Les mémoires vives de Marcus Miller

Avec Afrodeezia, Marcus Miller continue les pérégrinations qu’il avait commencées dans son précédent album, Renaissance.

M. MILLER
Marcus Miller (© Patrizio Gianquintieri)

En tant qu’artiste de l’UNESCO pour la paix, et porte-parole du projet « La Route de l’esclave », lancé en 1994 au Bénin, il s’est rendu à Gorée et a visité la Maison des esclaves. Il y a vu  comment hommes, femmes et enfants africains, entassés comme des animaux pour être empilés sur des navires négriers, devaient franchir une porte « sans-retour ».

« Alors que je travaillais sur la composition de “Gorée », écrit Miller sur son site (marcusmiller.com), je fus frappé par l’idée que « la porte du non retour » représentait non seulement la fin de l’expérience africaine des captifs, mais d’une certaine manière, cette porte symbolisait également le début de notre expérience afro-américaine».

Cette mémoire tragique a été en quelque sorte apaisée par la musique qui en est issue et qui veut transmettre un message d’« espoir et de résistance ». Ainsi Afrodeezia se veut « une reconnaissance et la célébration des différents styles musicaux qui se sont  développés à partir de l’expérience de l’esclavage, un voyage difficile, continu, mais joyeux vers la liberté. »

Pour composer et enregistrer ce nouvel album, Marcus Miller est allé à la recherche des rythmes qui ont construit l’héritage musical du jazz, puis, avec ses musiciens, il s’est rendu au Maroc et au Nigéria, à Paris et Sao Paulo, des Caraïbes à la Louisiane, pour finir par les grandes villes de Chicago, Detroit, et New York.

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Marcus Miller (© Jean-Philippe Marty)

Sur scène, dans la pinède de Juan-les-pins, les rythmes et les couleurs musicales d’Afrodeezia emportent très rapidement l’adhésion du public. Le trompettiste de Miller se fait particulièrement remarquer par la qualité de son jeu, jusqu’à l’arrivée d’Ibrahim Maalouf, invité à partager avec Miller une création qui ajoute une note orientale aux saveurs africaines.

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Lee Hogans et Ibrahim Maalouf (© Jean-Philippe Marty)

Cette mémoire vive des racines du jazz est volontaire. Elle se nourrit cependant d’un héritage plus intime. Le grand-père de Miller était évêque épiscopal et jouait du piano. Son père, organiste, pianiste, et chef de chœur, officiait surtout dans les églises noires épiscopales. Avec « Preacher’s Kid », Miller a voulu rendre hommage à son père, âgé aujourd’hui de 90 ans.

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Atteint de la maladie d’Alzheimer, William H. se souvient encore de ses deux fils. Il a cependant posé, sur la table de nuit à côté de son lit, une des couvertures de disque de Marcus, au cas où…

 

 

 

Eric Legnini réunit Kellylee Evans et Sandra Nkaké en hommage à Ray Charles

L’année 1959 n’en finit pas d’être célébrée. Après Monk au Town Hall de New York, le festival de jazz à la Villette a consacré un week-end l’année dernière à une série de reprises de « Kind Of Blue » de Miles Davis, « Giant Steps » de John Coltrane, « Mingus Ah Um » de Charles Mingus ou encore « Time Out » de Dave Brubeck. Éric Legnini avait choisi quant à lui Ray Charles, et « What’d I Say ».

« C’est le moment, m’explique-t-il, où Ray Charles popularise le Gospel, tel qu’il était chanté à l’église, sous un format plus pop et R&B ». Mais comment s’affronter à une telle légende sans pâtir de la comparaison ? « J’ai grandi dans une famille de musiciens classiques, mais ma mère me chantait du gospel.. j’ai mis du temps à retrouver cet héritage ». Legnini a d’ailleurs fait appel à Sandra Nkaké, « qui a un côté naturellement churchy« , mais aussi à Alice Russell et à Elena Pinderhugues.

Devant le succès de leur prestation, non prévue pour être gravée sur CD, l’équipe est partie en tournée, avec, pour la circonstance, Kellylee Evans, aux côtés de Sandra Nkaké, et a fait escale à Nice.

« J’avais produit les deux premiers CD de Kellylee. Ce qui est intéressant, c’est qu’elle a grandi dans une tradition plutôt hip-hop, et si c’est davantage de mon côté que se trouve la ferveur pour le Gospel, nous partageons le même goût du crossover ».

Sur scène, Sandra apparaît plus motrice, car elle n’est pas seulement chanteuse, mais actrice, pour le cinéma et le théâtre. Cependant, leur complicité est pour beaucoup dans le succès du show.

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Éric Legnini, Kellylee Evans et Sandra Nkaké (©Jean-Philippe Marty)

« On prend vraiment du plaisir à jouer ensemble et à danser, raconte Sandra Nkaké. Ni Kellylee ni moi n’avions jamais chanté des compositions de Ray Charles. Je me souviens de lui dans The Blues Brothers : j’avais adoré son mélange de précision et de folie ».

Pour Kellylee, la présence de Legnini a été déterminante pour affronter un tel challenge, et la manière dont il a conçu les arrangements l’a particulièrement satisfaite.

Toutes deux sont également concernées par ce que Sandra appelle « le sous-texte des paroles de Ray Charles » : comment elles renvoient à une époque qu’elles n’ont pas connue, mais où la question de l’identité noire était cruciale. « Ce qui nous paraît aussi très moderne, c’est la manière dont il évoque le sexe, une forme d’amour qui n’était pas chaste, de façon parfois très crue, alors qu’il appartenait à une communauté plutôt religieuse ».

Pour Jason Moran, le jazz est aussi affaire d' »entertainment »

Quand Jason Moran entre sur la scène du théâtre de verdure du Nice Jazz Festival, avec ses musiciens et la chanteuse Lisa E. Harris, le public se scinde immédiatement en deux groupes : ceux qui vont rester assis, alors qu’ils appartiennent à une génération qui, sans avoir connu Fats Waller de son vivant (1904-1943), a certainement en mémoire certaines de ses compositions les plus célèbres, et ceux qui, âgés d’une vingtaine d’années, à peine le concert commencé, sont pris d’une envie irrésistible de venir danser devant la scène. La musique de Waller est à l’honneur, et si sa réactivation, comme toujours chez Moran, est prise au sérieux, elle prend ici un tour volontiers ludique, à l’image du masque que le pianiste porte quasiment pendant tout le concert.

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Jason Moran et le masque de Fats Waller (©Jean-Philippe Marty)

Car l’entertainment, ce n’est pas seulement le fait de procurer du plaisir à un spectateur, mais aussi une manière de porter attention, intérêt à un artiste dont la bonhommie masquait sans doute la vraie musicalité. Si réhabilitation il y a, celle-ci se fera donc dans la joie, d’où le titre du CD d’où est issu  ce concert : « All Rise: A Joyful Elegy for Fats Waller ».

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Jason Moran et Lisa E. Harris (©Jean-Philippe Marty)

Par chance, il est possible aujourd’hui de voir Fats Waller interpréter « Ain’t Misbehavin' » dans la comédie musicale, avec casting africain-américain, Stormy Weather, réalisé par Andrew L. Stone en 1943, et patrimonialisé en 2001 par la Bibliothèque du Congrès.

Comme le souligne très justement Arnaud Robert, « rien n’est littéral, rien n’est formaliste dans cet hommage. Jason Moran n’a jamais donné dans la taxidermie. Il montre, avec son trio augmenté, avec des voix, avec une trompette, ce qui pourrait s’appliquer à notre époque dans cette musique vieille de presque un siècle. Il y a des ragtimes qui ont le goût du rap. Il y a des champs sur lesquels se mène toujours la même bataille. Jason Moran est un artiste fondamentalement politique au sens où il creuse dans l’histoire africaine-américaine la persistance d’une stratégie du marronnage ».

J’avais déjà évoqué la recréation, par Moran, du fameux concert de Monk à Town Hall, puis son CD « Ten ». Si l’on devait suivre tous les concerts que la pianiste de Harlem donne cet été dans le monde, outre l’hommage à fats Waller, on le trouverait en duo avec Robert Glasper, avec la soprano de formation classique Alicia Hall Moran (sa femme) et le grand guitariste Bill Frisell,  avec Mary Halvorson et Ron Miles, et encore avec son groupe, le Bandwagon, accompagnant la compagnie Ronald Brown, ou avec la vidéo-artiste et performer Joan Jonas et, enfin, last but not least, avec des skaters!

Avec Moran, nul doute que le jazz est capable en même temps de préserver son identité et de s’ouvrir à la scène contemporaine, une occasion de (re)dire que cette musique s’adresse à tous et s’inscrit pleinement dans le temps présent.

José James célèbre les 100 ans de Billie Holiday

Les albums de reprise des grands standards du jazz sont monnaie courante et sont souvent vains, surtout quand il s’agit d’œuvres fortement marquées par leurs interprètes initiaux. C’est davantage encore le cas pour les répertoires de certaines chanteuses qui ont dominé leur époque pas seulement par leur talent, mais par leur engagement personnel, leur présence physique, la relation d’intimité créée avec le public. Pour réussir à revenir sur leurs pas, leurs admirateurs doivent – en dehors de toute velléité commerciale, bien entendu – faire preuve d’une véritable connaissance de la discographie de l’artiste qui a retenu leur attention, et, surtout, traiter avec originalité les compositions qu’ils ont choisies.

C’est le cas de Cécile McLorin Salvant, sur laquelle je reviendrai en septembre après l’avoir interviewée à New York lors de sa série de concerts au Jazz Standard. C’était également le cas en ouverture du Nice Jazz Festival 2015, avec le concert donné par José James.

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José James (Jean-Philippe Marty)

En début de soirée, José James était l’un des invités des rencontres organisées par Ashley Kahn en marge des concerts du festival. Il lui a expliqué, avec franchise et beaucoup de conviction, comment il a construit son dernier album en hommage à Billie Holiday.

Dans le livret de Yesterday I Had The Blues: The Music of Billie Holiday, James raconte qu’il a « redécouvert Billie pendant une période difficile de son adolescence. À l’époque, ses groupes favoris « étaient Nirvana, De La Soul et A Tribe Called Quest, mais la musique de Billie s’adressait à moi de façon beaucoup plus profonde. Son œuvre était gouverné par la douleur, le trauma, la croyance en la musique et en son pouvoir de transformation. Elle a été mon maître ». Entouré de Jason Moran, du bassiste John Patitucci et du batteur Eric Harland, James livre un album dont la force provient d’une grande sobriété, à l’image du pari difficile qu’il s’est fixé, et qu’il réussit pleinement.

Dans le théâtre de verdure, peu avant minuit, James, après avoir recouru à un mélange de scat et de rap lors d’une variation sur « A Love Supreme », revient seul sur scène et choisit de conclure son récital en interprétant a cappella « Strange Fruit », sans aucun doute l’une des compositions les plus bouleversantes de Billie Holiday.

D’autres avant lui s’étaient risqués à reprendre cette chanson si particulière dans l’univers musical et politique de Billie Holiday (et sur laquelle beaucoup a été écrit, en particulier le livre de David Margolick, Strange Fruit : Billie Holiday, le Café Society et les prémices de la lutte pour les droits civiques, 10/18, 2001, réédité chez Allia en 2009), mais son interprétation s’est construite comme une prière vespérale, l’expression séculière d’un recueillement, d’une co-présence de l’artiste et du public, un moment de grâce.