Tous les articles par Christian Delage

Édouard Ferlet, le temps suspendu

Les 7 et 8 juillet 2023 se tenait à la Fondation Hartung Bergman, sur les collines d’Antibes, un colloque intitulé « L’abstraction à la vitesse de la lumière ». À cette occasion, le directeur, Thomas Schlesser, a invité le pianiste Édouard Ferlet à venir donner un concert le premier soir de la rencontre.

Hans Hartung, en hommage à Édouard Ferlet, 21 janvier 1971

Un lien existait déjà avec la famille Ferlet, car le père d’Édouard, Christian, avait réalisé en 1970, peu de temps avant la construction de la villa-atelier, un film documentaire sur la vie de Hartung, sélectionné en 1971 au festival de Cannes. En remerciement de ce film qu’il avait apprécié, il dessinera un papier en le dédicaçant au jeune Édouard, qui venait de naître.

Hans Hartung, « Hommage à Jean-Sébastien Bach », 1974.

Dans le beau décor de la fondation, après une ouverture sous la forme d’une improvisation, le pianiste place le concert dans l’inspiration de sa relecture de Bach, en proposant d’abord une reprise de Es ist Vollbracht, un aria de la Passion selon Saint-Jean (BWV 245).

Édouard Ferlet, Antibes, 7 juillet 2023 (c) Patrizio Gianquintieri

Depuis quelque temps, plusieurs grands musiciens de jazz se sont emparés de l’œuvre de Bach. C’est le cas de Dan Tepfer, qui a porté son intérêt sur les Variations Goldberg :

Ou de Brad Mehldau, comme dans cette Fugue n° 16 en sol mineur (BWV 885)

Tepfer et Mehldau ont cependant choisi d’interpréter d’abord l’œuvre originelle, puis leur propre variation, tandis que Ferlet propose directement une recréation, empruntant seulement un intervalle, un thème mélodique ou la structure de la fugue, et faisant se croiser sa propre inspiration et celle de Bach, dans des formes harmoniques parfois très complexes, comme dans “Mind the Gap”, dont il m’avait exposé la construction lors de la sortie de Think Bach opus 2.

Édouard Ferlet, Antibes, 7 juillet 2023 (c) Patrizio Gianquintieri

À la rigueur de composition de Bach correspond une exigence d’écriture et de transmission pour Ferlet, qui se concrétise dans son choix d’éditer les partitions de cet Opus 2, même si, en concert, il s’autorise des échappées libres.

Toujours inspirées de Bach, les compositions « Analecta », « À la suite de Jean », « Crazy B », sont ensuite jouées, entrecroisées d’extraits de l’album Pianoïd, qui marque une nouvelle évolution dans la recherche de sonorités et de formes nouvelles. Pour l’écriture, Ferlet expose que “Plus le morceau va être épuré, plus il y aura de l’espace pour improviser et développer”.  Dans Pianoïd, quatre instruments entrent en jeu : le piano SILENT, clavier maître sur lequel le pianiste joue, qui envoie les informations à l’ordinateur ; l’ordinateur qui traite les informations avec le logiciel Ableton Live ;  le contrôleur MIDI (connecté à l’ordinateur), qui lui permet de moduler la vitesse, la dynamique et les paramètres de ce qui est joué; et le piano Disklavier, clavier automate, qui restitue les notes ainsi transformées et réinterprétées par la mécanique du piano. Si la technologie peut sembler complexe, Ferlet l’a progressivement apprivoisée pour ne pas en dépendre et en tirer les avantages qui lui conviennent. À Antibes, n’ayant qu’un seul piano, c’est surtout sur le son des cordes que Ferlet a travaillé, comme il l’avait fait dans “Archaea” avec des aimants placés dans le piano ou une note qui résonne, ici dans “Skin”.

Puis vient l’interprétation de « Miss Magdalena », inspirée du prélude en do majeur BWV 846. « Un musicologue gallois, raconte Édouard Ferlet, soutient qu’Anna Magdalena Bach aurait été la compositrice et l’auteur de plusieurs des œuvres majeures de son mari. Cette théorie a inspiré cette pièce. Plus qu’un clin d’œil, il s’agit d’un véritable hommage à cette femme de l’ombre qui a peut-être eu plus à dire que ce que Bach lui a permis de dire. » Et c’est alors que la chanteuse lyrique Valérie Gabail vient près du piano pour accompagner vocalement le pianiste dans un moment de grâce.

Édouard Ferlet vient de sortir un nouveau CD sous le titre Pianoïd 2, dont il présente un extrait enregistré dans le studio de TSF Jazz.

Jammin’ Juan 2022

Un ciel d’azur coupé de quelques averses denses comme le jeu de Sonny Rollins, un Palais des Congrès ouvert aux vents du jazz, la 5ème édition du Jammin’ Juan s’ouvre cette année dans un format raccourci de 3 jours, en semaine, renforçant sa dimension de marché des professionnels.

Au programme, des trios, des quartets, des quintets – en nombre, un duo même, du jazz vocal, de l’électro – roi des “after”, des contrebasses rutilantes, des lutheries surprenantes, des musiciens venus de tous horizons. L’éclectisme règne, à Antibes comme sur les scènes contemporaines.

Côté trios, entre l’énergie virile du trio israélien Tal Gamlieli et le piano dansant de Martin Salemi, le jeune pianiste tunisien Wajdi Riahi, basé à Bruxelles, retient l’attention. Ses longues phrases très mélodiques et la grande complicité qu’il entretient au fil de la musique avec les deux autres instrumentistes (basse et batterie) composent un univers intimiste très personnel qui frôle souvent les bords de la Méditerranée.

Le quartet d’Adrien Brandeis prend les accents du Mexique, dans une formation originale, avec le contrebassiste cubain Felipe Cabrera (l’accompagnateur des pianistes cubains Roberto Fonseca,
Harold Mopez Nussa, Gonzalo Robalcaba), et une batterie doublée d’un percussionniste.

Mais c’est la formation en quintet qui est en force dans les salons du Jammin’, avec six groupes de musiciens de tous styles.

Le Quintet du trompettiste Ernesto Montenegro offre un jazz impeccable, marqué par l’influence d’Art Blakey et de la musique désormais classique des années 50-60. Le guitariste luxembourgeois David Laborier, avec sa belle guitare ivoire fraichement sortie des mains du luthier, propose, avec son dernier album NE:X:T, des compositions où la guitare rivalise d’éloquence avec la section cuivre, l’ensemble soutenu par une batterie fougueuse; le titre “Wes we can” est un beau clin d’œil à Wes Montgomery. Et puis il y a le pari très réussi de François Poitou, à la contrebasse, et Pumpkin, au chant rap, qui font rythmer les sonorités du jazz avec des textes incisifs, la voix, soutenue par la rythmique (les baguettes de petit format du batteur dans un subtil contretemps), répondant aux cuivres, pour donner une musique aérienne pleine de sérénité.

Dans un registre totalement différent, Daïda nous laisse groggys. Les cinq gaillards, de noir vêtus – la contrebasse elle-même en lutherie noire, bardés de boîtiers de toutes sortes, développent une
transe électro puissante et lancinante portée à un rythme épique par le batteur Vincent Tortiller. Une musique faite pour la scène.

Plus insolite, le duo de la très jeune harmoniciste israélienne Ariel Bart, son mince visage barré d’une mèche noire et d’un gros harmonica chromatique d’où sortent des gammes parfois virtuoses empruntes de tristesse.

Ariel Bart (Patrizio Gianquintieri)

Et toujours côté musiciennes (elles étaient quatre en leader dans la programmation de cette année), le très beau projet vocal de Sanne Sanne, le groupe de jazz folk de la chanteuse vibraphoniste Sanne Huijbregts, dont certaines inflexions de voix rappellent Grace Slick, accompagnée au chant par l’altiste et le contrebassiste : une très belle réussite dans un registre inhabituel, certaines instrumentations évoquant les beaux timbres de l’américain Sufjan Stevens.

Sanne Sanne (Patrizio Gianquintieri)

Les “afters”, comme de coutume, furent plutôt électro, avec le set de Cocolite et le groove addictif de Ishkero, musique de la nuit venue.

Au titre des concerts du soir, une soirée très remarquée avec le show de Thomas de Pourquery et son Supersonic. Un jazz total, qui oscille entre la chanson et les grandes envolées, tel le “Sons of love” de 2017, une liberté un peu déjantée, qui rappelle celle que prenait Frank Zappa avec les frontières entre les genres musicaux.

Un bel éclectisme, qui donne envie de faire son marché…

Billet rédigé par Patrice Presles

Session 2022 du festival de jazz de Saint-Jean Cap-Ferrat

Au fil des années, le festival de Saint-Jean a su maintenir une ambiance décontractée dans un décor intime où les artistes, très proches du public, savent rapidement capter leur attention, au sein d’un environnement sonore respectueux de cette proximité physique. Ajoutons que l’organisation est particulièrement attentive envers la presse.

Avec Stefano Di Battista, et ses compères Fred Nardin, Daniele Sorrentino et André Ceccarelli, les « histoires » Morricone ont permis à chacun de se remémorer les films dont ils constituaient la musique originale, ou d’en découvrir certains, moins connus. Alors que Morricone avait une prédilection pour les grandes phalanges symphoniques, Batista met au centre le son chatoyant du saxophone, pour notre plus grand plaisir dans le magnifique thème de Deborah, dans Il était une fois en Amérique

Avec Anne Paceo, c’est un tout autre univers qui nous est donné à pénétrer, celui du chamanisme, un corpus de musiques inspiré des rituels d’exorcisme de Bali, des cérémonies voodoo d’Haïti, des chants de divination de Sibérie ou encore des rituels de possession du Candombe brésilien. Déjà, dans ses albums précédents, en particulier Bright Shadows, Anne Paceo avait exprimenté une nouvelle présence musicale, un rapport au corps, à la voix, à l’instrument, une poétique intime laissant beaucoup de place à ses partenaires. Ici, les voix d’Isabel Sörling et Marion Rampal se succèdent ou se répondent de manière très lyrique, soutenue par les claviers de Tony Paeleman, la batterie et les percussions de Benjamin Florent et, last but not least, le toujours inspiré Christophe Panzani. Après un moment de désorientement, le public est conquis.

Christophe Panzani (Christian Delage)

L’on retrouve ensuite VIncent Peirani avec grand plaisir. Dans un entretien, celui-ci nous raconte la rupture qu’a provoquée la Covid dans sa vie musicale et l’urgence à revenir en studio, à « repartir à zéro », à s’inspirer de l’énergie Rock, des formations qui ont compté pour lui comme BBA avec Jeff Beck ou Jimi Hendricks.

À Saint-Jean, il se présente avec le guitariste Federico Casagrande et le batteur Ziv Ravitz dans une forme hybride de trio, qui permet toutes sortes de variations dans la distribution des rôles. Le titre de leur album, Jokers, veut mettre en avant la figure du joker dans le jeu de cartes, comme étant celui qui peut remplacer n’importe quelle autre carte et également être la plus forte du jeu. Une métaphore pour dire que, dans le trio, chacun peut prendre la place de l’autre dans la rythmique et la couleur musicales, et l’ensemble se retrouver à égalité dans la recherche de l’unité.

Enfin, avec Érik Truffaz, en formation quartet (Benoît Corboz aux claviers, Marcello Giuliani à la basse et Tao Ehrlich à la batterie), le festival s’est offert un beau moment de longues échappées musicales entraînantes qui rappellent, si besoin était, que le jazz, tout en conservant sa singularité, s’est toujours ouvert à d’autres inspirations ou styles de musique et c’est debout que le public a ovationné Truffaz. Et puisque tout avait commencé par la reprise des mélodies de Morricone, signalons que Truffaz vient de sortir un CD en hommage aux musiques de films, celle de La Rivière sans retour (« One Silver Dollar »), mais aussi celle des Tontons flingueurs !

Éric Truffaz (Christian Delage)

Michel Portal/Iggy Pop

Pour la dernière soirée du Nice Jazz Festival, deux monstres sacrés : Michel Portal (87 ans) et Iggy Pop (75 ans).

En introduction, cependant, il faut mentionner la prestation, lors du premier set, de la chanteuse africaine-américaine Samara Joy, 24 ans, avec une belle présence scénique et une tessiture qui se déplace du grave à l’aigu avec beaucoup d’aisance et d’élégance.

Samara Joy, Nice, 19 juillet 2022 (C. Delage)

Michel Portal, toujours en forme malgré une allure un peu fragile – mais un humour intact, C’est l’un des plus grands artistes français, d’une humilité sans égale, et d’une infatigable curiosité pour des expériences nouvelles.  Cela fait longtemps qu’il s’efforce constamment de sortir de sa zone de confort, à commencer par le passage de la musique classique au jazz.

Évoquant ce qu’ont représenté pour lui le quintette et le concerto pour clarinette de Mozart, il imagine le rapport du compositeur à cet instrument, décrit le sien et se souvient de sa découverte à la radio de l’interprétation de Benny Goodman, et des liens de ce dernier avec Béla Bartók.

J’avais eu la chance de rencontrer Michel Portal il y  une dizaine d’années et j’avais été frappé par son souci de prendre en considération l’avis du modeste auditeur que j’étais, inquiet de ne pas avoir eu le sentiment  d’être allé au bout de sa démarche (il s’agissait de l’album Baïlador, après lequel il attendra 10 ans avant de livrer MP85). Cela me rappelait la manière dont Coltrane, après chaque concert, revenait immédiatement à son instrument et cherchait à savoir s’il en avait tiré le meilleur parti.

Hormis quelques morceaux provenant d’autres CD, comme “Cuba si, Cuba no”, Portal a surtout repris MP85, cet album flamboyant, enregistré avec le contrebassiste Bruno Chevillon, le  batteur belge Lander Gyselinc, le tromboniste allemand Nils Wogram et le pianiste Boyan Z. Diversité des inventions musicales, jusqu’au bruit du vent dans “Desert Town”, jeu croisé de haute intensité entre la clarinette et le trombone, tout ici frémit dans des nappes musicales souvent envoûtantes. La grande fluidité de ce quintet tient également au fait que les musiciens suivent scrupuleusement la partition, loin et proche en même temps du jeu modal que Miles Davis avait offert à ses musiciens pour leur donner plus de liberté.

Il fallait bien un temps de suspens avant de se rendre sur la scène Masséna où l’artiste invité allait nous emporter dans un autre univers, c’est le moins qu’on puisse dire.

Iggy Pop, Nice, 19 juillet 2022 (C. Delage)

Bon, il n’a pas attendu deux morceaux avant de tomber la veste après un gros clin d’œil au public en l’entrouvant plusieurs fois auparavant. Malgré ou à cause de sa démarche claudicante, Iggy Pop a une façon qui n’apparient qu’à lui de bouger sur scène, et on sent bien (ce qu’on peut voir dans d’autres vidéos de ses concerts) qu’il aime s’approcher au plus près du public, qui connaît bien ses tubes et les reprend dès qu’il lui donne la main (c’était le cas pour “The Passenger”). Malgré l’âge, le visage buriné reste très expressif et finalement assez doux. Pour s’en convaincre, il suffit de le regarder dans ce très joli clip, avec juste un peu d’inquiétude de le voir couché, fatigué mais serein d’être revenu de la vie incroyable qu’il a  connue.

Dont’ give up, Iggy!

 

 

 

 

L’élégance et la musicalité de Gerald Clayton

Après Emmet Cohen et Anne Pacéo, que l’on retrouvera pour les chroniquer à New York et à Saint-Jean Cap Ferrat, la soirée du 18 Juillet a permis d’apprécier deux belles manières de faire du jazz.

Yessaï Karapetian, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Celle, tout d’abord, du pianiste Yessaï Karapetian, accompagné par son frère, Marc, contrebassiste, Gabriel Gosse, guitare, Mounsir Sefsouf, saxophone et Théo Moutou, batterie. Autant d’origines différentes – arménienne, guadeloupéenne, réunionnaise et algérienne – pour une unité musicale assez incroyable. Il fallait voir Gosse, pendant un temps où il ne jouait pas, regarder avec une sorte d’admiration Yessaï Karapetian, pour comprendre que cette équipe brille par son entente – et sa qualité de jeu et de style. Quand Marc Karapetian, jusqu’alors un peu en retrait, comme c’est souvent le cas quand la basse doit assurer la rythmique pour les autres,  est sorti de l’ombre pour délivrer son solo, c’était vraiment un plaisir de l’écouter. Marc Karapetian, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Ces musiciens ont faim, et on voyait bien que le saxophoniste, très lyrique dans son phrasé, aurait aimé en donner davantage.  Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le premier CD de Karapetian a été enregistré en Live, dans un studio, le CBE, plutôt connu pour accueillir la musique pop.

En juin 2020, en pleine pandémie, Karapetian terminait ses études au Berklee Global Jazz Institute, après être passé par Marseille et le Conservatoire national de Paris. Son professeur était Danilo Pérez. Il a alors obtenu deux DownBeat Student Music Awards. C’est à la Berklee qu’a été filmé son “Don Carlos”, joué hier soir au Théâtre de verdure.

Avec Gerald Clayton, 38 ans, c’est une autre génération de pianistes qui était à l’honneur. Il a été formé à la Manhattan School of Music, sous la direction de Kenny Barron. Cela se ressent bien dans son jeu d’une grande élégance et d’une belle musicalité classique. Sans doute la meilleure manière de le découvrir est de l’écouter en solo, sur cette “Invocation à la paix” qu’il a composée.

Avec  “Bells On Sand”, son dernier album, il joue avec ses deux “mentors”, son père John, à la contrebasse, Charles Lloyd au saxophone (pour un bonus track) Justin Brown à la batterie, et Maro au chant. Moitié créations originales, moitié reprises, on notera en particulier deux mélodies du compositeur catalan Federico Mompou, “Damunt de tu Només les Flors” et “Elegia”.

Gerald Clayton, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Présentés par le label Blue Note comme une méditation sur le temps après un long passage en confinement, “Bells On Sand” était interprété avec une tonalité plus solaire. Jouer devant un public et en tournée a procuré une sorte d’énergie renouvelée pour beaucoup d’artistes, mais aussi de la douceur, comme en témoigne la subtile reprise du standard de Richard Whiting et Newell Chase, “My Ideal”.

 

 

Kenny Baron ou l’humilité du trio

Si l’on veut comparer Samy Thiébault et Kenny Barron, qui se sont succédé à Nice, au Théâtre de verdure, le 16 juillet, on pourrait partir de la perception sonore de leur prestation. Si le premier semble profiter de l’espace de la scène en plein air, sans pour autant égaler l’enregistrement studio, le second la transforme en un club feutré, à l’image du Village Vanguard où le pianiste se produit souvent.

Voici donc, à titre de comparaison, un extrait de « Baila » de Samy Thiébault

et la version studio.

La seconde est beaucoup plus chatoyante et rend mieux justice  aux deux sources d’inspiration, brésilienne et caribéenne, séparément, et ensemble, dans la fusion qui correspond au projet de Thiébault.

Samy Thiébault, Josiah Woodson et Felipe Cabrera, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

« Je l’ai écrit, explique-t-il à Jacques Denis, comme une bossa qui clame haut et fort sa créolité, convoquant tout aussi bien le Brésil que les rythmes cubains, la musique classique française ou encore ma passion pour le jazz modal et spirituel. En quelques minutes de musique vous avez toute l’histoire de notre aventure, à travers trois continents et des rencontres uniques, voici enfin venu le temps de la partager ensemble ! »

L’histoire de son aventure, le temps est sans doute venu pour Kenny Barron, bientôt 80 ans, de la raconter. Le corps semble fatigué quand il s’avance sur scène et s’assoit un peu lourdement sur le siège du piano. En guise d’introduction, il présente ses deux complices, Kiyoshi Kitagawa (contrebasse) et Willie Jones III (batterie), et lui-même comme étant « natif de Philadelphie » puis commence sans autre formalité le premier morceau. Il ne se retournera quasiment plus vers le public et échangera très peu avec ses acolytes. Point besoin, car la formation en trio repose souvent sur une entente parfaite entre les musiciens.

Kenny Barron, Kiyoshi Kitagawa et Willie Jones III, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

Nous revient alors le souvenir (en images) de Bill Evans, interprétant tête penchée « Waltz for Debby », avec son contrebassiste, Scott LaFaro, dans le dos, une des plus belles choses qui soit donnée à voir et à méditer (pour l’humilité de la musique et de son interprétation).

À peine assis, donc, Kenny Barron retrouve alors immédiatement un toucher et une grâce intacts malgré les années passées, passées en compagnie d’autres grands messieurs, Dizzy Gillespie, Yusef Lateef, Ron Carter, Freddie Hubbard ou Dave Holland. Mais aussi de musiciens qu’il admire, et auxquels il rend hommage, comme Bud Powell, McCoy Tiner, ou Abdullah Ibrahim, dont le dernier morceau joué après presque 90 minutes de concert s’intitule « Song for Abdullah »,

Kiyoshi Kitagawa, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

Des trois musiciens, seul le contrebassiste était face à nous, et c’est ainsi que l’on a pu voir en même temps qu’apprécier son incroyable toucher, la main droite étant d’une extrême agilité et semblant donner l’impression de frôler les cordes.

De Soweto à Louise, l’esprit du jazz

En ouverture du Nice Jazz Festival 2022, saluons d’abord la présence  du pianiste Nduduzo Makhathini et de ses musiciens venus d’Afrique du Sud.  Professeur et chercheur, Makhathini dirige le département musique de l’université de Fort Hare, dans la province du Cap-Oriental.

Il développe un jazz très influencé  par la spiritualité qui l’habite (il est shaman et l’église a joué un rôle important dans sa jeunesse). C’est d’abord par cette caractéristique qu’on peut le comparer à John Coltrane, mais, dans la musique qu’il a développée dans son dernier CD, “Modes of Communication : Letters from the Underworlds”, jouée au Théâtre de verdure le 15 juillet, on retrouve bien cette oscillation entre l’esprit mélodique de la ballade et la transe de l’improvisation propres à Trane.

Dans l’entretien filmé qui suit, il explique sa fierté d’être produit pour la première fois par le label Blue Note, en raison de la défense et de la promotion des musiciens noirs par ses deux fondateurs, Alfred Lion et Max Margulis, et l’intérêt de s’inscrire dans une filiation où il peut, à son tour, créer des liens entre la diaspora et le continent. À la fin du concert, Makhathini évoque d’ailleurs l’histoire de l’apartheid en faisant référence aux émeutes de Soweto. en 1976.

Place ensuite à Émile Parisien, venu présenter son dernier opus, “Louise” (ACT). Nous le suivons depuis le début des années 2010, et avons souvent célébré son goût du partage, avec son ami et camarade de jeu Vincent Peirani, bien sûr, mais aussi en formation avec d’autres musiciens formant des groupes éphémères ou durables.

C’est ici en sextet que Parisien se présente sur scène, avec un casting franco-américain haut de gamme : ainsi le trompettiste Theo Croker, crée un dialogue tout en équilibre avec le saxophoniste.

Émile Parisien et Theo Croker, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Outre le contrebassiste Joe Martin, le pianiste Roberto Negro et le guitariste Manu Codjia, (dont Jacques Lerognon, critique au Jazzophone me confirme que c’est un des meilleurs de sa génération), sont  tous deux habitués à jouer avec Parisien.

Roberto Negro et Manu Codija, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Et enfin, last but not least, Nasheet Waits à la batterie. S’il y avait quelque chose d’un peu trop spectaculaire dans le solo de Negro, celui de Waits a emporté l’adhésion du public, grâce à son toucher incomparable et ses montées en puissance communicatives. Dans le CD, on sent combien sa présence galvanise constamment les autres musiciens, par sa capacité à irradier autant en retrait que sur des solos.

Nasheet Waits, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Parisien a nommé ce nouveau CD “Louise”, en hommage à Spider, une série de sculptures d’araignées de Louise Bourgeois. Même si l’une d’entre elles vient d’atteindre un sommet dans une vente de juin dernier, ce n’est pas un choix de facilité, tant l’artiste, décédée en 2010, a marqué l’art contemporain par un univers organique étroitement lié à des souvenirs de son enfance. L’araignée représente ainsi pour elle le symbole de la figure maternelle, comme elle le dit dans le livre d’artiste publié en 1995 par Le MoMA, “Ode à ma mère” : “L’araignée est une ode à ma mère. Elle était ma meilleure amie. Comme une araignée, ma mère était une tisseuse. Comme les araignées, ma mère était très intelligente.” Découvrant après sa mort la maison new-yorkaise dans laquelle elle a vécu jusqu’à 98 ans, Philippe Lançon écrit : “Louise et Eugénie ont eu des pères indignes, égoïstes. L’une s’est sauvée par l’art, l’autre par l’abnégation. La maison pétrifiée de Chelsea ressemble à celle du père Grandet, saisie par les obsessions minuscules du passé mais aérée, après la mort du vieux cochon, par la liberté de sa fille”.

Louise Bourgeois, “The Nest”, 1994. Welded steel (1911-2010) SFMOMA

Difficile de dire si la musique se rapproche d’une histoire aussi personnelle, mais disons qu’Émile Parisien, qui a beaucoup tourné depuis longtemps, a sans doute ressenti le besoin de retrouver, après la pandémie et à bientôt 40 ans, ce qui a fondé son goût pour le jazz – entre France et États-Unis – et la manière de l’incarner dans l’énergie, toujours, mais aussi dans l’écoute des musiciens qui l’accompagnent, qui le nourrissent de leurs propres expériences, et qui lui permettent de se revitaliser, après toutes ces aventures musicales toujours très physiques.

 

 

Un “Jammin’ Juan” 2021 très riche

Pour la 3ème édition de Jammin’ Juan, qui se tenait du 3 au 6 novembre dans l’élégant Palais des Congrès de Juan-les-pins, un très large spectre de musiques actuelles était programmé – une trentaine de formations au total, sous forme de showcases de 35 minutes l’après-midi, et de concerts le soir.

Programmation ouverte, du trio classique au flamenco en passant par le funk et l’électronique, pour laquelle les oreilles des professionnels et des amateurs étaient invitées à se glisser avec fluidité d’un salon à l’autre, dans un luxe d’espace, grâce à l’architecte Jean-Jacques Ory,  et de confort d’écoute.

Le showcase est un format stimulant pour les artistes, contraints de montrer le meilleur de leur actualité dans un temps bref, ce qui crée le plus souvent un concentré d’excellence.

Ludivine Issambourg (Patrizio Gianquitieri)

Ainsi, du quartet électro jazz Antiloops emmené par la flûtiste Ludivine Issambourg (photo Patrizio Gianquintieri)  au sextet vocal Yusan tout en sonorités africaines et en rythmiques caribéennes, les groupes présents durant ces quatre jours donnent un bel aperçu du très large panorama de ce que recouvre aujourd’hui le jazz.

Avec le Dexter Goldberg Trio, familier du Duc des Lombards à Paris, on découvre un piano pointilliste, qui laisse la musique respirer avec élégance, et donne aux mélodies tout l’espace pour se développer en longs méandres, ponctuées par le swing vif des baguettes de Raphaël Pannier.

Puis, toujours en trio, on change d’atmosphère avec ForYourOwnGood! : entouré de la vagabonde batteuse Anne Pacéo, le pianiste Christophe Imbs conduit son instrument sur des registres qui vont de la pulsation rock à la transe répétitive, sur des timbres transformés, laissant les auditeurs dans un état instable, à l’image de la composition “Stabilo”.

Et toujours plus loin, la formation jazz rock Ornicar. Accueilli en résidence dans la salle parisienne du Baiser Salé de 2017 à 2019, ce trio invente une musique très actuelle, mélange de sons acoustiques et d’effets, la guitare électrique très travaillée du leader Joachim Machado répondant à la hardiesse d’un saxophone baryton.

Ornicar (Patrizio Gianquintieri)

Terminons en fanfare. En effet, le Jemm Music Project fonctionne comme une fanfare ethnique contemporaine, c’est un sextet de musiciens aguerris, qui utilise une grande variété d’instruments à percussion tels que le balafon, le steel pan, ou encore des wooden drums inventés spécialement pour le Jemm Project. Les titres “Afroboogie”, “Camel beach” ou encore “Marrakesh” signent bien l’esprit du groupe, qui a conquis un franc succès auprès des professionnels et accrédités qui forment l’essentiel du public présent.

Les concerts de soirée, dans la grande salle, proposaient des artistes déjà établis. Mais là aussi, l’éclectisme prévalait. Le quartet Nefertiti faisait presque penser à un quatuor, tant le rôle imparti à chacun des instruments prenait à contrepied les agencements habituels. Ici, le piano dialoguait avec la batterie, la partition entre rythmique et mélodie/harmonie semblait dissoute, la musique de chambre française du début du 20ème siècle n’était pas loin.Guillaume Perret (Patrizio Gianquintieri)

Et cette généreuse jam session se terminait de manière grandiose, avec le sax épique et futuriste de Guillaume Perret, dans une scénographie sophistiquée.

Article rédigé avec Patrice Presles

À Nice, tout pour Cecile McLorin et Asaf Avidan

En deuil en 2016, empêché en 2020, le Nice Jazz Festival est enfin revenu avec éclat, dans une ambiance marquée par la sortie progressive d’une situation sanitaire qui a frustré les mélomanes de par le monde, quand elle n’a pas atteint directement certains musiciens qui n’ont pas survécu.

Ainsi c’est un plaisir quelque peu bousculé par la fragilité de la période, forcément moins extraverti que par le passé, qui a traversé le festival, installé sur une seule scène, assise, avec une jauge fortement réduite.

De ces sets qui se sont succédé, deux moments se distinguent par leur intimité, leur épure et leur intensité.

Le premier est celui du duo formé par Cecile McLorin Salvant et Sullivan Fortner.  D’album en album, Cecile McLorin s’est installée sur la plus haute marche d’un jazz moderne. Sa curiosité est insatiable et chacun de ses choix de puiser dans le répertoire aboutit toujours à une magnifique réappropriation.

Elle entretient avec l’incroyable pianiste Sullivan Fortner une complicité parfois espiègle mais toujours inspirée;

Quand, à la toute fin du concert, elle interprète le morceau qui donne le titre de son nouvel opus, Ghost songs, se confirme également le talent de la compositrice, ici dans une nuance un peu mélancolique.

Asaf Avidan, Nice, 16 juillet 2021 (Patrizio Gianquintieri)

Alors que Cécile installe immédiatement son univers et sa personnalité, il faut un peu plus de temps pour qu’Asaf Avidan prenne possession de la scène. À la quarantaine passée, le musicien, qui ne joue plus avec son groupe les Mojos depuis le début des années 2010, a construit un univers musical singulier, fort de sa voix si particulière et de sa très grande sensibilité. Dans ses compositions, il évoque ses “tunnels qui sont longs et sombres, un “labyrinthe”, l'”Odyssée de la terre”, le “rocher de Lazare”.

DAN TEPFER EN DUO CONFINÉ AVEC CECILE McLORIN SALVANT

Le vendredi 14 août a lieu en duplex depuis New York un concert en Livestream de Dan Tepfer et Cecil McLorin Salvant, chacun, covid oblige, étant à son domicile.

Il faut d’abord saluer l’exploit technique que représente ce concert (en sachant gré à Dan de l’avoir organisé), et l’effort artistique que demande une duo à distance, sans public. Après un petit souci initial de synchronisation, la qualité sonore était au rendez-vous.

Nous avons alors profité d’un moment assez unique, où chaque artiste a profité de la liberté dont il disposait pour prendre quelques risques (Dan s’est mis à chanter

Cécile McLorin Salvant / Dan Tepfer : The French Songbook
Friday, August 14th 2020
9am Hawaii // 12pm San Francisco // 3pm NYC // 8pm London // 9pm Paris // 10pm Jerusalem
$5 tickets at dantepfer.com/tix

DOMERGUE DÉCONFINÉ À CANNES

Alors que la plupart des festivals de musique ont été supprimés ou restreints à quelques concerts, jazz à Domergue maintient une programmation presque intégrale et toujours un haut niveau de qualité.

L’année dernière, outre Anne Pacéo et le quartet d’Érik Truffaz, le trio Dadada de Roberto Negro (avec Émile Parisien et Michele Rabbia) avait marqué par son inventivité et sa liberté.

Le public, limité en raison de la taille du jardin de la villa, est particulièrement concentré sur l’écoute d’une musique exigeante.

Paradoxalement, la crise sanitaire permet de transférer le festival sur un lieu pouvant accueillir beaucoup plus de spectateurs, la terrasse du palais des festivals, à Cannes.

Ce sont donc trois concerts qui seront proposés cette année :

10 aôut : Aksham / Elina Duni et David Enhco Quintet
La voix envoûtante d’Elina Duni, l’irrésistible chant de la trompette de David Enhco et l’étreinte raffinée du jeu de Marc Perrenoud au piano créent un jazz virtuose et délicat, aux rythmiques impeccablement ciselées !
11 août :  Mathias Levy Trio
Mathias Levy est la nouvelle voix du violon en France : une esthétique acoustique, mêlant influence classique, musique du monde et un « jazz de chambre » solaire et poétique.
13 août : Yaron Herman (photo mise en avant du billet) – Émile Parisien – Mario Costa
Ce trio original rassemble trois des plus intéressants musiciens de la scène jazz actuelle : au côté du pianiste prodige de l’improvisation Yaron Herman, le saxophoniste Emile Parisien et sa patte mélodique hyper créative, ainsi que le batteur Mario Costa dont le jeu est nimbé d’un feeling irrésistible.

 La billetterie : www.cannesticket.com

 

“THE EDDY” OU LE CLUB DE JAZZ COMME LIEU DE VIE

Annoncé en fanfare par Netflix, précédé d’une rumeur favorable entretenue par des reportages sur le tournage de la série à Paris, The Eddy était attendu par ceux qui aiment le jazz, qui savent que jazz et cinéma ont rarement réussi leur mélange, et qui, tout en ayant gardé un mauvais souvenir de Whiplash, s’étaient plutôt réjouis de La La Land et de l’humilité d’un réalisateur très conscient des dettes contractées envers ses aînés, qu’il soient américains (Minnelli, Scorsese) ou français (Demy).

New York New York (Martin Scorsese, 1977) et La La Land (Damien Chazelle, 2017)

Après avoir regardé les huit épisodes, la déception est malheureusement présente. Elle est liée à une faille béante dans la création de The Eddy : le choix d’une intrigue criminelle qui va agir non pas comme un lien narratif fort, mais comme une source permanente de perturbation de l’histoire musicale et sociale du club de jazz. Surtout quand cela fait disparaître Tahar Rahim (parfaitement crédible dans le rôle de Farid et très à l’aise sur scène) dès le deuxième épisode !

Andre Holland et Tahar Rahim, The Eddy, 2020.

S’ensuit cependant l’un des (nombreux) petits miracles de la série, une scène quasi anthropologique de toilette funéraire qui met en scène Amira (Leila Bekhi, dont la présence irradie The Eddy), la veuve de Farid, et leur fils, qui se prépare à laver le corps de son père. C’est un moment pratiquement sans dialogue, un temps de suspens, très beau.

Auparavant, Amira avait revisionné une vidéo qu’elle avait faite avec son téléphone portable dans une scène qui semble, à l’évidence, avoir été prise hors tournage, ce qui fait tout son charme, pour se souvenir de cette soirée-anniversaire célébrée dans le club avec les musiciens et les comédiens.

Ou les comédiens-musiciens, car le choix s’est porté sur ceux et celles qui pouvaient disposer des deux compétences. C’est d’ailleurs un des trop rares moments où le club agit comme un lieu de vie sans incidence de la narration criminelle. Et c’est là qu’interviennent les références cinéphiliques qui ont nourri Damien Chazelle, même s’il n’a réalisé que les deux premiers épisodes. La presse y a souvent vu l’influence de la Nouvelle Vague, comme étant un peu ce dont il se réclamerait, sans pour autant s’en émanciper dans sa tentative d’en renouveler le style. En fait, ce n’est pas la génération des cinéastes issus des Cahiers du cinéma qui a travaillé la modernité croisée du cinéma et du jazz, mais les oncles de France et les cousins d’Amérique.

Rendez-vous de Juillet (Jacques Becker, 1949)

Côté français, la référence est le film de Jacques Becker, Rendez-vous de Juillet (1949), qui décrit une jeune génération d’après-guerre dont les rapports d’amitié, d’amour et d’attente d’un avenir professionnel se jouent dans le Caveau des Lorientais, un club de jazz. Tout comme dans The Eddy, un Paris loin des clichés touristiques y est montré, dans des scènes alternant l’ambiance confinée du club, où l’on se retrouve pour parler, danser, jouer de la musique, s’aimer, et la ville lumière, traversée à pied, en voiture, et même en véhicule amphibie. Ce qui est intéressant, c’est que Becker, comme il l’explique en 1956 dans cet inattendu entretien filmé, relie l’intérêt que portent ses personnages au jazz, à la musique que sa génération avait découverte dans l’immédiat après-Première Guerre mondiale.

L’autre référence vient du Shadows de John Cassavetes, en particulier dans la manière de tourner en extérieur en caméra discrète, les comédiens se fondant dans la foule urbaine.  Dans une belle séquence de la série magazine culte “Cinéma cinémas”, Cassavetes dit ce que le jazz représente pour lui :

Dans sa voiture décapotable, le réalisateur descend les collines de L.A.. pour se rendre chez lui, sa maison étant aussi un lieu de tournage et de montage. Il fait beau, il a l’air très décontracté et souriant. Cependant, il avoue ne pas aimer dans cette ville l’absence de sociabilité directe, simple, improvisée. C’est précisément ce qu’il a mis en scène dans le New York de Shadows, et que reprend Chazelle dans le Paris populaire, mixte et nocturne de The Eddy.

Chazelle explique qu’il a construit la séquence d’ouverture en nous faisant découvrir le club sur les pas de son animateur : ici le plan séquence permet au spectateur de ne pas anticiper ce qui va se passer et de se laisser surprendre par le mouvement de la vie et de la musique. Celle-ci, souligne avec raison Stéphane Ollivier, surjoue trop “le métissage des cultures comme effet d’annonce, sans donner à entendre concrètement ces formes transgenres qui constituent une part du jazz actuel” (Jazz magazine, mai 2020, p. 19). Il arrive cependant que le jeu de la fiction l’emporte sur le caractère consensuel du jazz qu’interprète Maja, la chanteuse du groupe dont le personnage gagne en densité ce qu’il perd en puissance musicale. Ces effets d’échange entre musique et récit se retrouvent également dans la présence décalée de la batteuse croate Lada Obradovic, dont le dernier clip avec David Tixier est très original.

 

 

 

 

 

PABLO CAMPOS REVITALISE LE “GREAT AMERICAN SONGBOOK”

Ce samedi 9 novembre en soirée, au Duc des Lombards, Pablo Campos continue d’honorer les standards du jazz des années 1930 à 1950, autrement dit le “Great American Songbook”, qui lie l’instrumental et le vocal sans donner la part belle à l’un ou l’autre.

Il y sera en formation quartet, avec  César Poirier (saxophone), Viktor Nyberg (contrebasse) et Philip Maniez (batterie). Le concert valorisera son dernier CD, “People Will Say”, enregistré à New York avec le batteur Kenny Washington et le contrebassiste Peter Washington et, en guest, David Blenkhorn (guitare).

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : NICE

L’édition 2019 du Nice Jazz Festival a réservé quelques bonnes surprises au sein d’un programme varié qui permettait toujours à l’amateur de jazz de trouver dans le théâtre de verdure de quoi le satisfaire.

Tout d’abord, un grand moment : le concert – présenté comme son “ultime baiser” – donné par Omara Portuando, accompagné, il faudrait même dire portée, supportée – quand celle-ci, malicieuse, se refusait à terminer un morceau – par Roberto Fonseca (et Yandy Martinez à la contrebasse, Ruly Herrera à la batterie et Coayo aux percussions). Après avoir un peu temporisé pour se chauffer la voix, la diva du Buena Vista Social Club s’est avancée près du public, créant ainsi une incroyable intimité, celle qui a fait de la musique à Cuba, malgré la répression, l’un des lieux majeurs d’une sociabilité partagée. Quand elle chante le magnifique “Lágrimas Negras” : qui pourrait y résister ?

Tandis que Nile Rodgers rassurait le public sur son état de santé (“I’m cancer free!”), et que les trios de Fred Hersch et de Christian Sands installaient un temps superbe de suspension, ou que l’on découvrait la nouvelle scène anglaise, avec Nubya Garcia, Ezra Collective ou KOKOROKO, la plus grande surprise vint de la scène Masséna, avec un José James méconnaissable avec sa coiffure afro, et un hommage à Bill Withers qui, loin de se contenir dans la nostalgie admirative, révélait des talents de showman jusqu’ici peu connus. Avec, en cadeau, évidemment, la reprise de “The Two of Us”.

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : JUAN

D’une année à l’autre, dans les Alpes-maritimes, les amateurs de jazz se retrouvent devant la même situation :  les deux festivals “historiques” de Nice et de Juan ont lieu en même temps, ce qui oblige donc à devoir choisir entre les deux au lieu d’en profiter successivement. Grâce à ses deux scènes, Nice a cependant l’avantage de pouvoir garder une programmation 100% jazz sur le Théâtre de verdure, et d’ouvrir à d’autres musiques sur Masséna. À Juan, la scène est unique et même si trois concerts peuvent s’y succéder dans la soirée, la part strictement jazzistique se restreint d’année en année. À l’approche du 60ème anniversaire de Jazz à Juan, une réflexion s’impose pour célébrer l’histoire de ce festival et en revenir à son esprit d’origine.

Ben Harper & the Innocent Criminals, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

Cet esprit est par exemple celui qui a animé l’un des invités de cette édition 2019, Ben Harper. Un musicien que j’avais eu la chance de voir à New York au Radio City Music Hall, et dont le jeu de guitare à plat, qu’il alterne avec un jeu plus classique debout, rend bien compte de sa double personnalité : intime, quand il lui arrive d’être seul face au public, presque austère ; en énergie et dans des styles variés quand il est avec son groupe, en particulier son percussionniste Leon Mobley, alternant la sonorité Reggae avec des ambiances plus Soul  ou Rock, en passant par le Folk et le Blues.

Ben Harper, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

L’une des singularité de Ben Harper provient de son engagement pour la défense des droits  et le respect de la dignité des Africains-Américains, bien avant le mouvement Black Lives Matter.  Pour s’en convaincre, il suffit de rappeler les paroles de sa composition, Call it What It Is :

“They shot him in the back
now it’s a crime to be black
so don’t act surprised
when it gets vandalized

there’s good cops
bad cops
white cops
black cops

Trayvon Martin
Ezell Ford
Michael Brown
and so many more

government, policing, hard times,
oppression, racism, fear, suffering
ain’t easy

gun control
mind control
self-control
we’ve dug ourselves a hole

call it what it is
murder”

Une histoire qui faisait se rapprocher sur l’une des photos emblématiques de ces vies fauchées au moment du passage à l’âge d’homme Emmett Till et Trayvon Martin