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Sullivan Fortner, la liberté dans l’héritage

Après Chantilly, Sullivan Fortner était à Nice les 24 et 25 juillet 2025 pour deux concerts, l’un avec son trio, (Kayvon Gordon à la batterie et Tyrone Allen à la contrebasse), l’autre avec Jeff Hamilton à la batterie et John Clayton à la contrebasse. Le deuxième était un hommage à Oscar Peterson, dont on célèbre cette année le centième anniversaire de la naissance.Il était frappant de voir combien John Clayton, qui connaît Sullivan depuis ses seize ans, portait souvent un regard paternel, en même temps qu’admiratif, sur son cadet, de la même génération que son fils Gerald.

Sullivan Fortner et John Clayton (Patrizio Gianquintieri)

Soudain, après des standards célèbres (“Django“, “Satin Doll“), voici que Fortner évoque une cause célébrée par O.P. et toujours actuelle, tant elle est menacée ici et là, celle de la liberté.

Ici, O.P. est dans l’épure, sans que sa technique exceptionnelle prenne le pas sur l’émotion. Il explique, comme le rappelle Sharonne Cohen, avoir voulu adopter une approche inspirée par l’église baptiste : « J’ai essayé, dans la mesure de mes possibilités, de me rappeler les diverses interprétations religieuses de nombreux negro spirituals avec lesquels j’ai grandi, et avec cette forme, j’ai tenté de construire le premier chorus mélodique et harmonique ». C’est également dans une église baptiste que Sullivan Fortner a connu ses premières émotions musicales, en famille.

C’est très tôt, à l’âge de 7 ans, que vous avez cherché à être partie prenante de l’office en jouant de l’orgue et du piano ?

« Oui, j’étais très impatient. Une fois, ma grand-mère m’a proposé de l’accompagner alors qu’elle chantait à l’église. Mais elle trouvait que je jouais trop vite. J’avançais sans vraiment suivre le fil de son chant. On a fait trois ou quatre essais, puis elle a dit : Allez, on tape dans nos mains pour encourager Sul ! Il n’est pas encore prêt ! Alors je me me suis mis à pleurer, j’étais si énervé, je crois que c’est la première fois que j’étais en colère contre elle. Un an plus tard, j’étais admis pendant les offices en tant que pianiste et organiste ».

Que jouiez-vous ?

« Que des gospels. Mais ce que j’écoutais, c’était du R&B, Earth, Wind and Fire, J’aimais bien aussi des groupes comme The Spinners.

J’étais un grand fan des musiques des programmes télé et en particulier de celles qui précédaient les publicités, car, souvent, elles étaient extraites de standards pour ainsi dire de jazz, mais, à l’époque, je ne le savais pas ».

Oui, vous avez d’ailleurs fait deux reprises, un peu en hommage à votre mère et, en tout cas, en souvenir de votre enfance. L’une, “You are special“, pour votre premier album, Aria (2015), est une réminiscence de l’émission pour enfants Mister Rogers’s Neighborhood

L’autre, “Changing Keys“, était le générique du jeu Wheel of Fortune (La Roue de la fortune) de 1989 à 1992, et votre reprise figure dans l’album Moments Preserved (2018).

« Oui, Je regardais beaucoup la télé en famille. J’y ai fait une partie de mon éducation musicale ! ».

Le choix du piano est intervenu tôt ? 

« Je ne dirais pas que je l’ai choisi, mais c’était le seul instrument qui m’intéressait. Mes parents avaient une trompette, mais j’ai eu un prof qui a bousillé mon embouchure, j’avais la bouche en sang ! Le piano était le seul instrument sans danger, et il était toujours disponible à l’église ».

Vous n’aviez pas de partition à l’église. Comment procédiez-vous ?

« J’écoutais puis je jouais à l’oreille. C’est d’ailleurs quelque chose que je fais toujours. Je n’aime pas avoir une partition sous les yeux, cela m’empêche de me concentrer ou de regarder le public. Je veux être disponible à l’écoute et être en phase avec le son du  contrebassiste et du batteur. La musique, c’est tout en intériorité ».

En dehors de l’église, vous êtes-vous familiarisé avec le jazz de la Nouvelle-Orléans, avec ce qu’il apporte à la culture de la Louisiane ?

« Pas tout de suite. En fait, je l’ai découvert une fois parti faire des études supérieures. C’est souvent comme ça : il faut quitter un endroit pour vraiment l’apprécier, c’est après qu’on peut en tirer un avantage ».

On en trouve une trace dans votre composition “Parade”, inspirée des rites funéraires de la Nouvelle-Orléans, et dans votre hommage à Allen Toussaint, dont vous reprenez “Southern Nights“, également titre de votre dernier album.. 

Interrogé peu de temps avant sa mort par Richard Williams pour The Guardian, il exposait : « Je ne me suis jamais considéré comme un “performer“. Ma zone de confort, c’est en coulisse ». Vous sentez-vous mieux en studio ou en concert ?

« Je me sens mieux en studio. Quand j’enregistre, j’essaie différentes pistes, il y a une invention constante. J’aime jouer, ça me plaît, mais plutôt devant un public pas trop nombreux, car je préfère quand personne ne me regarde ».

Votre première expérience des études et du concert, c’est au New Orleans Center for Creative Arts (NOCCA) que vous la connaissez.

« Oui, avec Peter Martin, qui me donne mes premiers cours de piano et m’offre un album d’Herbie Hancock – j’avais alors 13 ans, et Clyde Kerr, dont j’ai partagé les leçons avec mes camarades Trombone Shorty et Christian Scott [et à qui il a dédié une composition intitulée “Elegy for Clyde Kerr Jr.“]. C’était vraiment une chance de me trouver dans une génération qui a vu éclore beaucoup de musiciens. C’est d’ailleurs grâce à mon camarade Christan Scott que j’ai donné mon premier gig, lors d’un concert pour un gala de charité. J’ai également bénéficié de l’enseignement en musique classique de Dean Curtis ».

C’est pendant votre séjour au NOCCA que vous découvrez un album qui va changer votre vie (et dont la photographie de couverture est signée d’Art Kane).

« En effet, Concert by the sea [Erroll Garner, 1955] est fondateur de mon goût du jazz. Auparavant, j’avais écouté Art Tatum, Duke Ellington, Oscar Peterson et d’autres, mais cela me paraissait presque étranger, une musique impossible à jouer. Ce que j’ai ressenti avec Erroll Garner, c’est comme si j’étais à l’église, avec ce son brut, les gens applaudissant au milieu de solos, s’exprimant de manière très vocale quand quelque chose leur plaisait. J’adore cela. Cet album m’a donné l’impression que je pouvais le faire ».

Ensuite, vous avez quitté la Louisiane pour l’Ohio, et passé le concours pour entrer au prestigieux Oberlin Conservatory of Music, l’une des plus anciennes écoles de musique américaine et la première à accepter des femmes et des Africains-américains.

« En fait, je ne connaissais même pas cette école. Ma première idée était de faire des études de médecine, puis j’ai changé d’avis et je me suis présenté juste avant la deadline en envoyant une vidéo où je m’étais filmé en train de jouer les musiques des publicités que j’avais vues à la télé. Et j’ai réussi à obtenir une bourse pour mes études ! ».

Et là, parmi vos professeurs se trouve Dan Wall.

« Oui, Dan est mon père en musique. Je lui dois tout ce qui concerne le piano, l’harmonie, la manière d’accompagner, l’orchestration, le jeu en trio ou avec un ensemble. Il m’a fait découvrir Bill Evans, Keith Jarrett, Brad Mehldau, une manière de jouer du piano à laquelle je n’avais pas été exposé jusqu’alors. C’était une plongée, également dans Herbie Hancock, Chick Corea, McCoy Tiner, Fred Hersch ».

Vous partez ensuite à New York, à la Manhattan School of Music, en 2010, année où Jason Moran enregistre Ten aux studios Avatar, et où il va devenir votre professeur.

« Jason est comme un grand frère, celui qui vous dit où il faut aller, si ce que vous faites est bien ou mal. Souvent, les professeurs nous disent : Transcris ce solo de Herbie Hancock, de Keith Jarrett, de Brad Mehldau. Avec Jason, c’était plutôt : On va plutôt revenir vers James P. Johnson, Fats Waller, Scott Joplin, Eubie Blake, Errol Hines, James P. Johnson ».

« Il fait vraiment respecter l’art du jeu du piano solo, du stride et du boogie-woogie, la conscience de la lignée et comment tout cela a été transmis à des gens comme Thelonious Monk, Andrew Hill, Herbie Nickles et Jaki Byard, avec qui il a étudié. Cela m’a beaucoup aidé ».

Monk, vous l’avez découvert grâce à Jason ?

« Je dois dire que je ne le comprenais pas avant de rencontrer Jason, et même après. Il a fallu attendre que je finisse ma scolarité à la Manhattan School of Music et que j’aille au Chicago Jazz Festival. Au milieu de la nuit, un ami pianiste, Rodney Kendrick, me dit : Il y a plein de trous dans ta raquette. Il faut que tu vois avec Barry Harris ce qui te manque. Je me dis : “Qu’est-ce qu’il fait de si spécial, ce Barry Harris, il a l’air d’avoir un son de vieux joueur de be-bop”. Il me répond : OK. Va écouter Charlie Parker !

« J’avais un enregistrement de “KoKo” (une adaptation du fameux “Cherokee” de Ray Noble), et je l’ai écouté en boucle pendant toute une journée. Un soir, je fais un gig avec Roy Hargrove et je joue un enregistrement de moi jouant exactement la même chanson. Roy avait une chanson similaire à “Cherokee” dans le set, je l’écoute et j’écoute mon solo. Et je me suis dit : j’ai enfin entendu Parker pour la première fois, et… je l’ai perdu. J’étais à la limite de pleurer, c’était horrible. J’ai appelé Rodney et je lui ai dit : “J’ai entendu Charlie Parker ce soir, je suis en pleurs…”. Bien, me répond-il, Maintenant, va écouter Monk. C’est là que j’ai compris Monk. Cela a complètement changé ma vie. Et à partir de ce moment-là, j’ai vraiment essayé de poursuivre cet objectif ».

Barry Harris était proche de Monk, il l’a fréquenté chez Pannonica, je crois ?

Oui, il y a même vécu jusqu’à sa mort. Et c’est chez Pannonica qu’il m’a donné ma première leçon privée. Pas seulement en musique, d’ailleurs, parce que c’était un grand joueur de Scrabble, on faisait souvent des parties ensemble – il aimait bien la compétition – et puis on regardait aussi le Superbowl !

Quant à Roy Hargrove, comment voyez-vous aujourd’hui votre collaboration avec lui ?

Roy, on joué ensemble pendant sept ans. Beaucoup de bonnes choses, et d’autres moins bien. Si je dois caractériser Roy, je dirais que c’est l’amour et l’esprit qui l’animaient dans la musique, tout le temps, même dans les jam sessions.

Même pendant ses moments de faiblesse, il prenait son instrument. Ce n’était pas la carrière ou le succès qui l’intéressaient, mais vraiment de jouer. Je l’ai vu venir sur scène alors qu’il était très malade, presque mourant. Si vous n’avez pas ce type d’engagement, votre musique aura une portée limitée, voilà, c’est ce que j’ai appris de Roy.

Vous avez travaillé également avec Larry Willis.

De Larry Willis, j’ai en effet appris des choses importantes. C’était à l’origine un chanteur d’opéra, puis il s’est tourné vers le jazz, en partie en raison des discriminations envers les Africains-américains dans le monde de la musique classique, mais aussi parce qu’il a rencontré Herbie Hancock à la Manhattan School of Music. Herbie et, je crois, Eddie Gomez l’ont convaincu et aidé se faire reconnaître comme pianiste de jazz.

Larry Willis a aussi contribué à votre intérêt pour la musique classique. Vous avez récemment posté sur les réseaux sociaux une vidéo tournée chez vous, où vous jouez la Polonaise “héroïque” de Chopin.

[grand éclat de rire de Sullivan Fortner]

J’ai été frappé par l’adaptation que vous en faites, votre vitesse d’exécution, la manière dont vous alternez constamment la mélodie entre la main gauche et la main droite. C’est une véritable appropriation, tout en conservant l’esprit de Chopin.

Oui, ah, en fait, c’est Cécile qui m’a dit : Il faut que tu postes quelque chose sur Instagram. “Mais quoi ?”. Essaie la Polonaise en sol mineur de Chopin. “Mais je ne l’ai jamais jouée“. Joue-là à l’oreille ! Crée une forme jazz, dans le style d’Art Tatum. “OK!”. Dès mes études, j’ai été confronté à des pièces classiques. Puis, Cécile m’a fait découvrir d’autres compositions, comme “Au bord de l’eau” de Gabriel Fauré, que j’interprète dans mon album Aria.

Il y a aussi “Passepied“, une forme dansante qui vient des Suites françaises de Bach. Envisagez-vous un jour, à l’instar de Brad Mehldau, Dan Tepfer ou Édouard Ferlet, d’enregistrer Bach ?

Peut-être, je verrai ! En tout cas, tous les matins, je joue des pièces de Bach : les Variations Goldberg, les Suites anglaises, l’Art de la fugue, le Concerto italien… Je les joue telles qu’elles ont été écrites, puis je les transforme, j’improvise.

Quelque chose que vous faites aussi avec des standards connus, comme “For all we know” (Aria, 2015), que vous jouez tout en retenue et en intériorité, “I Did Not Know What Time It Was” de Richard Rogers, ou moins connus, comme “Once I loved” d’Antonio Carlos Jobim (Solo Game, 2023), tout cela en une seule prise et sans répétition.

Dans la deuxième partie de votre album, au contraire, vous allez vers l’exploration de nouvelles formes.

J’ai enregistré cette deuxième partie à un moment où j’étais un peu déprimé. Déjà, pour la première partie, j’avais dû reporter car j’avais le Covid.  Du coup, Cécile me dit : Va en studio et allez, enregistre !. Il se trouve qu’il y en a un pas loin de son appartement, près du Brooklyn Bridge.  À l’intérieur, un peu en désordre, il y avait plein d’instruments : un Fender Rhodes, un orgue Hammond B3, une batterie, un Vocoder, un célesta,  et plein de percussions. Je m’en suis emparé pour composer. Ce sont eux qui m’ont offert cette liberté.

Vous avez été impliqué dans la création de l’album Ghost Song de Cécile, paru en 2022. Il y a une certaine mélancolie qui domine, en particulier dans la composition-titre de l’album.

C’est l’album où Cécile s’est donnée le plus de liberté, à 100% loin de la pression des labels. Ce qui nous réunit dans sa conception, c’est notre lecture commune des Hauts de Hurlevent, d’Emily Brontë, qui a vraiment  influencé l’écriture et l’ambiance de l’enregistrement. Depuis, quand nous réécoutons des morceaux de l’album, nous nous souvenons immédiatement de ce moment et du lieu où il a été conçu.

J’aimerais, pour terminer notre entretien, revenir sur le standard “For All We Know” (J. Fred Coots et Sam M. Lewis, 1934) et son interprétation par la jeune Nina Simone, qui allait bientôt devenir une militante active des droits civiques. Partagez-vous cet engagement ?

Je connais bien cet enregistrement, que j’apprécie beaucoup. Je ne me vois pas comme un “militant” de la cause africaine-américaine. Ce que je crois, c’est que la musique, notre musique, est en elle-même une déclaration en faveur des droits civiques. Elle est belle, et c’est la raison pour laquelle elle est aimée. C’est la vie même, l’humanité.

Un Jammin’ Juan 2024 cosmopolite

Le Jammin’ Juan 2024 se présente sous des auspices très cosmopolites. La sélection de cette année a en effet retenu des artistes venus de tout le continent. Choix de l’équipe de sélection autant que signe de la vivacité de la création musicale actuelle, et bien au-delà des bases européennes d’où  sont issus les groupes, c’est plus largement des quatre coins de la planète qu’est issue la programmation entendue durant ces trois journées, souvent porteuse d’un idiome géographique très marqué. On entendra ainsi : Mehmet Polat, joueur de oud d’origine turque, le pianiste argentin Pablo Murgier, Djazia Satour qui chante dans la langue de son pays d’origine l’Algérie, la chanteuse contrebassiste franco-mexicaine Julia Richard, les Bretons de ‘Ndiaz, Helena Recalde, chanteuse et bassiste équatorienne, Arin Keshishi bassiste arménien, le pianiste Géorgien Giorgi Mikadze. De plus, la moitié des groupes présents cette année ont une composante vocale dont la langue d’expression porte la signature de l’origine.

Notre attention a été retenue par quelques groupes dont la dimension de jeu collectif confère à la musique jouée sur scène une circulation éclatante.

NO(w) Beauty (c) Patrizio Gianquintieri

No(w) Beauty, quartet franco-américain, est un collectif, et ça s’entend. Pas de leader donc, une musique qui circule, même si le trompettiste Hermon Mehari, originaire de Kansas City, occupe magnifiquement le devant de la scène. Une contrebasse atypique ponctue de grandes plages au piano (Enzo Carniel) ou à la trompette. De la beauté ? Oui.

Mohs (c) Patrizio Gianquintieri

mohs est un quartet électro jazz, où synthé planant et trompette flottent de manière très apaisée sur la rythmique frénétique des baguettes du batteur, tandis que la guitare, cristalline, penche vers un son proche du folk. Les compositions, dont les titres, “Mirage”, “New Places”, “Castles in the sky”, donnent une idée de la direction prise par ces musiciens pour la production de leur dernier album (paru sur l’éclectique label BMM Records), sont de très belles balades planantes, aux arrangements très élaborés.

INK African Roots (c) Patrizio Gianquintieri

INK African Roots se présente comme un imposant dispositif sur la petite scène du Jammin’ Juan. En effet le quintet du batteur et compositeur Victor Gachet s’est enrichi de deux chanteurs / percussionnistes burkinabés. Une articulation entre des sources musicales originales qui sur scène produit un groove efficace. On comprend, en regardant le t-shirt à l’effigie du président révolutionnaire Thomas Sankara porté par le percussionniste, que le sens des origines est profondément ancré. Les deux vocalistes, qui s’expriment dans l’idiome burkinabé, confère à ce bel ensemble une dimension profonde et voyageuse.

The Cuban Jazz Syndicate (c) Patrizio Gianquintieri

Le Cuban Jazz Syndicate, emmené par le batteur et vocaliste Michael Olivera, fait une musique réellement enthousiasmante, à laquelle le brio du trompettiste Carlos Sarduy contribue largement. Rien ne manque durant cette session pour transporter la salle très loin du côté du soleil, avec cette touche très particulière qu’apporte la voix de Michael Olivera, formé à La Havane et baigné depuis l’enfance dans les rythmes et mélodies cubains traditionnels.

Rouge (c) Patrizio Gianquintieri

Les soirées du Jammin’ Juan proposent chaque jour un concert dans la grande salle du Palais des Congrès. A l’affiche, notamment, une formation issue du dispositif Jazz Migration, le trio Rouge, emmené par la pianiste Madeleine Cazenave. Le trio présente leur second album, élégamment baptisé “Vermeilles”, qui se révèle être une petite merveille : de mélodies, de raffinement, de précisions, et d’atmosphères. Chaque titre propose, à partir de mélodies initiées par le piano, de longs développements amplifiés par les machines du batteur Boris Louvet. En sortant du concert de Rouge, on est dans les étoiles.

Patrice Presles

ISAIAH COLLIER, RÉVÉLATION DU NICE JAZZ FEST 2024

Invité surprise du Nice Jazz Fest 2024 pour remplacer le musicien et arrangeur éthiopien Mulatu Astatke qui ne pouvait assurer sa prestation, c’est peu dire qu’Isaiah Collier a enthousiasmé le public du Théâtre de Verdure.

En commençant par une sorte de pari : reprendre My Favorite Things, l’une des mélodies les plus connues de la comédie musicale écrite et composée par le duo Rodgers et Hammerstein, créée à Broadway en 1959, puis portée au cinéma sous le titre La Mélodie du bonheur en 1965. Mais il s’agit ici de la fameuse adaptation de John Coltrane, pour laquelle il avait choisi – et allait magnifier – le saxophone soprano. « De tous ceux que nous avons enregistrés, c’est mon morceau préféré, expliquait-il à François Postif dans Jazz Hot en janvier 1962. Je ne pense pas que j’aimerais le refaire d’une autre façon, alors que tous les autres disques que j’ai faits auraient pu être améliorés par quelques détails. Cette valse est fantastique : lorsqu’on la joue lentement, elle a un côté gospel qui n’est pas du tout déplaisant ».

Le gospel est une des clefs de l’apprentissage d’une culture musicale pour Collier. C’est en effet d’abord dans le South Side de Chicago, et au sein de sa famille que le jeune Isaiah a été formé à la musique, dans le foyer, souvent fréquenté par d’autres jazzmen, de l’église, où sa mère chantait et dirigeait une chorale, tandis que son père jouait de l’orgue, du piano et chantait également. C’est lui qui l’initie à la musique R&B, à la soul, au jazz et au blues. Mais l’un de ses premiers mentors, d’originaire caraïbe, lui fait également découvrir la Soca, née de la fusion du calypso et des rythmes indiens, combinant ainsi les traditions musicales des deux principaux groupes ethniques de Trinité-et-Tobago. Même si, après avoir fréquenté la Chicago High School for the Performing Arts et le Thelonious Monk Institute of Jazz, il choisit le saxophone comme instrument de prédilection, il fera volontiers usage des percussions et de la voix dans sa pratique musicale.

L’enfance et la venue à l’âge adulte d’Isaiah Collier sont marquées par deux moments tragiques de l’histoire des Africains-Américains : à 9 ans, il voit un documentaire consacré à l’histoire d’Emmett Till, un adolescent lynché à Money, dans le Mississippi, en 1955, et, à 19 ans, il participe aux manifestations de colère à Chicago contre le meurtre de George Floyd par un officier de police de Minneapolis, Derek Chauvin. En 2024, au moment d’enregistrer The World is on Fire, Collier enverra à ses collègues musiciens “des clips d’actualité relatant des actes de violence à caractère raciste visant des hommes et des femmes noirs – notamment le meurtre d’Ahmaud Arbery en 2020 et la fusillade de Ralph Yarl, un adolescent de Kansas City (Mo.), en 2023 – ainsi que les manifestations qui s’en sont suivies”, comme le rapporte Hank Shteamer (The New York Times, Sept. 8, 2024).

Cela ne fait pas de Collier un militant de la mémoire, mais un musicien qui s’est beaucoup interrogé sur ce que le jazz incarne dans l’histoire et l’émancipation culturelle et politique des Africains-Américains, deans un parcours jalonné de rencontres, celle de Bobby Watson, Tony O’Hart, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Jeffrey Watts, George Freeman.

Il nous confie plusieurs des questions qu’il se pose : “How much do I know myself?”, commence-t-il par nous dire.  Vivant aujourd’hui à Brooklyn, tout en se rendant souvent à Chicago, il mentionne l’importance de l’Association for the Advancement of Creative Musicians, créée en 1965 dans le quartier de South Side, “constituée d’hommes et de femmes associés autour de valeurs, de logiques et de pratiques socio-musicales souvent qualifiées de « créatives », dont l’ambition aura notamment été de ménager un contre-espace où toutes ces virtualités pourraient se développer dans les creux de la société dominante”, comme le rapportent Pierre Carsalade et Alexandre Pierrepont dans leur recension du livre que George Lewis a consacré à l’AACM, A Power Stronger than Itself: the AACM and American Experimental Music (Chicago U.P., 2008)

Collier se situe dans une double lignée musicale et éthique, celle tracée par John Coltrane puis par Pharoah Sanders, les deux ayant été réunis pour plusieurs disques de légende du label Impulse!, dont les titres disent bien l’importance accordée à la spiritualité, comme Ascension et Meditations en 1965, mais aussi, et pour chacun d’entre eux, de l’amour (A Love Supreme, Coltrane, 1964 ; Love is Us All, Sanders, 1974 ; Peace and Love, Collier, album The Almighty, 2024).

Pharoah Sanders et John Coltrane (D.R.)

“Coltrane était un homme qui vivait une expérience humaine très présente…” nous explique Collier. “ll faut vraiment se remettre en question, et avoir une définition solide de la spiritualité, et ne pas l’utiliser pour l’amour de l’esthétique. La spiritualité n’est pas de l’esthétique, c’est un processus très difficile, pour transformer le charbon en un diamant, et tout le monde sait qu’il faut un certain temps de pression, et la pression est synonyme de défi”.

Ce défi, Collier l’a relevé dans Cosmic Transitions en 2021. Par un hasard qui n’en est sans doute pas un, il l’a enregistré auw fameux studios Van Gelder le jour de l’anniversaire de Coltrane. Il a d’ailleurs bénéficié d’une partie du matériel utilisé par Coltrane pour A Love Supreme (Impulse!, 1965).

Isaiah Collier, Nice, 26 août 2024 (Patrizio Gianquintieri)

Depuis, Collier s’est ouvert à d’autres instruments que le saxophone. Dans The Almighty, outre le quartet qu’il forme avec Michael Shekwoaga Ode à la batterie, Julian Davis Reid au piano et Jeremiah Hunt à la basse, il a ajouté un groupe qu’il appelle The Celestials, composé de cordes, d’une section de cuivres et d’une section rythmique élargie.

Christophe Panzani, le rocher et les “doux fantômes de l’eau”

Devant le dernier album de Christophe Panzani, Mères océans, nous sommes placés en position de témoins autant que d’auditeurs. En effet le musicien nous fait pénétrer dans son univers intime, partageant publiquement une lettre qu’il adresse à sa mère :

« J’ai commencé à enregistrer de la musique, cette musique. Pour parler “directement” à ma mère. Et j’ai été saisi par l’urgence de ne pas exprimer que ma peine, mais aussi ma joie, la joie de la vie qu’elle m’a offert, la joie des moments sans importance de la vie. L’importance qui surgit longtemps après, quand on regarde avec ses vieux yeux ses jeunes années. Et puis elle est partie. Et j’ai continué d’enregistrer de la musique ».

Au printemps 2019, celle-ci avait été victime d’une maladie qui l’a privée de l’usage de la parole. C’est ainsi à son attention – et à elle seule, du moins au départ – qu’il a écrit une dizaine de compositions, dont il a fabriqué lui-même la maquette, qu’il a envoyée à son père en lui demandant de les lui faire écouter.

Puis est venu le temps de la Covid, du confinement, de l’impossibilité de se déplacer. Il se trouve que c’est également le moment du bonheur de la paternité, que le musicien célèbre en se démultipliant à l’image avec ses saxophones, sa clarinette, une flûte. La musique est polyphonique.

Sa mère décède en décembre 2020. S’il sait qu’elle a écouté la musique qu’il a composée, Christophe Panzani ignore ce qu’elle en a ressenti.

“Cette musique-là, nous confie-t-il, est totalement honnête. Il n’y a pas d’artifice, c’est complètement dépouillé, c’est juste de l’émotion qui est mise dans des sons. C’est ce que j’ai fait de plus pur au niveau compositionnel. J’ai donc décidé que ce serait un disque”.

Alors qu’il commence à réfléchir à la transformation de la maquette “Regarder la mer” en un CD, Christophe Panzani retrouve l’auteur de bandes dessinées Ludovic Debeurme, qui avait illustré ses albums “Les Âmes perdues” et “Les Mauvais tempéraments”. Ensemble, en 2023, ils partagent une création commune, en public, grâce au dialogue entre les sons de l’un et les dessins de l’autre, autour de la “mer” et de la “mère”.

C’est aujourd’hui aux océans que les mères sont confrontées dans “Mères océans”.  il y a néanmoins un détail, mis en évidence dans le chapeau de cet article, qui interroge : quel est donc cet objet doré, froissé, dont seule une partie semble émerger ? Dans un petit film en stop motion, dont il a entièrement dessiné les motifs et le récit, mais dont il a confié la réalisation au contrebassiste Simon Tallieu, on le voit s’asseoir dessus, puis se lever, comme s’il s’agissait d’un rocher émergé, un refuge, d’où il brandit son saxophone.

À voir les différentes étapes qui ont conduit au choix de la couverture finale, on peut saisir les hésitations du compositeur à partager son intimité dans un moment grave de son existence – de nos existences, pour tous ceux qui ont eu à connaître la perte progressive de la parole d’un parent en fin de vie.

Ce sera finalement la métaphore de l’océan qui l’emportera, accompagnée d’un soleil rouge, d’une étoile filante et de nuages.

Les compositions sont pourvues de titres qui évoquent le temps qui passe (“Tempus fugit”) ou que l’on arpente à rebours (“À pas lents”), tous deux interprétés avec Tony Paeleman aux claviers, et Enzo Carniel, au piano, les souvenirs olfactifs (“le gâteau aux noix”, “les baies sauvages”), la question récurrente du langage (“sans les mots”). À la batterie, Christophe Panzani a fait appel à Guilhem Flouzat et Antoine Pierre pour “Tempus Fugit” et “Les Corps Chauds”.

De “À pas lents”, qui ouvre le CD, jusqu’à “Regarder la mer s’éloigner”, qui le clôt par un très léger changement de tonalité, se dégage un sentiment d’accomplissement, grâce à une mélodie portée par un saxophone évoluant par montées et descentes chromatiques, avec une ultime ponctuation de la batterie. Il y avait là une nécessité, une urgence personnelle.

Dans son souvenir de l’année 2020, « j’étais effondré. nous dit-il, je me suis assis, à l’écart de ma famille, Devant moi, il y avait mon petit clavier, mon ordinateur. J’ai commencé à improviser, à jouer, et j’ai enregistré tout de suite. Et les deux premiers morceaux que j’ai écrits, ce sont “À pas lents” et “Regarder la mer s’éloigner”. C’était ma tristesse, mais je ne voulais pas donner que cela à ma mère, car il y a aussi toute la joie que j’ai eue, quand j’étais enfant, à être son fils». D’où le “gâteau aux noix” ou “les baies sauvages”, souvenirs heureux de jeunesse qui reviennent à la mémoire du musicien et qu’il partage volontiers avec Tony Paeleman, Enzo Carniel, Guilhem Flouzat et Antoine Pierre (et davantage encore lors du concert qu’il a donné au Son de la Terre, à Paris, le 6 juin 2024).

À la fin du clip de Simon Tallieu, Christophe Panzani quitte l’abri du rocher. Il peut partir, car les fantômes de l’eau sont devenus doux, selon la belle expression de Gaston Bachelard (dont l’entretien filmé en 1962 et posté ci-dessus commence par le thème composé par Miles Davis quatre ans plus tôt pour le film de Louis Malle Ascenseur pour l’échafaud).

 

 

 

 

 

 

Édouard Ferlet, le temps suspendu

Les 7 et 8 juillet 2023 se tenait à la Fondation Hartung Bergman, sur les collines d’Antibes, un colloque intitulé « L’abstraction à la vitesse de la lumière ». À cette occasion, le directeur, Thomas Schlesser, a invité le pianiste Édouard Ferlet à venir donner un concert le premier soir de la rencontre.

Hans Hartung, en hommage à Édouard Ferlet, 21 janvier 1971

Un lien existait déjà avec la famille Ferlet, car le père d’Édouard, Christian, avait réalisé en 1970, peu de temps avant la construction de la villa-atelier, un film documentaire sur la vie de Hartung, sélectionné en 1971 au festival de Cannes. En remerciement de ce film qu’il avait apprécié, il dessinera un papier en le dédicaçant au jeune Édouard, qui venait de naître.

Hans Hartung, « Hommage à Jean-Sébastien Bach », 1974.

Dans le beau décor de la fondation, après une ouverture sous la forme d’une improvisation, le pianiste place le concert dans l’inspiration de sa relecture de Bach, en proposant d’abord une reprise de Es ist Vollbracht, un aria de la Passion selon Saint-Jean (BWV 245).

Édouard Ferlet, Antibes, 7 juillet 2023 (c) Patrizio Gianquintieri

Depuis quelque temps, plusieurs grands musiciens de jazz se sont emparés de l’œuvre de Bach. C’est le cas de Dan Tepfer, qui a porté son intérêt sur les Variations Goldberg :

Ou de Brad Mehldau, comme dans cette Fugue n° 16 en sol mineur (BWV 885)

Tepfer et Mehldau ont cependant choisi d’interpréter d’abord l’œuvre originelle, puis leur propre variation, tandis que Ferlet propose directement une recréation, empruntant seulement un intervalle, un thème mélodique ou la structure de la fugue, et faisant se croiser sa propre inspiration et celle de Bach, dans des formes harmoniques parfois très complexes, comme dans “Mind the Gap”, dont il m’avait exposé la construction lors de la sortie de Think Bach opus 2.

Édouard Ferlet, Antibes, 7 juillet 2023 (c) Patrizio Gianquintieri

À la rigueur de composition de Bach correspond une exigence d’écriture et de transmission pour Ferlet, qui se concrétise dans son choix d’éditer les partitions de cet Opus 2, même si, en concert, il s’autorise des échappées libres.

Toujours inspirées de Bach, les compositions « Analecta », « À la suite de Jean », « Crazy B », sont ensuite jouées, entrecroisées d’extraits de l’album Pianoïd, qui marque une nouvelle évolution dans la recherche de sonorités et de formes nouvelles. Pour l’écriture, Ferlet expose que “Plus le morceau va être épuré, plus il y aura de l’espace pour improviser et développer”.  Dans Pianoïd, quatre instruments entrent en jeu : le piano SILENT, clavier maître sur lequel le pianiste joue, qui envoie les informations à l’ordinateur ; l’ordinateur qui traite les informations avec le logiciel Ableton Live ;  le contrôleur MIDI (connecté à l’ordinateur), qui lui permet de moduler la vitesse, la dynamique et les paramètres de ce qui est joué; et le piano Disklavier, clavier automate, qui restitue les notes ainsi transformées et réinterprétées par la mécanique du piano. Si la technologie peut sembler complexe, Ferlet l’a progressivement apprivoisée pour ne pas en dépendre et en tirer les avantages qui lui conviennent. À Antibes, n’ayant qu’un seul piano, c’est surtout sur le son des cordes que Ferlet a travaillé, comme il l’avait fait dans “Archaea” avec des aimants placés dans le piano ou une note qui résonne, ici dans “Skin”.

Puis vient l’interprétation de « Miss Magdalena », inspirée du prélude en do majeur BWV 846. « Un musicologue gallois, raconte Édouard Ferlet, soutient qu’Anna Magdalena Bach aurait été la compositrice et l’auteur de plusieurs des œuvres majeures de son mari. Cette théorie a inspiré cette pièce. Plus qu’un clin d’œil, il s’agit d’un véritable hommage à cette femme de l’ombre qui a peut-être eu plus à dire que ce que Bach lui a permis de dire. » Et c’est alors que la chanteuse lyrique Valérie Gabail vient près du piano pour accompagner vocalement le pianiste dans un moment de grâce.

Édouard Ferlet vient de sortir un nouveau CD sous le titre Pianoïd 2, dont il présente un extrait enregistré dans le studio de TSF Jazz.

Jammin’ Juan 2022

Un ciel d’azur coupé de quelques averses denses comme le jeu de Sonny Rollins, un Palais des Congrès ouvert aux vents du jazz, la 5ème édition du Jammin’ Juan s’ouvre cette année dans un format raccourci de 3 jours, en semaine, renforçant sa dimension de marché des professionnels.

Au programme, des trios, des quartets, des quintets – en nombre, un duo même, du jazz vocal, de l’électro – roi des “after”, des contrebasses rutilantes, des lutheries surprenantes, des musiciens venus de tous horizons. L’éclectisme règne, à Antibes comme sur les scènes contemporaines.

Côté trios, entre l’énergie virile du trio israélien Tal Gamlieli et le piano dansant de Martin Salemi, le jeune pianiste tunisien Wajdi Riahi, basé à Bruxelles, retient l’attention. Ses longues phrases très mélodiques et la grande complicité qu’il entretient au fil de la musique avec les deux autres instrumentistes (basse et batterie) composent un univers intimiste très personnel qui frôle souvent les bords de la Méditerranée.

Le quartet d’Adrien Brandeis prend les accents du Mexique, dans une formation originale, avec le contrebassiste cubain Felipe Cabrera (l’accompagnateur des pianistes cubains Roberto Fonseca,
Harold Mopez Nussa, Gonzalo Robalcaba), et une batterie doublée d’un percussionniste.

Mais c’est la formation en quintet qui est en force dans les salons du Jammin’, avec six groupes de musiciens de tous styles.

Le Quintet du trompettiste Ernesto Montenegro offre un jazz impeccable, marqué par l’influence d’Art Blakey et de la musique désormais classique des années 50-60. Le guitariste luxembourgeois David Laborier, avec sa belle guitare ivoire fraichement sortie des mains du luthier, propose, avec son dernier album NE:X:T, des compositions où la guitare rivalise d’éloquence avec la section cuivre, l’ensemble soutenu par une batterie fougueuse; le titre “Wes we can” est un beau clin d’œil à Wes Montgomery. Et puis il y a le pari très réussi de François Poitou, à la contrebasse, et Pumpkin, au chant rap, qui font rythmer les sonorités du jazz avec des textes incisifs, la voix, soutenue par la rythmique (les baguettes de petit format du batteur dans un subtil contretemps), répondant aux cuivres, pour donner une musique aérienne pleine de sérénité.

Dans un registre totalement différent, Daïda nous laisse groggys. Les cinq gaillards, de noir vêtus – la contrebasse elle-même en lutherie noire, bardés de boîtiers de toutes sortes, développent une
transe électro puissante et lancinante portée à un rythme épique par le batteur Vincent Tortiller. Une musique faite pour la scène.

Plus insolite, le duo de la très jeune harmoniciste israélienne Ariel Bart, son mince visage barré d’une mèche noire et d’un gros harmonica chromatique d’où sortent des gammes parfois virtuoses empruntes de tristesse.

Ariel Bart (Patrizio Gianquintieri)

Et toujours côté musiciennes (elles étaient quatre en leader dans la programmation de cette année), le très beau projet vocal de Sanne Sanne, le groupe de jazz folk de la chanteuse vibraphoniste Sanne Huijbregts, dont certaines inflexions de voix rappellent Grace Slick, accompagnée au chant par l’altiste et le contrebassiste : une très belle réussite dans un registre inhabituel, certaines instrumentations évoquant les beaux timbres de l’américain Sufjan Stevens.

Sanne Sanne (Patrizio Gianquintieri)

Les “afters”, comme de coutume, furent plutôt électro, avec le set de Cocolite et le groove addictif de Ishkero, musique de la nuit venue.

Au titre des concerts du soir, une soirée très remarquée avec le show de Thomas de Pourquery et son Supersonic. Un jazz total, qui oscille entre la chanson et les grandes envolées, tel le “Sons of love” de 2017, une liberté un peu déjantée, qui rappelle celle que prenait Frank Zappa avec les frontières entre les genres musicaux.

Un bel éclectisme, qui donne envie de faire son marché…

Billet rédigé par Christian Delage et Patrice Presles

Session 2022 du festival de jazz de Saint-Jean Cap-Ferrat

Au fil des années, le festival de Saint-Jean a su maintenir une ambiance décontractée dans un décor intime où les artistes, très proches du public, savent rapidement capter leur attention, au sein d’un environnement sonore respectueux de cette proximité physique. Ajoutons que l’organisation est particulièrement attentive envers la presse.

Avec Stefano Di Battista, et ses compères Fred Nardin, Daniele Sorrentino et André Ceccarelli, les « histoires » Morricone ont permis à chacun de se remémorer les films dont ils constituaient la musique originale, ou d’en découvrir certains, moins connus. Alors que Morricone avait une prédilection pour les grandes phalanges symphoniques, Batista met au centre le son chatoyant du saxophone, pour notre plus grand plaisir dans le magnifique thème de Deborah, dans Il était une fois en Amérique

Avec Anne Paceo, c’est un tout autre univers qui nous est donné à pénétrer, celui du chamanisme, un corpus de musiques inspiré des rituels d’exorcisme de Bali, des cérémonies voodoo d’Haïti, des chants de divination de Sibérie ou encore des rituels de possession du Candombe brésilien. Déjà, dans ses albums précédents, en particulier Bright Shadows, Anne Paceo avait exprimenté une nouvelle présence musicale, un rapport au corps, à la voix, à l’instrument, une poétique intime laissant beaucoup de place à ses partenaires. Ici, les voix d’Isabel Sörling et Marion Rampal se succèdent ou se répondent de manière très lyrique, soutenue par les claviers de Tony Paeleman, la batterie et les percussions de Benjamin Florent et, last but not least, le toujours inspiré Christophe Panzani. Après un moment de désorientement, le public est conquis.

Christophe Panzani (Christian Delage)

L’on retrouve ensuite VIncent Peirani avec grand plaisir. Dans un entretien, celui-ci nous raconte la rupture qu’a provoquée la Covid dans sa vie musicale et l’urgence à revenir en studio, à « repartir à zéro », à s’inspirer de l’énergie Rock, des formations qui ont compté pour lui comme BBA avec Jeff Beck ou Jimi Hendricks.

À Saint-Jean, il se présente avec le guitariste Federico Casagrande et le batteur Ziv Ravitz dans une forme hybride de trio, qui permet toutes sortes de variations dans la distribution des rôles. Le titre de leur album, Jokers, veut mettre en avant la figure du joker dans le jeu de cartes, comme étant celui qui peut remplacer n’importe quelle autre carte et également être la plus forte du jeu. Une métaphore pour dire que, dans le trio, chacun peut prendre la place de l’autre dans la rythmique et la couleur musicales, et l’ensemble se retrouver à égalité dans la recherche de l’unité.

Enfin, avec Érik Truffaz, en formation quartet (Benoît Corboz aux claviers, Marcello Giuliani à la basse et Tao Ehrlich à la batterie), le festival s’est offert un beau moment de longues échappées musicales entraînantes qui rappellent, si besoin était, que le jazz, tout en conservant sa singularité, s’est toujours ouvert à d’autres inspirations ou styles de musique et c’est debout que le public a ovationné Truffaz. Et puisque tout avait commencé par la reprise des mélodies de Morricone, signalons que Truffaz vient de sortir un CD en hommage aux musiques de films, celle de La Rivière sans retour (« One Silver Dollar »), mais aussi celle des Tontons flingueurs !

Éric Truffaz (Christian Delage)

Michel Portal/Iggy Pop

Pour la dernière soirée du Nice Jazz Festival, deux monstres sacrés : Michel Portal (87 ans) et Iggy Pop (75 ans).

En introduction, cependant, il faut mentionner la prestation, lors du premier set, de la chanteuse africaine-américaine Samara Joy, 24 ans, avec une belle présence scénique et une tessiture qui se déplace du grave à l’aigu avec beaucoup d’aisance et d’élégance.

Samara Joy, Nice, 19 juillet 2022 (C. Delage)

Michel Portal, toujours en forme malgré une allure un peu fragile – mais un humour intact, C’est l’un des plus grands artistes français, d’une humilité sans égale, et d’une infatigable curiosité pour des expériences nouvelles.  Cela fait longtemps qu’il s’efforce constamment de sortir de sa zone de confort, à commencer par le passage de la musique classique au jazz.

Évoquant ce qu’ont représenté pour lui le quintette et le concerto pour clarinette de Mozart, il imagine le rapport du compositeur à cet instrument, décrit le sien et se souvient de sa découverte à la radio de l’interprétation de Benny Goodman, et des liens de ce dernier avec Béla Bartók.

J’avais eu la chance de rencontrer Michel Portal il y  une dizaine d’années et j’avais été frappé par son souci de prendre en considération l’avis du modeste auditeur que j’étais, inquiet de ne pas avoir eu le sentiment  d’être allé au bout de sa démarche (il s’agissait de l’album Baïlador, après lequel il attendra 10 ans avant de livrer MP85). Cela me rappelait la manière dont Coltrane, après chaque concert, revenait immédiatement à son instrument et cherchait à savoir s’il en avait tiré le meilleur parti.

Hormis quelques morceaux provenant d’autres CD, comme “Cuba si, Cuba no”, Portal a surtout repris MP85, cet album flamboyant, enregistré avec le contrebassiste Bruno Chevillon, le  batteur belge Lander Gyselinc, le tromboniste allemand Nils Wogram et le pianiste Boyan Z. Diversité des inventions musicales, jusqu’au bruit du vent dans “Desert Town”, jeu croisé de haute intensité entre la clarinette et le trombone, tout ici frémit dans des nappes musicales souvent envoûtantes. La grande fluidité de ce quintet tient également au fait que les musiciens suivent scrupuleusement la partition, loin et proche en même temps du jeu modal que Miles Davis avait offert à ses musiciens pour leur donner plus de liberté.

Il fallait bien un temps de suspens avant de se rendre sur la scène Masséna où l’artiste invité allait nous emporter dans un autre univers, c’est le moins qu’on puisse dire.

Iggy Pop, Nice, 19 juillet 2022 (C. Delage)

Bon, il n’a pas attendu deux morceaux avant de tomber la veste après un gros clin d’œil au public en l’entrouvant plusieurs fois auparavant. Malgré ou à cause de sa démarche claudicante, Iggy Pop a une façon qui n’apparient qu’à lui de bouger sur scène, et on sent bien (ce qu’on peut voir dans d’autres vidéos de ses concerts) qu’il aime s’approcher au plus près du public, qui connaît bien ses tubes et les reprend dès qu’il lui donne la main (c’était le cas pour “The Passenger”). Malgré l’âge, le visage buriné reste très expressif et finalement assez doux. Pour s’en convaincre, il suffit de le regarder dans ce très joli clip, avec juste un peu d’inquiétude de le voir couché, fatigué mais serein d’être revenu de la vie incroyable qu’il a  connue.

Dont’ give up, Iggy!

 

 

 

 

L’élégance et la musicalité de Gerald Clayton

Après Emmet Cohen et Anne Pacéo, que l’on retrouvera pour les chroniquer à New York et à Saint-Jean Cap Ferrat, la soirée du 18 Juillet a permis d’apprécier deux belles manières de faire du jazz.

Yessaï Karapetian, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Celle, tout d’abord, du pianiste Yessaï Karapetian, accompagné par son frère, Marc, contrebassiste, Gabriel Gosse, guitare, Mounsir Sefsouf, saxophone et Théo Moutou, batterie. Autant d’origines différentes – arménienne, guadeloupéenne, réunionnaise et algérienne – pour une unité musicale assez incroyable. Il fallait voir Gosse, pendant un temps où il ne jouait pas, regarder avec une sorte d’admiration Yessaï Karapetian, pour comprendre que cette équipe brille par son entente – et sa qualité de jeu et de style. Quand Marc Karapetian, jusqu’alors un peu en retrait, comme c’est souvent le cas quand la basse doit assurer la rythmique pour les autres,  est sorti de l’ombre pour délivrer son solo, c’était vraiment un plaisir de l’écouter. Marc Karapetian, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Ces musiciens ont faim, et on voyait bien que le saxophoniste, très lyrique dans son phrasé, aurait aimé en donner davantage.  Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le premier CD de Karapetian a été enregistré en Live, dans un studio, le CBE, plutôt connu pour accueillir la musique pop.

En juin 2020, en pleine pandémie, Karapetian terminait ses études au Berklee Global Jazz Institute, après être passé par Marseille et le Conservatoire national de Paris. Son professeur était Danilo Pérez. Il a alors obtenu deux DownBeat Student Music Awards. C’est à la Berklee qu’a été filmé son “Don Carlos”, joué hier soir au Théâtre de verdure.

Avec Gerald Clayton, 38 ans, c’est une autre génération de pianistes qui était à l’honneur. Il a été formé à la Manhattan School of Music, sous la direction de Kenny Barron. Cela se ressent bien dans son jeu d’une grande élégance et d’une belle musicalité classique. Sans doute la meilleure manière de le découvrir est de l’écouter en solo, sur cette “Invocation à la paix” qu’il a composée.

Avec  “Bells On Sand”, son dernier album, il joue avec ses deux “mentors”, son père John, à la contrebasse, Charles Lloyd au saxophone (pour un bonus track) Justin Brown à la batterie, et Maro au chant. Moitié créations originales, moitié reprises, on notera en particulier deux mélodies du compositeur catalan Federico Mompou, “Damunt de tu Només les Flors” et “Elegia”.

Gerald Clayton, Nice, 18 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Présentés par le label Blue Note comme une méditation sur le temps après un long passage en confinement, “Bells On Sand” était interprété avec une tonalité plus solaire. Jouer devant un public et en tournée a procuré une sorte d’énergie renouvelée pour beaucoup d’artistes, mais aussi de la douceur, comme en témoigne la subtile reprise du standard de Richard Whiting et Newell Chase, “My Ideal”.

 

 

Kenny Baron ou l’humilité du trio

Si l’on veut comparer Samy Thiébault et Kenny Barron, qui se sont succédé à Nice, au Théâtre de verdure, le 16 juillet, on pourrait partir de la perception sonore de leur prestation. Si le premier semble profiter de l’espace de la scène en plein air, sans pour autant égaler l’enregistrement studio, le second la transforme en un club feutré, à l’image du Village Vanguard où le pianiste se produit souvent.

Voici donc, à titre de comparaison, un extrait de « Baila » de Samy Thiébault

et la version studio.

La seconde est beaucoup plus chatoyante et rend mieux justice  aux deux sources d’inspiration, brésilienne et caribéenne, séparément, et ensemble, dans la fusion qui correspond au projet de Thiébault.

Samy Thiébault, Josiah Woodson et Felipe Cabrera, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

« Je l’ai écrit, explique-t-il à Jacques Denis, comme une bossa qui clame haut et fort sa créolité, convoquant tout aussi bien le Brésil que les rythmes cubains, la musique classique française ou encore ma passion pour le jazz modal et spirituel. En quelques minutes de musique vous avez toute l’histoire de notre aventure, à travers trois continents et des rencontres uniques, voici enfin venu le temps de la partager ensemble ! »

L’histoire de son aventure, le temps est sans doute venu pour Kenny Barron, bientôt 80 ans, de la raconter. Le corps semble fatigué quand il s’avance sur scène et s’assoit un peu lourdement sur le siège du piano. En guise d’introduction, il présente ses deux complices, Kiyoshi Kitagawa (contrebasse) et Willie Jones III (batterie), et lui-même comme étant « natif de Philadelphie » puis commence sans autre formalité le premier morceau. Il ne se retournera quasiment plus vers le public et échangera très peu avec ses acolytes. Point besoin, car la formation en trio repose souvent sur une entente parfaite entre les musiciens.

Kenny Barron, Kiyoshi Kitagawa et Willie Jones III, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

Nous revient alors le souvenir (en images) de Bill Evans, interprétant tête penchée « Waltz for Debby », avec son contrebassiste, Scott LaFaro, dans le dos, une des plus belles choses qui soit donnée à voir et à méditer (pour l’humilité de la musique et de son interprétation).

À peine assis, donc, Kenny Barron retrouve alors immédiatement un toucher et une grâce intacts malgré les années passées, passées en compagnie d’autres grands messieurs, Dizzy Gillespie, Yusef Lateef, Ron Carter, Freddie Hubbard ou Dave Holland. Mais aussi de musiciens qu’il admire, et auxquels il rend hommage, comme Bud Powell, McCoy Tiner, ou Abdullah Ibrahim, dont le dernier morceau joué après presque 90 minutes de concert s’intitule « Song for Abdullah »,

Kiyoshi Kitagawa, Nice, 16 juillet 2022 (Jacques Lerognon)

Des trois musiciens, seul le contrebassiste était face à nous, et c’est ainsi que l’on a pu voir en même temps qu’apprécier son incroyable toucher, la main droite étant d’une extrême agilité et semblant donner l’impression de frôler les cordes.

De Soweto à Louise, l’esprit du jazz

En ouverture du Nice Jazz Festival 2022, saluons d’abord la présence  du pianiste Nduduzo Makhathini et de ses musiciens venus d’Afrique du Sud.  Professeur et chercheur, Makhathini dirige le département musique de l’université de Fort Hare, dans la province du Cap-Oriental.

Il développe un jazz très influencé  par la spiritualité qui l’habite (il est shaman et l’église a joué un rôle important dans sa jeunesse). C’est d’abord par cette caractéristique qu’on peut le comparer à John Coltrane, mais, dans la musique qu’il a développée dans son dernier CD, “Modes of Communication : Letters from the Underworlds”, jouée au Théâtre de verdure le 15 juillet, on retrouve bien cette oscillation entre l’esprit mélodique de la ballade et la transe de l’improvisation propres à Trane.

Dans l’entretien filmé qui suit, il explique sa fierté d’être produit pour la première fois par le label Blue Note, en raison de la défense et de la promotion des musiciens noirs par ses deux fondateurs, Alfred Lion et Max Margulis, et l’intérêt de s’inscrire dans une filiation où il peut, à son tour, créer des liens entre la diaspora et le continent. À la fin du concert, Makhathini évoque d’ailleurs l’histoire de l’apartheid en faisant référence aux émeutes de Soweto. en 1976.

Place ensuite à Émile Parisien, venu présenter son dernier opus, “Louise” (ACT). Nous le suivons depuis le début des années 2010, et avons souvent célébré son goût du partage, avec son ami et camarade de jeu Vincent Peirani, bien sûr, mais aussi en formation avec d’autres musiciens formant des groupes éphémères ou durables.

C’est ici en sextet que Parisien se présente sur scène, avec un casting franco-américain haut de gamme : ainsi le trompettiste Theo Croker, crée un dialogue tout en équilibre avec le saxophoniste.

Émile Parisien et Theo Croker, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Outre le contrebassiste Joe Martin, le pianiste Roberto Negro et le guitariste Manu Codjia, (dont Jacques Lerognon, critique au Jazzophone me confirme que c’est un des meilleurs de sa génération), sont  tous deux habitués à jouer avec Parisien.

Roberto Negro et Manu Codija, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Et enfin, last but not least, Nasheet Waits à la batterie. S’il y avait quelque chose d’un peu trop spectaculaire dans le solo de Negro, celui de Waits a emporté l’adhésion du public, grâce à son toucher incomparable et ses montées en puissance communicatives. Dans le CD, on sent combien sa présence galvanise constamment les autres musiciens, par sa capacité à irradier autant en retrait que sur des solos.

Nasheet Waits, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Parisien a nommé ce nouveau CD “Louise”, en hommage à Spider, une série de sculptures d’araignées de Louise Bourgeois. Même si l’une d’entre elles vient d’atteindre un sommet dans une vente de juin dernier, ce n’est pas un choix de facilité, tant l’artiste, décédée en 2010, a marqué l’art contemporain par un univers organique étroitement lié à des souvenirs de son enfance. L’araignée représente ainsi pour elle le symbole de la figure maternelle, comme elle le dit dans le livre d’artiste publié en 1995 par Le MoMA, “Ode à ma mère” : “L’araignée est une ode à ma mère. Elle était ma meilleure amie. Comme une araignée, ma mère était une tisseuse. Comme les araignées, ma mère était très intelligente.” Découvrant après sa mort la maison new-yorkaise dans laquelle elle a vécu jusqu’à 98 ans, Philippe Lançon écrit : “Louise et Eugénie ont eu des pères indignes, égoïstes. L’une s’est sauvée par l’art, l’autre par l’abnégation. La maison pétrifiée de Chelsea ressemble à celle du père Grandet, saisie par les obsessions minuscules du passé mais aérée, après la mort du vieux cochon, par la liberté de sa fille”.

Louise Bourgeois, “The Nest”, 1994. Welded steel (1911-2010) SFMOMA

Difficile de dire si la musique se rapproche d’une histoire aussi personnelle, mais disons qu’Émile Parisien, qui a beaucoup tourné depuis longtemps, a sans doute ressenti le besoin de retrouver, après la pandémie et à bientôt 40 ans, ce qui a fondé son goût pour le jazz – entre France et États-Unis – et la manière de l’incarner dans l’énergie, toujours, mais aussi dans l’écoute des musiciens qui l’accompagnent, qui le nourrissent de leurs propres expériences, et qui lui permettent de se revitaliser, après toutes ces aventures musicales toujours très physiques.

 

 

Un “Jammin’ Juan” 2021 très riche

Pour la 3ème édition de Jammin’ Juan, qui se tenait du 3 au 6 novembre dans l’élégant Palais des Congrès de Juan-les-pins, un très large spectre de musiques actuelles était programmé – une trentaine de formations au total, sous forme de showcases de 35 minutes l’après-midi, et de concerts le soir.

Programmation ouverte, du trio classique au flamenco en passant par le funk et l’électronique, pour laquelle les oreilles des professionnels et des amateurs étaient invitées à se glisser avec fluidité d’un salon à l’autre, dans un luxe d’espace, grâce à l’architecte Jean-Jacques Ory,  et de confort d’écoute.

Le showcase est un format stimulant pour les artistes, contraints de montrer le meilleur de leur actualité dans un temps bref, ce qui crée le plus souvent un concentré d’excellence.

Ludivine Issambourg (Patrizio Gianquitieri)

Ainsi, du quartet électro jazz Antiloops emmené par la flûtiste Ludivine Issambourg (photo Patrizio Gianquintieri)  au sextet vocal Yusan tout en sonorités africaines et en rythmiques caribéennes, les groupes présents durant ces quatre jours donnent un bel aperçu du très large panorama de ce que recouvre aujourd’hui le jazz.

Avec le Dexter Goldberg Trio, familier du Duc des Lombards à Paris, on découvre un piano pointilliste, qui laisse la musique respirer avec élégance, et donne aux mélodies tout l’espace pour se développer en longs méandres, ponctuées par le swing vif des baguettes de Raphaël Pannier.

Puis, toujours en trio, on change d’atmosphère avec ForYourOwnGood! : entouré de la vagabonde batteuse Anne Pacéo, le pianiste Christophe Imbs conduit son instrument sur des registres qui vont de la pulsation rock à la transe répétitive, sur des timbres transformés, laissant les auditeurs dans un état instable, à l’image de la composition “Stabilo”.

Et toujours plus loin, la formation jazz rock Ornicar. Accueilli en résidence dans la salle parisienne du Baiser Salé de 2017 à 2019, ce trio invente une musique très actuelle, mélange de sons acoustiques et d’effets, la guitare électrique très travaillée du leader Joachim Machado répondant à la hardiesse d’un saxophone baryton.

Ornicar (Patrizio Gianquintieri)

Terminons en fanfare. En effet, le Jemm Music Project fonctionne comme une fanfare ethnique contemporaine, c’est un sextet de musiciens aguerris, qui utilise une grande variété d’instruments à percussion tels que le balafon, le steel pan, ou encore des wooden drums inventés spécialement pour le Jemm Project. Les titres “Afroboogie”, “Camel beach” ou encore “Marrakesh” signent bien l’esprit du groupe, qui a conquis un franc succès auprès des professionnels et accrédités qui forment l’essentiel du public présent.

Les concerts de soirée, dans la grande salle, proposaient des artistes déjà établis. Mais là aussi, l’éclectisme prévalait. Le quartet Nefertiti faisait presque penser à un quatuor, tant le rôle imparti à chacun des instruments prenait à contrepied les agencements habituels. Ici, le piano dialoguait avec la batterie, la partition entre rythmique et mélodie/harmonie semblait dissoute, la musique de chambre française du début du 20ème siècle n’était pas loin.

Guillaume Perret (Patrizio Gianquintieri)

Et cette généreuse jam session se terminait de manière grandiose, avec le sax épique et futuriste de Guillaume Perret, dans une scénographie sophistiquée.

Article rédigé par Christian Delage et Patrice Presles

À Nice, tout pour Cecile McLorin et Asaf Avidan

En deuil en 2016, empêché en 2020, le Nice Jazz Festival est enfin revenu avec éclat, dans une ambiance marquée par la sortie progressive d’une situation sanitaire qui a frustré les mélomanes de par le monde, quand elle n’a pas atteint directement certains musiciens qui n’ont pas survécu.

Ainsi c’est un plaisir quelque peu bousculé par la fragilité de la période, forcément moins extraverti que par le passé, qui a traversé le festival, installé sur une seule scène, assise, avec une jauge fortement réduite.

De ces sets qui se sont succédé, deux moments se distinguent par leur intimité, leur épure et leur intensité.

Le premier est celui du duo formé par Cecile McLorin Salvant et Sullivan Fortner.  D’album en album, Cecile McLorin s’est installée sur la plus haute marche d’un jazz moderne. Sa curiosité est insatiable et chacun de ses choix de puiser dans le répertoire aboutit toujours à une magnifique réappropriation.

Elle entretient avec l’incroyable pianiste Sullivan Fortner une complicité parfois espiègle mais toujours inspirée;

Quand, à la toute fin du concert, elle interprète le morceau qui donne le titre de son nouvel opus, Ghost songs, se confirme également le talent de la compositrice, ici dans une nuance un peu mélancolique.

Asaf Avidan, Nice, 16 juillet 2021 (Patrizio Gianquintieri)

Alors que Cécile installe immédiatement son univers et sa personnalité, il faut un peu plus de temps pour qu’Asaf Avidan prenne possession de la scène. À la quarantaine passée, le musicien, qui ne joue plus avec son groupe les Mojos depuis le début des années 2010, a construit un univers musical singulier, fort de sa voix si particulière et de sa très grande sensibilité. Dans ses compositions, il évoque ses “tunnels qui sont longs et sombres, un “labyrinthe”, l'”Odyssée de la terre”, le “rocher de Lazare”.

DAN TEPFER EN DUO CONFINÉ AVEC CECILE McLORIN SALVANT

Le vendredi 14 août a lieu en duplex depuis New York un concert en Livestream de Dan Tepfer et Cecil McLorin Salvant, chacun, covid oblige, étant à son domicile.

Il faut d’abord saluer l’exploit technique que représente ce concert (en sachant gré à Dan de l’avoir organisé), et l’effort artistique que demande une duo à distance, sans public. Après un petit souci initial de synchronisation, la qualité sonore était au rendez-vous.

Nous avons alors profité d’un moment assez unique, où chaque artiste a profité de la liberté dont il disposait pour prendre quelques risques (Dan s’est mis à chanter

Cécile McLorin Salvant / Dan Tepfer : The French Songbook
Friday, August 14th 2020
9am Hawaii // 12pm San Francisco // 3pm NYC // 8pm London // 9pm Paris // 10pm Jerusalem
$5 tickets at dantepfer.com/tix

DOMERGUE DÉCONFINÉ À CANNES

Alors que la plupart des festivals de musique ont été supprimés ou restreints à quelques concerts, jazz à Domergue maintient une programmation presque intégrale et toujours un haut niveau de qualité.

L’année dernière, outre Anne Pacéo et le quartet d’Érik Truffaz, le trio Dadada de Roberto Negro (avec Émile Parisien et Michele Rabbia) avait marqué par son inventivité et sa liberté.

Le public, limité en raison de la taille du jardin de la villa, est particulièrement concentré sur l’écoute d’une musique exigeante.

Paradoxalement, la crise sanitaire permet de transférer le festival sur un lieu pouvant accueillir beaucoup plus de spectateurs, la terrasse du palais des festivals, à Cannes.

Ce sont donc trois concerts qui seront proposés cette année :

10 aôut : Aksham / Elina Duni et David Enhco Quintet
La voix envoûtante d’Elina Duni, l’irrésistible chant de la trompette de David Enhco et l’étreinte raffinée du jeu de Marc Perrenoud au piano créent un jazz virtuose et délicat, aux rythmiques impeccablement ciselées !
11 août :  Mathias Levy Trio
Mathias Levy est la nouvelle voix du violon en France : une esthétique acoustique, mêlant influence classique, musique du monde et un « jazz de chambre » solaire et poétique.
13 août : Yaron Herman (photo mise en avant du billet) – Émile Parisien – Mario Costa
Ce trio original rassemble trois des plus intéressants musiciens de la scène jazz actuelle : au côté du pianiste prodige de l’improvisation Yaron Herman, le saxophoniste Emile Parisien et sa patte mélodique hyper créative, ainsi que le batteur Mario Costa dont le jeu est nimbé d’un feeling irrésistible.

 La billetterie : www.cannesticket.com