patrie de sa mère, originaire de Guadeloupe (son père, médecin, est né à Haïti), qu’elle a étudié le jazz et le chant lyrique. « Si j’étais restée aux États-Unis », m’explique-t-elle lors d’un entretien à Paris, « j’aurais fait des études littéraires, ou de l’histoire ».

Source : http://www.cecilemclorinsalvant.com/photogallery/

À Aix-en-Provence, dans la classe de Jean-François Bonnel, elle apprend l’histoire du jazz non pas sous la forme d’un cours (ce sera pour plus tard, à New York, lors d’un semestre à la New School), mais par des conseils sur un choix de musiques à écouter. Elle découvre, en particulier, des chanteuses des années 1920, comme Bessie Smith ou Ethel Waters. Des chanteurs, comme Bert Williams. Mais elle apprécie aussi le répertoire folklorique américain et s’intéresse à toutes sortes de musiques. Si cela vient de son milieu familial, où elle entendait du jazz, des musiques du monde, du  blue grass, de la Motown, du disco, c’est grâce, aujourd’hui, à son téléphone portable, qu’elle fait des découvertes imprévues : « J’écoute énormément de musique tous les jours et j’essaie de varier, sur un mode aléatoire. Un artiste me mène vers un autre. Je note ce qui me paraît intéressant ».

Cecil McLorin Salvant par Jean-Louis Neveu (Paris, juin 2014)

En reprenant des standards, ou en cherchant des textes ou des musiques peu ou pas connus, elle fait un pas de côté, et prend quelque distance, « presque un second degré, en auditrice que je suis d’abord ». Cela se voit en concert et s’entend bien dans son dernier CD, « WomanChild » (le deuxième, produit par Mack Avenue et distribué par Universal, le premier ayant été autoproduit), avec, par exemple, « I Only Have Eyes For You » (bien différent de la fameuse version des Flamingos, oldies but goodies!), ou « I Did Not Know What Times It Was » (musique de Richard Rodgers et paroles de Lorenz Hart, pour la comédie musicale Too Many Girls, 1939).

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Cecil McLorin Salvant est également pianiste et compositrice. Elle a écrit la musique qui accompagne un texte écrit par la poétesse haïtienne Ida Faubert, qu’elle chante avec beaucoup de clarté dans la diction et la voix, de la retenue, de l’humour et du swing, des qualités que Ben Ratliff semble, comme nous, avoir beaucoup appréciées. Sur la scène du Théâtre de verdure de Nice, elle apprivoise petit à petit un public qui peut la trouver, de prime abord, comme un peu distante. Très vite, les gens sont séduits par sa voix, chaude, montant avec beaucoup de souplesse dans les aigus ou descendant dans les graves, et par les textes ou les auteurs qu’elle chante. On comprend très vite qu’elle a beaucoup navigué dans le répertoire, connu ou méconnu et qu’elle a des choix d’interprétation très justes, soucieux de rappeler, en passant, le ton originel, avant d’imprimer le sien. C’est particulièrement le cas avec le fameux « Trolley Song » de Judy Garland (Meet Me in St-Louis, Vincente Minnelli, 1944), ou le très beau « Mal de vivre » de Barbara. Ajoutons qu’à ses côtés, se tiennent des musiciens de grande classe, tel Aaron Diehl.

Ida Faubert (1959).

Cecil McLorin Salvant vit à Harlem, près du Marcus Garvey Park où se tient chaque année le Charlie Parker Festival (dont je rendrai compte de l’édition 2014 bientôt). « J’ai du mal à imaginer que je pourrais habiter ailleurs qu’ici », me dit-elle, alors qu’elle fréquente souvent le Jazz Museum. Mais, si le jazz est roi à New York, il ne l’est pas autant dans le reste de l’Amérique et elle regrette que « cette musique, qui vient des Africains-Américains, ne soit plus pour la jeune génération une source de fierté. Certains en parlent comme d’une musique morte, ennuyeuse… » D’où son souhait, comme le fait si bien Jon Batiste, de se tourner vers les jeunes âgés de 18 à 25 ans et leur enseigner une partie essentielle de l’histoire de leur communauté.

Vincent Peirani et Émile Parisien : "More with Less"

Parmi les moments forts de l’année 2013 figurait le « Thrill Box » de Vincent Peirani, dont le titre même peut se décliner en boîte à émotion/sensation/tressaillement/frisson. Et ce sont vraiment toutes ces perceptions qui se dégagent d’une écoute où, à peine sortie d’une atmosphère nouée dans l’intériorité, en épure (« Bailero », inspiré d’un chant auvergnat harmonisé par Joseph Canteloube), l’on est embarqué dans un rythme échevelé (« Balkanski Cocek », créé par Les Yeux noirs, un groupe de musique yiddish et tzigane). Quand il pourrait jouer sur la virtuosité et la multiplication des notes en usant des possibilités que lui offre son instrument, Peirani ralentit, étire le son, le tient sur un fil ténu. Il travaille sur les contrastes, dans une approche volontiers chambriste, où il faut être très précis sur les nuances, les phrasés, les micro-détails.

Vincent Peirani par Jean-Louis Neveu (Paris, juin 2014)

Il n’est bien sûr pas le premier à sortir l’accordéon de l’univers du bal musette, ou, quitte à s’y adonner, à en distancier son usage social. Le jazz a longtemps été joué pour danser, tout comme le musette a créé la java. Dans Wozzek, Alban Berg avait d’ailleurs traduit musicalement l’ambiance de la taverne en associant, sur scène, l’accordéon à une clarinette, une guitare, un bombardon, un tuba basse et un piano.

Lors de la soirée organisée par TSF à l’Olympia, en dehors de quelques musiciens stars, comme Grégory Porter, la plupart des artistes savaient, avant d’entrer sur une scène à moitié occupée par le grand orchestre, qu’ils devaient convaincre avec une seule composition et en un temps court. Voici donc Peirani qui s’installe avec son accordéon, assis. À ses côtés, debout, se tient le saxophoniste soprano Émile Parisien. Ils interprètent « Song of Medina [Casbah] ». À l’applaudimètre, ils triomphent.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=oBJfKzX8oCE[/youtube]

Un accordéon et un saxophone. Si la combinaison est inédite, c’est, sans doute qu’elle a paru jusqu’à présent improbable. Chacun avec leur propre univers, Peirani et Parisien ensemble font merveille. Le premier n’avait pas choisi l’accordéon ; c’est son père qui le lui a proposé, alors qu’il penchait plutôt pour la batterie. Parisien doit également à son père d’avoir découvert le saxophone. Il a fait partie de la première promotion de l’école de jazz créée à Marciac, où, chaque été, il a bénéficié de la présence d’artistes et de pédagogues de talent, y compris Wynton Marsalis. Tous deux ont en commun un intérêt pour la musique classique. Avec son quartet, Parisien cache même, sous des titres fantaisistes de CD (« Au revoir porc-Épic ») et de compositions (« Le Clown tueur de la fête foraine ») une inspiration qu’il dit avoir trouvé auprès de Stravinsky ou Schoenberg et, côté jazz, Coltrane ou Shorter. Il possède en tout cas un son qui frappe par sa précision, sa densité et sa coloration.

C’est Daniel Humair qui a eu l’idée en 2009 de les faire se rencontrer et jouer ensemble.  « C’est une rencontre humaine qui se transpose dans la musique », explique Vincent Peirani dans l’entretien qu’il m’a accordé en compagnie d’Émile Parisien. Quand Ziegfried Loch, le patron du label ACT, leur propose de faire un CD, qui deviendra « Belle époque », il a cependant une demande : « Je veux un album autour de Sidney Bechet! ». Les deux compères sont d’abord un peu embarrassés : « Bechet, ça l’avait formé, mais pour nous, cela paraissait  tellement ancien! On a répondu ni oui ni non. Puis, durant des mois, on a passé notre temps à écouter du Bechet et on s’est dit que ça pouvait le faire, il y avait quelque chose qui nous correspondait. On a trouvé d’autres façons de raconter, d’autres sonorités. Donc, ce sera du Sidney Bechet et des compos à nous, une histoire globale. »

Émile Parisien et Vincent Peirani par Jean-Louis Neveu (Paris, juin 2014)

Peirani et Parisien ont donc construit le CD en cherchant à varier au maximum la palette de sons, les orchestrations, la manière d’arranger. « Song of Medinah » est proche de Bechet dans l’introduction puis s’en écarte. « Temptation Rag » n’est pas une composition de Bechet, mais c’est lui qui l’a fait connaître en l’interprétant. Le répertoire choisi s’étend des années 1910 aux années 1940 et le CD n’est donc ni un hommage ni un « à la manière de », mais leur expérience de revisiter une histoire qui comprend également « St-James Infirmary Blues ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=kPFBMPs5nqE[/youtube]

« C’est un morceau assez sombre. On a pas mal discuté. Au départ c’est une idée de Vincent. On voulait un style « Black and Tan Fantasy », comme une marche funèbre. Puis on a cherché un arrangement pendant l’enregistrement, une couleur différente, dans le très grave, avec un thème à peine suggéré ». Le résultat est à découvrir sur « Belle époque » (ACT).

Émile Parisien et Vincent Peirani, qui viennent chacun d’obtenir une Victoire du jazz, sont les invités, à ne pas manquer, du Nice Jazz Festival, le 9 juillet à 19h30, au Théâtre de verdure.