Archives de catégorie : Billets

Un “Jammin’ Juan” 2021 très riche

Pour la 3ème édition de Jammin’ Juan, qui se tenait du 3 au 6 novembre dans l’élégant Palais des Congrès de Juan-les-pins, un très large spectre de musiques actuelles était programmé – une trentaine de formations au total, sous forme de showcases de 35 minutes l’après-midi, et de concerts le soir.

Programmation ouverte, du trio classique au flamenco en passant par le funk et l’électronique, pour laquelle les oreilles des professionnels et des amateurs étaient invitées à se glisser avec fluidité d’un salon à l’autre, dans un luxe d’espace, grâce à l’architecte Jean-Jacques Ory,  et de confort d’écoute.

Le showcase est un format stimulant pour les artistes, contraints de montrer le meilleur de leur actualité dans un temps bref, ce qui crée le plus souvent un concentré d’excellence.

Ludivine Issambourg (Patrizio Gianquitieri)

Ainsi, du quartet électro jazz Antiloops emmené par la flûtiste Ludivine Issambourg (photo Patrizio Gianquintieri)  au sextet vocal Yusan tout en sonorités africaines et en rythmiques caribéennes, les groupes présents durant ces quatre jours donnent un bel aperçu du très large panorama de ce que recouvre aujourd’hui le jazz.

Avec le Dexter Goldberg Trio, familier du Duc des Lombards à Paris, on découvre un piano pointilliste, qui laisse la musique respirer avec élégance, et donne aux mélodies tout l’espace pour se développer en longs méandres, ponctuées par le swing vif des baguettes de Raphaël Pannier.

Puis, toujours en trio, on change d’atmosphère avec ForYourOwnGood! : entouré de la vagabonde batteuse Anne Pacéo, le pianiste Christophe Imbs conduit son instrument sur des registres qui vont de la pulsation rock à la transe répétitive, sur des timbres transformés, laissant les auditeurs dans un état instable, à l’image de la composition “Stabilo”.

Et toujours plus loin, la formation jazz rock Ornicar. Accueilli en résidence dans la salle parisienne du Baiser Salé de 2017 à 2019, ce trio invente une musique très actuelle, mélange de sons acoustiques et d’effets, la guitare électrique très travaillée du leader Joachim Machado répondant à la hardiesse d’un saxophone baryton.

Ornicar (Patrizio Gianquintieri)

Terminons en fanfare. En effet, le Jemm Music Project fonctionne comme une fanfare ethnique contemporaine, c’est un sextet de musiciens aguerris, qui utilise une grande variété d’instruments à percussion tels que le balafon, le steel pan, ou encore des wooden drums inventés spécialement pour le Jemm Project. Les titres “Afroboogie”, “Camel beach” ou encore “Marrakesh” signent bien l’esprit du groupe, qui a conquis un franc succès auprès des professionnels et accrédités qui forment l’essentiel du public présent.

Les concerts de soirée, dans la grande salle, proposaient des artistes déjà établis. Mais là aussi, l’éclectisme prévalait. Le quartet Nefertiti faisait presque penser à un quatuor, tant le rôle imparti à chacun des instruments prenait à contrepied les agencements habituels. Ici, le piano dialoguait avec la batterie, la partition entre rythmique et mélodie/harmonie semblait dissoute, la musique de chambre française du début du 20ème siècle n’était pas loin.Guillaume Perret (Patrizio Gianquintieri)

Et cette généreuse jam session se terminait de manière grandiose, avec le sax épique et futuriste de Guillaume Perret, dans une scénographie sophistiquée.

Article rédigé avec Patrice Presles

À Nice, tout pour Cecile McLorin et Asaf Avidan

En deuil en 2016, empêché en 2020, le Nice Jazz Festival est enfin revenu avec éclat, dans une ambiance marquée par la sortie progressive d’une situation sanitaire qui a frustré les mélomanes de par le monde, quand elle n’a pas atteint directement certains musiciens qui n’ont pas survécu.

Ainsi c’est un plaisir quelque peu bousculé par la fragilité de la période, forcément moins extraverti que par le passé, qui a traversé le festival, installé sur une seule scène, assise, avec une jauge fortement réduite.

De ces sets qui se sont succédé, deux moments se distinguent par leur intimité, leur épure et leur intensité.

Le premier est celui du duo formé par Cecile McLorin Salvant et Sullivan Fortner.  D’album en album, Cecile McLorin s’est non seulement installée sur la plus haute marche d’un jazz moderne. Sa curiosité est insatiable et chacun de ses choix de puiser dans le répertoire aboutit toujours à une magnifique réappropriation.

Quand, en outre, elle entretient avec l’incroyable pianiste Sullivan Fortner une complicité parfois espiègle mais toujours inspirée, le plaisir est alors grand à les écouter.

Quand, à la toute fin du concert, elle interprète le morceau qui donne son titre à son nouvel opus, Ghost songs, se confirme également le talent de la compositrice, ici dans une nuance un peu mélancolique.

Asaf Avidan, Nice, 16 juillet 2021 (Patrizio Gianquintieri)

Alors que Cécile installe immédiatement son univers et sa personnalité, il faut un peu plus de temps pour qu’Asaf Avidan prenne possession de la scène. À la quarantaine passée, le musicien, qui ne joue plus avec son groupe les Mojos depuis le début des années 2010, a construit un univers musical singulier, fort de sa voix si particulière et de sa très grande sensibilité. Dans ses compositions, il évoque ses “tunnels qui sont longs et sombres, un “labyrinthe”, l'”Odyssée de la terre”, le “rocher de Lazare”.

DAN TEPFER EN DUO CONFINÉ AVEC CECILE McLORIN SALVANT

Le vendredi 14 août a lieu en duplex depuis New York un concert en Livestream de Dan Tepfer et Cecil McLorin Salvant, chacun, covid oblige, étant à son domicile.

Il faut d’abord saluer l’exploit technique que représente ce concert (en sachant gré à Dan de l’avoir organisé), et l’effort artistique que demande une duo à distance, sans public. Après un petit souci initial de synchronisation, la qualité sonore était au rendez-vous.

Nous avons alors profité d’un moment assez unique, où chaque artiste a profité de la liberté dont il disposait pour prendre quelques risques (Dan s’est mis à chanter

Cécile McLorin Salvant / Dan Tepfer : The French Songbook
Friday, August 14th 2020
9am Hawaii // 12pm San Francisco // 3pm NYC // 8pm London // 9pm Paris // 10pm Jerusalem
$5 tickets at dantepfer.com/tix

DOMERGUE DÉCONFINÉ À CANNES

Alors que la plupart des festivals de musique ont été supprimés ou restreints à quelques concerts, jazz à Domergue maintient une programmation presque intégrale et toujours un haut niveau de qualité.

L’année dernière, outre Anne Pacéo et le quartet d’Érik Truffaz, le trio Dadada de Roberto Negro (avec Émile Parisien et Michele Rabbia) avait marqué par son inventivité et sa liberté.

Le public, limité en raison de la taille du jardin de la villa, est particulièrement concentré sur l’écoute d’une musique exigeante.

Paradoxalement, la crise sanitaire permet de transférer le festival sur un lieu pouvant accueillir beaucoup plus de spectateurs, la terrasse du palais des festivals, à Cannes.

Ce sont donc trois concerts qui seront proposés cette année :

10 aôut : Aksham / Elina Duni et David Enhco Quintet
La voix envoûtante d’Elina Duni, l’irrésistible chant de la trompette de David Enhco et l’étreinte raffinée du jeu de Marc Perrenoud au piano créent un jazz virtuose et délicat, aux rythmiques impeccablement ciselées !
11 août :  Mathias Levy Trio
Mathias Levy est la nouvelle voix du violon en France : une esthétique acoustique, mêlant influence classique, musique du monde et un « jazz de chambre » solaire et poétique.
13 août : Yaron Herman (photo mise en avant du billet) – Émile Parisien – Mario Costa
Ce trio original rassemble trois des plus intéressants musiciens de la scène jazz actuelle : au côté du pianiste prodige de l’improvisation Yaron Herman, le saxophoniste Emile Parisien et sa patte mélodique hyper créative, ainsi que le batteur Mario Costa dont le jeu est nimbé d’un feeling irrésistible.

 La billetterie : www.cannesticket.com

 

PABLO CAMPOS REVITALISE LE “GREAT AMERICAN SONGBOOK”

Ce samedi 9 novembre en soirée, au Duc des Lombards, Pablo Campos continue d’honorer les standards du jazz des années 1930 à 1950, autrement dit le “Great American Songbook”, qui lie l’instrumental et le vocal sans donner la part belle à l’un ou l’autre.

Il y sera en formation quartet, avec  César Poirier (saxophone), Viktor Nyberg (contrebasse) et Philip Maniez (batterie). Le concert valorisera son dernier CD, “People Will Say”, enregistré à New York avec le batteur Kenny Washington et le contrebassiste Peter Washington et, en guest, David Blenkhorn (guitare).

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : NICE

L’édition 2019 du Nice Jazz Festival a réservé quelques bonnes surprises au sein d’un programme varié qui permettait toujours à l’amateur de jazz de trouver dans le théâtre de verdure de quoi le satisfaire.

Tout d’abord, un grand moment : le concert – présenté comme son “ultime baiser” – donné par Omara Portuando, accompagné, il faudrait même dire portée, supportée – quand celle-ci, malicieuse, se refusait à terminer un morceau – par Roberto Fonseca (et Yandy Martinez à la contrebasse, Ruly Herrera à la batterie et Coayo aux percussions). Après avoir un peu temporisé pour se chauffer la voix, la diva du Buena Vista Social Club s’est avancée près du public, créant ainsi une incroyable intimité, celle qui a fait de la musique à Cuba, malgré la répression, l’un des lieux majeurs d’une sociabilité partagée. Quand elle chante le magnifique “Lágrimas Negras” : qui pourrait y résister ?

Tandis que Nile Rodgers rassurait le public sur son état de santé (“I’m cancer free!”), et que les trios de Fred Hersch et de Christian Sands installaient un temps superbe de suspension, ou que l’on découvrait la nouvelle scène anglaise, avec Nubya Garcia, Ezra Collective ou KOKOROKO, la plus grande surprise vint de la scène Masséna, avec un José James méconnaissable avec sa coiffure afro, et un hommage à Bill Withers qui, loin de se contenir dans la nostalgie admirative, révélait des talents de showman jusqu’ici peu connus. Avec, en cadeau, évidemment, la reprise de “The Two of Us”.

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : JUAN

D’une année à l’autre, dans les Alpes-maritimes, les amateurs de jazz se retrouvent devant la même situation :  les deux festivals “historiques” de Nice et de Juan ont lieu en même temps, ce qui oblige donc à devoir choisir entre les deux au lieu d’en profiter successivement. Grâce à ses deux scènes, Nice a cependant l’avantage de pouvoir garder une programmation 100% jazz sur le Théâtre de verdure, et d’ouvrir à d’autres musiques sur Masséna. À Juan, la scène est unique et même si trois concerts peuvent s’y succéder dans la soirée, la part strictement jazzistique se restreint d’année en année. À l’approche du 60ème anniversaire de Jazz à Juan, une réflexion s’impose pour célébrer l’histoire de ce festival et en revenir à son esprit d’origine.

Ben Harper & the Innocent Criminals, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

Cet esprit est par exemple celui qui a animé l’un des invités de cette édition 2019, Ben Harper. Un musicien que j’avais eu la chance de voir à New York au Radio City Music Hall, et dont le jeu de guitare à plat, qu’il alterne avec un jeu plus classique debout, rend bien compte de sa double personnalité : intime, quand il lui arrive d’être seul face au public, presque austère ; en énergie et dans des styles variés quand il est avec son groupe, en particulier son percussionniste Leon Mobley, alternant la sonorité Reggae avec des ambiances plus Soul  ou Rock, en passant par le Folk et le Blues.

Ben Harper, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

L’une des singularité de Ben Harper provient de son engagement pour la défense des droits  et le respect de la dignité des Africains-Américains, bien avant le mouvement Black Lives Matter.  Pour s’en convaincre, il suffit de rappeler les paroles de sa composition, Call it What It Is :

“They shot him in the back
now it’s a crime to be black
so don’t act surprised
when it gets vandalized

there’s good cops
bad cops
white cops
black cops

Trayvon Martin
Ezell Ford
Michael Brown
and so many more

government, policing, hard times,
oppression, racism, fear, suffering
ain’t easy

gun control
mind control
self-control
we’ve dug ourselves a hole

call it what it is
murder”

Une histoire qui faisait se rapprocher sur l’une des photos emblématiques de ces vies fauchées au moment du passage à l’âge d’homme Emmett Till et Trayvon Martin

PIERRICK PÉDRON AU DUC

L’été commence sa pente douce vers la rentrée.

Au Duc des Lombards, pendant trois soirs, Pierrick Pédron était en concert avec Noé Huchard (piano), Thomas Bramerie (contrebasse) et Elie Martin-Charrière (batterie), autour du dernier album du quartet, Unknown.

Dès le premier morceau, qui donne son titre au CD, l’auditeur est frappé par la qualité du son du quartet et sa tranquille assurance. C’est le même plaisir que celui ressenti à l’écoute d’une grande phalange en musique classique. Même une oreille non avertie le sentirait. C’est un sentiment sans doute équivalent à celui de Pédron quand il a découvert Mulgrew Miller, à qui il a rendu hommage pendant son concert.

Quand vient la composition intitulée “Mum’s Eyes”, une magnifique ballade offerte par Pédron à sa mère disparue, l’émotion qui naît provient non pas d’une mélodie plaintive mais de la rigueur d’une épure.

À ce moment de grande intensité s’ajoute l’écoute bienveillante qui se lit dans le regard  de Thomas Bramerie quand le jeune batteur Elie Martin-Charrière joue un solo.

Ce dernier, formé il y a à peine 5 ans  par Dré Pallemaerts dans sa classe du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, a été en parfaite symbiose avec ses aînés.

À  la fin du concert, qui a duré près d’une heure et demie, la chanteuse Estelle Perrault, rejoint le groupe, tandis que Pédron explique qu’elle a mis des mots sur sa composition “Broken Reed”.

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : SAINT-JEAN-CAP-FERRAT

L’été, les festivals de jazz  ne cessent de se multiplier. C’est le signe de la vitalité d’une musique encore trop souvent considérée comme élitaire, alors que la nouvelle génération de musiciens, en particulier française, se distingue par sa diversité, sa créativité et son esprit de groupe. Les initiatives les plus intéressantes sont ainsi celles qui ne se contentent pas des concerts estivaux, mais travaillent sur l’année à l’élargissement des publics et des offres.

À Saint-Jean-Cap-Ferrat, Philippe Déjardin anime depuis bientôt trois ans des rencontres régulières au cinéma Charles Chaplin, sous le signe de la littérature. Cette année, il était en compagnie de Pascal Kober, longtemps reporter-photographe à Jazz Hot, pour évoquer son livre « L’abécédaire amoureux du jazz » (éditions Snöeck).

Joao Bosco, Joao Gilberto et Caetano Veloso. Festival Jazz à Vienne (Pascal Kober, 1989)

L’édition 2019 de Saint Jazz Cap Ferrat, toujours organisée sur le jardin de la paix qui surplombe la plage des fossettes, s’est déroulée du 7 au 10 août, sous la direction artistique de Marc Peillon.

C’est la huitième saison, avec un beau programme où l’on a retrouvé avec plaisir, entre autres, Lorenzo Naccarato, Rhoda Scott, Giovanni Mirabassi, Jacky Terrasson, André Ceccarelli et Diego Imbert.

Le trio Terrasson/Ceccarelli/Imbert (un peu en retrait sur scène, coincé entre la piano et la batterie, mais d’une belle présence tout au long de la soirée) a particulièrement séduit, tant il a correspondu à ces longues soirées d’été où la musique se fait familiale (le fils de Terrasson, juste derrière son père pendant plusieurs morceaux), amicale et ouverte aux déambulations. La complicité est telle entre Terrasson et Ceccarelli qu’ils peuvent jouer sans se regarder, sauf entre deux morceaux.

Jacky Terrasson et André Ceccarelli (Patrizio Gianquintieri)

Le concert permettait d’entendre quelques-unes des reprises de standard américains qu’affectionne Terrasson. Il se donne une grande liberté dans l’adaptation, qui mete le spectateur en constant éveil de reconnaître le morceau joué. Pour en avoir une idée, il suffit d’écouter sa reprise de My Funny Valentine, qui retarde et limite la mélodie à sa plus simple expression pour laisser libre cours à des variations libres.

Son dernier CD, 53, qui vient de sortir, est, au contraire, entièrement fait de compositions originales, comme celle-ci, The Call.

Il est toujours intéressant de comparer deux formations de trios, ce que permettait Saint Jazz Cap Ferrat en invitant la veille Lorenzo Naccarato (piano), en compagnie d’Adrien Rodriguez (contrebasse) et de Benjamin Naud (batterie).

Il faut saluer le parti pris d’originalité et de création de Naccarato, comme on peut s’en rendre compte à l’écoute de ce concert donné l’année dernière après la sortie de Nova Rupta

L’ÉTÉ DES FESTIVALS : DOMERGUE

Dans les jardins de la villa cannoise du peintre Jean-Gabriel Domergue (1889-1962) se tient chaque été un festival de jazz. Le temps n’est plus au confinement des loges des théâtres à l’italienne que l’artiste avait représentées dans l’immédiat après-guerre.

Désormais, c’est dans un décor ouvert sur la perspective de l’Estérel que se prépare le premier concert de la saison 2019, prévu le 2 août, et qui affiche déjà complet, avec au programme le quartet d’Érik Truffaz.

Suivront Marion Rampal (3 août) Anne Paceo (5 août) et le trio de Roberto Negro (avec Émile Parisien et  Michele Rabbia), dont Alex Dutilh célébrait ainsi les mérites lors de la sortie de la “Saison 3” de Da-da-da : “Avec ses thématiques nocturnes et oniriques aux fluctuations imperceptibles et un certain goût pour la surprise, la musique du trio fascine par ses jeux de timbres, ses tonalités mystérieuses et son utilisation d’effets électroniques subtils. Un saxophone miraculeusement habité ; un piano fabuleusement décliné ; un percussionniste en chorégraphe sensualiste. Quand Roberto Negro, Émile Parisien et Michele Rabbia partent en excursion sans balises satellitaires, la musique se teint d’étoiles et de poésie.” Les étoiles scintilleront sûrement dans la nuit du 6 août où le trio donnera le dernier concert du festival.

http://www.cannes.com/fr/evenements/grands-rendez-vous-mois-par-mois/jazz-a-domergue/jazz-a-domergue-2019.html

 

 

BRAD MEHLDAU, CHRISTIAN SCOTT, JOON MOON : NICE FÊTE LE JAZZ TOUTE L’ANNÉE

Après avoir revitalisé le festival d’été du jazz, la ville de Nice a souhaité renforcer et rendre davantage visible la programmation d’artistes de qualité pendant le reste de l’année. Ne disposant pas d’une salle dédiée au jazz en centre ville – ce qui serait souhaitable – les concerts ont lieu généralement dans deux salles  : l’une, le Forum nord, inscrit jusqu’à présent dans un environnement guère attractif, pourrait bénéficier du projet de transformation de l’ancien stade du Ray.

L’autre, le Théâtre Lino Ventura, inauguré en 1992 avec une capacité d’accueil de 700 places, se trouve dans le quartier de l’Ariane, où vivent, dans un environnement peu attractif, mais qui évolue lentement, plus de 10000 personnes, issues pour beaucoup de plusieurs vagues d’immigration. Les associations et les habitants ont souvent été soucieux de donner de la profondeur historique à leur espace de vie, qui fait l’objet, pour un épisode tragique de la Seconde Guerre mondiale, d’une notice dans le fameux Dictionnaire biographique, “Maîtron”

La localisation et les conditions d’accès du théâtre ressemblent à celles de la MC93 à Bobigny, près de Paris. Mais tandis qu’à Bobigny ce sont plutôt des parisiens qui viennent voir des spectacles qui ont souvent été remarqués pour leur qualité et leur inventivité, ici, à l’Ariane, le public, certes dominé par les amateurs de musique, est plutôt familial. Ainsi, lors du concert solo donné le 11 mars 2016 par le pianiste Brad Mehldau, des parents avaient emmené leurs enfants pour un programme assez exigeant. Mehldau n’avait pas  minoré cette étape de tournée, et c’est bien de savoir que certains ont pu le découvrir à cette occasion.

Brad Mehldau en concert (Patrizio Gianquintieri)

Depuis la rentrée 2017, c’est Frederica Randrianome-Karsenty, la directrice du Nice Jazz Festival, qui a pris en charge la programmation. Le 5 octobre dernier, Un double concert permettait d’entendre Lou Tavano en première partie et Anne Pacéo (en formation “Circles”). Un très beau moment, en particulier dans la complicité entre Anne Pacéo et Christophe Panzani, assurément l’un des plus beaux sons actuels au saxophone ténor.

Anne Pacéo et Christophe Panzani, Nice, 5 octobre 2017 (Patrizio Gianquintieri)

Le 11 novembre, c’était Christian Scott qui était à l’affiche du Forum nord. Le musicien américain originaire de La Nouvelle Orléans est connu pour mélanger approches jazzistiques et rock, ce qui peut diviser la critique outre-Atlantique. C’est un artiste engagé, qui a encadré plus de 500 jeunes lycéens dans le cadre des stages “Harlem Jazz Residency” en 2016. Sa présence à Nice était un événement à tous points de vue et le concert n’a pas déçu nos attentes.


Christian Scott et Mike Mitchell, Nice, Forum Nord, 11 novembre 2017

Scott insuffle une grande vitalité à une musique très inventive, laissant souvent ses musiciens, avec une mention particulière pour le batteur, jouer en solo ou entre eux. On le retrouvera le 12 mars à la Cigale, à Paris.

Enfin, le 9 février, au Forum nord, le groupe Joon Moon, avec Julien Decoret, Raphaël Chassin, Magi-Aleksieva Mey, et, en featuring, JCAT, était en concert. Une occasion de revoir la formidable chanteuse Krystle Warren.

WOMAN TO WOMAN

Un casting entièrement féminin et international, en provenance des États-Unis, du Canada, de France, du Chili, d’Israël et du Japon. “Woman to Woman”, nommé d’après le titre d’une chanson écrite par Joe Coker et Chris Stainton, après avoir fait vibrer le New Morning, est au Nice Jazz Festival.

C’est Renee Rosnes qui assure la direction artistique, depuis son piano, d’un groupe comprenant la très inspirée Anat Cohen, dont la clarinette a souvent des accents klezmer,

Anat Cohen (Patrizio Gianquitieri)

Melissa Aldana au saxophone, Ingrid Jensen  à la trompette, Allison Miller  à la batterie,

Renee Rosnes, Allison Miller, Melissa Aldana et Ingrid Jensen (Patrizio Gianquintieri)

et  la très énergique et facétieuse Noriko Ueda à la contrebasse.

Noriko Ueda (Patrizio Gianquitieri)

La plupart de ces musiciennes ont déjà une expérience de ce type de formation : ainsi, Noriko joue-t-elle régulièrement dans le DIVA Jazz Orchestra, l’un des groupes entièrement féminins invités chaque année, depuis 2005, dans le Women in Jazz Festival au Dizzy’s Club, à New York.

Mais ce qui réunit la plupart d’entre elles, c’est d’avoir étudié au Berklee College of Music, décidément l’une des plus fécondes écoles de jazz états-uniennes. Et d’avoir trouvé l’une des plus grandes chanteuses actuelles comme permanent guest, Cécile McLorin Salvant, qui accompagne le groupe dans son ensemble ou avec certaines musiciennes.

Cecil McLorin Salvant (Patrizio Gianquitieri)

Cécile, pourtant à peine âgée de 27 ans, semble être en pleine possession de ses moyens et évolue avec une aisance incroyable. Ses choix de répertoire sont d’une grande intelligence, tout comme les lectures qu’elle en fait. Après avoir commencé par “Yesterdays” (Jerome Kern), le concert se termine avec un duo magnifique où Cécile chante avec beaucoup de précision vocale et une belle musicalité, mais surtout avec un grand sens de l’interprétation, “Gracias a la vida”, magnifié en son temps par Mercedes Sosa.

 

À JUAN, LE JEUNE CARRÉ FRANÇAIS

En 2015, la réunion annuelle de l’International Jazz Festivals Organization, qui associe 16 festivals internationaux, se tenait à Monaco. À cette occasion, Jean-René Palacio, l’hôte de la manifestation, par ailleurs  directeur artistique du festival Jazz à Juan, souhaitant aider les jeunes musiciens français à se faire connaître ensemble sur les grandes scènes européennes et nord-américaines, en réunit quelques-uns pour un concert spécial, qui retint l’attention des professionnels présents. Ainsi naissait le “French Quarter”, présent cette année en ouverture de Jazz à Juan, un an après l’attentat de Nice.

Le groupe tire son nom de celui du carré français construit au XVIIIe siècle en Louisiane  par l’ingénieur-architecte Adrien de Pauger, lors de la création de la Nouvelle-Orléans par Jean-Baptiste Le Moyne de Bienville.  Aujourd’hui, la maison de ce  jeune carré est ouverte à la promesse du monde, qui n’est pas toujours un havre de paix. En témoigne le concert donné à Istanbul un an auparavant, le 15 juillet 2016, où l’équipe s’est trouvée au milieu du coup d’État avorté et du chaos qui a suivi dans la nuit.

Si chacun de ces musiciens possède déjà une certaine notoriété, le fait de les voir jouer collectivement et partager l’interprétation de leurs compositions originales permet d’afficher la vitalité de la scène française. Avec des variations dans la lineup dues aux engagements des uns et des autres, ce sont ainsi Airelle Besson, Hugh Coltman, Laurent Coulondre, Thomas Enhco, Baptiste Herbin, Anne Pacéo, Sylvain Romano, ainsi qu’Émile Parisien et Vincent Peiraniqui ont choisi de se retrouver ensemble, et toujours à l’étranger (sauf l’exception antiboise).

Sylvain Romano, Anne Pacéo, Hugh Coltman, Airelle Besson, Thomas Enhco, Baptiste Herbin et Laurent Coulondre (Patrizio Gianquintieri)

Pour ceux qui les connaissent déjà, c’est une manière nouvelle de revisiter les pièces de leur répertoire récent dans de nouveaux arrangements : “Radio One”, et “Neige” (Besson), “Ballade for Jackie” (Herbin), “You’re just a ghost” (Enhco), “Sunny Road Trip” (Coulondre), “Little Big Man” (Coltman), “Myanmar” (Pacéo). De voir la bonne entente régner, comme ici, où Laurent Coulondre surgit inopinément sur scène pour saluer à son tour Thomas Enhco, qui vient de présenter les autres musiciens.

Laurent Coulondre et Thomas Enhco (Patrizio Gianquintieri)

Pour les autres, ce sera une manière de découvrir les univers et les qualités musicales de ce French Quarter. Sans doute en partie à cause du programme qui a placé ses solos en début de concert, la prestation de Baptiste Herbin était particulièrement remarquable par sa musicalité et la beauté du son de son saxophone soprano.

Les uns et les autres repartent dans leurs tournées respectives. Signalons la présence d’Airelle Besson à Souillac et de Hugh Coltman à Saint-Émilion le 21 juillet, celle, le 25 juillet, de Thomas Enhco, en compagnie de Vassilena Serafimova, au festival de piano de La Roque d’Anthéron, et d’Émile Parisien au labyrinthe Miro de la Fondation Maeght. Le 29 juillet, Laurent Coulondre sera à La Londe, puis Anne Pacéo à Marciac le 5 août, Sylvain Romano (le 8 août) et Baptiste Herbin (les 2 et 3 septembre) au Sunset Sunside.

 

 

L’ESPRIT JAZZ D’ED VAN DER ELSKEN

Dans l’épatante exposition que consacre le Jeu de Paume au photographe et cinéaste Ed van der Elsken, il est réjouissant de découvrir, de manière inattendue, des petits formats noir et blanc de musiciens de jazz. Et plus encore de se plonger dans le livre que van der Elsken a publié en 1959, simplement intitulé Jazz, un cadeau qu’il est appréciable de recevoir et tout autant de partager.

Car, pour ma part, c’est une véritable découverte et il semble, en parcourant la toile, que l’édition originale où l’auteur a inscrit, à la main, les noms des musiciens qu’il a photographiés, est très recherchée. Point de fétichisme de collectionneur dans tout cela, car le travail de van der Elsken est tout sauf anecdotique.

Il prolonge les expériences les plus significatives des photographes documentaires américains des années 1930, comme Walker Evans et Dorothea Lange, et partage le goût de son contemporain Robert Frank pour la Street Photography.

En effet, Frank publie au même moment son grand livre Les Américains, qui se rapproche, selon Jonathan Day, de “l’improvisation en jazz, vivant de façon créative dans le moment, tout en étant conscient de la structure dans laquelle les réponses correspondent à ce moment” (Robert Frank’s The Americans. The Art of Documentary Photography, Bristol & Chicago, 2011, p. 42).

Charles Mingus par Robert Frank (Londres, 1951)

Pas étonnant donc que Jack Kerouac, auquel a fait appel Frank pour le texte accompagnant ses photos, ait manifesté également son amour du jazz au point de dire : «Je veux être considéré comme un poète de jazz soufflant un long blues au cours d’une jam-session un dimanche après-midi.» (Libération, 9 août 1995).

Al Cohn, Zoot Sims et Jack Kerouac en 1959 à Hanovre en session d’enregistrement.

Evans et van der Elsken pont en commun le choix du Leica 35mm, doté d’un téléobjectif. Van der Elsken y recoure sans flash pour saisir les musiciens en concert dans la plus grande expressivité physique et musicale, de près ou de loin, de face ou de dos, en contre-plongée ou en surplomb. La prise de vues, en noir et blanc, donne parfois un grain très visible au tirage, qui accentue la force brute du mouvement saisi.

Van der Elsken aime le jazz, les musiciens, mais aussi ceux qui les écoutent. C’est rare de voir un photographe délaisser un moment les artistes pour regarder le public.

Ed van der Elsken, Jazz

Jacques Becker l’avait également fait en 1949 dans Rendez-vous de juillet (merci à Adèle Bossard-Giannesini de me l’avoir fait redécouvrir lors d’un exposé dans mon séminaire sur le jazz et la modernité cinématographique). Il y montre combien, dans l’immédiat après-guerre, le jazz participe à sa manière à la naissance d’une sociabilité générationnelle, les liens amicaux et amoureux se structurant autour d’une musique qui continue à faire danser, tout en entrant bientôt dans une nouvelle ère, celle du Be-bop, où il s’agira davantage de l’écouter, comme l’explique lui-même Jacques Becker.

L’esprit de bande, van der Elsken l’avait si bien connu à Saint-Germain-des-Près que Patrick Modiano l’inclura dans la galerie de personnages d’un de ses romans, Dans le café de la jeunesse perdue, où il écrit : « Un photographe était entré un jour au Condé. Rien dans son allure ne le distinguait des clients. Le même âge, la même tenue vestimentaire négligée. Il portait une veste trop longue pour lui, un pantalon de toile et de grosses chaussures militaires. Il avait pris de nombreuses photos de ceux qui fréquentaient le Condé. Il en était devenu un habitué lui aussi et, pour les autres, c’était comme s’il prenait des photos de famille. » (Folio Gallimard, 2007).

Mais c’est à Amsterdam que van der Elsken a profité de la vitalité de la nouvelle scène jazzistique des années 1950, où se sont côtoyées plusieurs générations de musiciens, de Louis Armstrong au jeune Miles Davis, pour composer la matière de Jazz. Il dépeint avec un grande acuité visuelle l’enthousiasme du jeu, l’effort physique qui distord les corps, les bouches, les bras. Chet Baker y fait davantage percer une rage presque monstrueuse, bien éloignée de la joliesse des photos de William Claxton (que l’on peut néanmoins apprécier).

Ed van der Elsken, Jazz (Chet Baker)

Les instruments envahissent parfois le cadre photographique, au point de les rendre presque inquiétants par leur taille ou leur apparence matérielle. Des sortes de plans de coupe saisissent le regard en forme de clin d’œil  porté par Duke Ellington sur ses musiciens, la sueur qui envahit le visage de Coleman Hawkins, tandis que des vues d’ensemble montrent la communion avec la foule, dans une ambiance enfumée qui fait de la scène un ring de boxe. C’est très cinématographique, car van der Elsken a voulu, même dans un livre, rendre palpable le mouvement, l’énergie vibrante du jazz, son tempo.

Ed van der Elsken, Jazz (Jay Jay Johnson, Elvin Jones, Kai Winding, Red Garland, Lee Konitz et Oscar Pettiford)

D’où vient une mise en page dont l’intelligence graphique et le sens du découpage  sont d’une grande modernité, en particulier dans l’art du dépliement latéral des images ou dans la mise en relation de deux attitudes du même artiste.

Avant de refermer le livre, on pourrait en reprendre la lecture en le feuilletant à vitesse rapide, comme pour un flip book, une approche ludique qu’autorise sa puissance d’archive, celle de l’enfance de l’histoire.

 

ÉDOUARD FERLET : PENSER BACH, SE L’APPROPRIER

En évoquant Bach dans notre contemporanéité, comment ne pas revenir d’abord à Glenn Gould ? Au moins pour un aspect de son jeu, visuellement remarquable : la position basse de son tabouret. Elle donne le sentiment d’une sorte d’humilité devant l’œuvre qu’il interprète, nous laissant presque croire qu’il est en train de déchiffrer la partition et qu’il est lui-même l’auditeur de ce qu’il est en train de jouer, comme dans un rêve éveillé. Dans le largo du concerto n°5 en fa mineur pour piano et orchestre (BWV 1056), la main gauche, d’une grâce extrême, se détache régulièrement du clavier. Même s’il n’y a pas d’indication d’un tempo de référence sur la partition, le rythme est volontiers lent. Dans une interprétation plus récente, Alexandre Tharaud joue quasiment deux fois plus vite. Il y a donc une grande liberté laissée aux pianistes, et ceux-ci en font leur miel.

Mais voici qu’à ces musiciens classiques se sont ajoutés depuis la fin des années cinquante des jazzmen, qui ont approché Bach avec la volonté de le relire avec leur technique, leur sens de l’improvisation, et, pour les plus ambitieux, une approche de déconstruction et de recomposition. Aujourd’hui, deux d’entre eux se distinguent : Dan Tepfer, qui a choisi d’ajouter à chacune des variations Goldberg, une composition libre (c’est ainsi que son CD s’appelle “Goldberg Variations/Variations“), et Édouard Ferlet, qui a pris le parti de travailler à l’intérieur même de la structure originelle.

En 2012, Ferlet publie “Think Bach”, principalement consacré au Clavecin bien tempéré, dont Michel Contat trouve qu’il “surprend et émeut. Il y a d’abord le rythme, son implacable régularité, à respecter, et la tentation mécanique, à déjouer. Comment ? En insufflant la passion à la mathématique. Seul moyen : donner vie aux croches non pas en altérant leurs valeurs mais en les soumettant à une dynamique vivante, en modifiant leur intensité. La frappe alterne alors profondeur et légèreté en un jeu très sérieux qui vise le plaisir pur de la forme” (Télérama, 1er octobre 2012). Quelques mois plus tôt, Ferlet évoquait dans une vidéo sa manière de travailler, alors qu’il n’avait pas encore terminé son CD, une des caractéristiques de ce musicien qui aime bien prendre son temps avant d’arrêter un choix, aidé en cela par Jean-Philippe Viret, dont la complicité bénéficie d’une confiance réciproque forgée depuis des années.

Désormais pris sur un long terme par cette rencontre avec l’univers claviériste de Bach, Édouard Ferlet se rapproche de la claveciniste Violaine Cochard. En 2015, baroque et jazz se croisent dans Bach Plucked/Unplucked. L’exercice joue dans les deux sens et le duo nécessite une grande précision dans la communauté de jeu.

Puis vient Think Bach Op. 2, qui a nécessité une longue préparation. Tirant parti de sa première expérience, Ferlet s’est donné davantage de liberté dans l’adaptation de Bach, sans pour autant affadir ou contredire sa rigueur. Dans la pochette du CD, il indique que l’ensemble des pièces jouées sont des “compositions” sauf une, le Largo du Concerto n°5 en fa mineur dont nous venons d’entendre, plus haut, l’interprétation de Gould. En le jouant d’abord sur sa seule main droite, Ferlet restitue la simple beauté mélodique de ce morceau. Les modifications apportées ensuite sont comme autant de touches discrètes d’un pianiste qui nous donne à entendre sa propre méditation. En studio d’enregistrement, le 7 décembre 2016, après plusieurs prises étalées sur deux jours, il faut conclure. Jean-Philippe Viret fait alors une suggestion :


Jean-Philippe Viret dialogue avec Édouard Ferlet, Studio Audio Lane, La Garenne-Colombes, 7 décembre 2016.

Avec “Mind The Gap”, Ferlet indique dans le titre même l’écart qui sépare l’original de sa recréation. Il s’agit du Prélude en ut dièse majeur (BWV 872). En voici une interprétation par un pianiste, Friedrich Gulda, qui avait par ailleurs incorporé le jazz non pas dans la relecture d’œuvres classiques mais dans le déroulement de ses concerts (au risque de déplaire aux deux publics du jazz et du baroque)

Ferlet est habitué depuis plusieurs années à se servir de son ordinateur, qui est relié en permanence à son piano. Il y procède à une écriture virtuelle qu’il met ensuite à l’épreuve de la faisabilité pianistique. Tandis que la mémoire vive de la composition originelle accompagne le travail de création, se fixe progressivement une partition qui clôt l’œuvre et permet de la rendre disponible à tous sur le site web du musicien. La partition, comme manière de se forger une culture musicale : lorsqu’il était à Lunebourg, Bach, âgé de 15 ans, passait beaucoup de temps dans la bibliothèque municipale pour y recopier des partitions.

Pour ce prélude, Édouard Ferlet a commencé par enregistrer séparément les quatre voix, afin de les bien distinguer.

Puis il a trouvé par hasard sur le Web un enregistrement à deux djembé du percussionniste et batteur d’origine guadeloupéenne Sonny Troupé. Le tempo l’a intéressé et lui a même permis d’avoir une base rythmique pour structurer sa composition, comme il nous l’explique à son domicile le 23 mars dernier.

Le résultat est très convaincant et assez jubilatoire, offrant à l’oreille tantôt une sonorité de ragtime, tantôt un développement en boucle bien dans l’esprit du baroque. Cette espèce de joie ludique, qui a demandé du temps et du travail pour se donner dans cette familiarité, si elle s’inscrit dans le temps présent – et profane – rejoint sans aucun doute l’élévation spirituelle en même temps que l’ordinaire du quotidien de création de Bach.

Le CD s’ouvre par une composition inspirée du Prélude en sol dièse majeur (BWV 884), dont Ferlet célèbre la dimension “solaire” et la “générosité”. C’est très exactement ces qualités qui caractérisent Think Bach Op. 2 et qui devraient séduire un large public.

En concert le 13 mai prochain au café de la danse, Édouard Ferlet sera précédé en première partie par Guillaume Latil, puis entouré de Naïssam Jalal et Sonny Troupé. Nous avons hâte de voir comment à la liberté première de l’adaptation de Bach va s’ajouter celle du concert, et provoquer un effet de surprise et, qui sait, de transe.