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Jean-Philippe Viret, “les pièces tendres et de sentiment”.

En 2001, alors âgé de 42 ans, le contrebassiste Jean-Philippe Viret donne un entretien à Citizen Jazz et revient sur son parcours. Il raconte : “Au départ, j’ai insisté auprès de mes parents pour faire de la musique. A la maison, il y avait un piano sur lequel j’essayais de trouver des couleurs. J’ai suivi un schéma assez classique : méthode rose, vieille demoiselle, et désintérêt pour la musique jusqu’au jour où j’ai rencontré Emmanuel Bex. C’est lui qui m’a suggéré de me mettre à la contrebasse.”

Le trio sera sa formation favorite, grâce à la rencontre, qui va s’avérer déterminante, avec le pianiste Edouard Ferlet et le batteur Fabrice Moreau.

Trio VIRET
Le trio Viret (Grégoire Alexandre)

C’est plutôt dans une certaine discrétion que le trio inscrit sa présence dans l’univers du jazz,  et c’est dans un esprit très chambriste qu’il développe ses compositions. En les écoutant jouer au Café de la danse en mars dernier, dans une salle à l’acoustique et aux proportions favorables au caractère intimiste de leur formation, le spectateur est constamment surpris par leur manière de se passer le relais dans la conduite de la mélodie, en toute fluidité. Il y a quelque chose de très abouti dans cette écriture, et qui tient sûrement aux faits que les musiciens sont tous trois compositeurs.

L’album qu’ils viennent de publier s’intitule “L’ineffable”. Cela pourrait paraître logique que ce qui se met singulièrement en notes ne puisse ou ne doive pas se dire en mots. Mais, par-delà cette définition littérale, il faut comprendre ce titre  comme ce qui peut s’exprimer, entre les musiciens, et, partant, avec les auditeurs, sans effet ostentatoire, dans une révélation progressive de l’unité de la pièce.

Dans “Tous constraints”, par exemple, avant que la contrebasse n’occupe le devant de la scène, à la moitié du morceau, la matière musicale associe sans dominance les trois instruments (même si  la contrebasse pâtit ici du son de la vidéo), et déjoue les schémas classiques thème et variations, mélodie et improvisation, distribution successive des chorus.

Dans Jazz Magazine (n°699, février 2015) , Stéphane Ollivier évoque la “cohésion organique” de “Tous contraints”, et les difficultés que le trio a rencontrés pour trouver le bon tempo : “trop lent et le groupe peine à faire tenir ensemble les éléments du mobile ; trop rapide et l’énergie prend définitivement le dessus, annihilant toute la subtilité mise en place”. Le résultat ne laisse pas deviner les repentirs qui ont marqué l’aboutissement.

Le Trio Viret est à l’affiche du Sunside les 8 et 9 mai, pour un hommage à Keith Jarret.

 

Le Retour d’Avishai Cohen

Avishai Cohen est de retour en formation trio, avec, au piano, Nitai Hershkovits, et à la batterie, Daniel Dor. Ensemble, ils viennent d’enregistrer From Darkness et sont à l’Olympia pour un concert (complet) le 1er avril. Le compositeur et contrebassiste israélien, âgé aujourd’hui de 45 ans, est sans aucun doute un artiste parvenu à la maturité de son art.

Tout avait commencé au début des années 1990 quand il “s’est lui-même invité aux États-Unis”, comme il me le raconte dans un entretien à Paris. Avant lui, d’autres musiciens israéliens y avaient séjourné, mais son parcours a permis de bâtir un pont entre New York et Tel Aviv qui assure désormais des circulations régulières entre les deux capitales : “Jazzeltov !” titre ainsi Jazz Man en publiant en avril 2009 un article sur les artistes israéliens présents ou de passage à New York.

Avishai obtient d’abord une bourse pour étudier à l’école de jazz de la New School, fondée en 1986. Un choix que fera également le trompettiste Roy Hargrove, qui appartient à la même génération, puis Brad Mehldau ou encore Robert Glasper. L’une des caractéristiques de cette école est de ne faire appel qu’à des praticiens pour enseigner. L’autre est d’avoir été fondée par deux Juifs de Brooklyn, David C. Levy, historien d’art, muséographe et musicien, et le saxophoniste Arnie Lawrence. J’interroge Avishai sur cette proximité des cultures juives et africaines-américaines : “Il y a des expériences communes, une existence compliquée, des souffrances. Mais je n’aimerais pas dire que c’est cela qui conditionne la réussite culturelle, en particulier musicale. Il y a, incontestablement, un lien fort avec le monde, une volonté de porter quelque chose de singulier dans son expression, mais qui a vocation être partagé par le plus grand nombre, à être diffusé partout”.

Sur la scène new-yorkaise, Avishai multiplie les gigs avec des étudiants ou avec des légendes du jazz.  Les rencontres avec Danilo Perez puis Chick Corea sont décisives. Il obtient alors un visa qui lui permet de séjourner et de travailler aux États-Unis.

Il y développe un sens de la performance scénique qui va être déterminant dans le style qu’il va adopter. L’écriture et l’enregistrement d’un CD sont bien sûr essentiels, mais ils ne contraignent pas le jeu du concert public, qui va ajouter “une dimension visuelle”. À l’évidence, l’énergie d’Avishai Cohen est spectaculaire, sans pour autant minorer le rôle de son pianiste et de son batteur.

avishai2452Avishai Cohen (Patrizio Gianquintieri)

“Les musiciens avec qui je joue aujourd’hui ont l’âge que j’avais quand j’étais membre du sextet de Chick Corea. Shai Maestro était encore plus jeune. Je crois beaucoup à cette idée de travailler ensemble sur la durée, et de mettre à profit leur technique – de plus en plus développée –  au service de la création musicale.”

Neuf ans se sont écoulés entre Gently Disturbed et From Darkness, deux albums en formation trio. Entre-temps, Avishai, qui avait commencé à chanter dans le Rock band qu’il avait créé à New York, s’est pris au jeu. À la grande surprise de ses parents ou de ses proches, en Israël, il s’est mis à écrire et à chanter des textes en hébreu. La musique peut cependant s’inspirer de chants arabes, ou revitaliser le ladino, la langue créée par les rabbins espagnols pour traduire et enseigner les textes sacrés hébreux. “J’ai été encouragé à chanter par Bobby McFerrin. Dans ce registre, comme de manière générale, j’aime me donner la sensation d’être au bord de la falaise.”

Cette position rappelle celle de Charles Chaplin quand, dans Les Temps modernes, il fait du patin à roulettes dans un grand magasin en risquant à tout moment de tomber dans le vide. Ce n’est pas un hasard si Avishai Cohen interprète Smile dans un CD qui alterne avec grâce les atmosphères, les rythmes et les places respectives en leader des membres du trio.

 

David Enhco : childhood memories

Des familles du jazz, de leurs héritages et de leurs réappropriations de la musique, il a souvent été question dans ce carnet. La plupart des musiciens se nourrissent toujours du répertoire, des styles et des apports de leurs prédécesseurs. Eux-mêmes, par leur propre sociabilité, créent ou contribuent à créer des histoires de groupes, des moments partagés d’une expérience musicale vécue à plusieurs, où, selon leur instrument ou leur leadership, certains sont plus moteurs que d’autres dans la recherche de nouveaux modes d’écriture. Pour les artistes africains-américains, le sentiment d’être porteurs, voire même garants, d’une musique qui vient d’une histoire singulière, d’une politique de la mémoire, constitue toujours un puissant vecteur d’identité. Continuer la lecture de David Enhco : childhood memories

Pedrito Martinez, révélation de Jazz à Juan

S’il y a bien une révélation dans l’édition 2014 de Jazz à Juan, c’est le percussionniste cubain Pedrito Martinez. Il avait certes donné un long entretien l’automne dernier à Mundo Latino, mais il est encore relativement inconnu alors que, depuis son installation à New York, en 2000, sa carrière a connu une ascension fulgurante.


Pedrito Martinez,
Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Il ne faut pas chercher bien loin la raison pour laquelle Martinez est devenu musicien. Enfant, dans le quartier de Cayo Hueso, à La Havane, il habitait juste en face du Palacio de la Rumba. Il y a vu, me raconte-t-il,  des groupes “historiques” comme l’Orquesta Aragón. Or, à Juan, il passait après lui sur scène et c’était plaisant de le voir en coulisses écouter ces musiciens et ces chanteurs qui préservent l’héritage d’une musique populaire, et le partagent avec d’autres générations (c’est le cas, en particulier, du flûtiste Eduardo Rubio, un atout majeur).

Martinez a appris à jouer dans la rue et n’a pas réussi à bénéficier d’une éducation musicale, “parce qu’il n’avait pas”, me dit-il, “les connections qu’il fallait”. Il a rencontré des légendes cubaines, Tata Guines et Munequitos de Matanzas, avec qui il chante et joue des percussions. En 1998, il est invité au Canada par Jane Bunnett, et tourne avec son groupe, Spirits of Havana. Deux ans plus tard, il gagne le concours du Thelonious Monk Institute qui, pour la première fois, accueillait une section “Afro Latin Jazz Hand Drum”. Décision prise : son nouveau foyer sera les États-Unis, et, en particulier New York. Pedrito Martinez s’y fait connaître en jouant plusieurs soirs par semaine au restaurant-club le Guantanamera, situé Mid-Town.

Il se produit également avec Paquito D’Rivera, Eddie Palmieri, Arturo “Chico” O’Farrill, mais aussi Cassandra Wilson, Joe Lovano, ou même Sting. Wynton Marsalis le repère très vite et l’invite régulièrement au Lincoln Center, à New York. Il est également l’un des hôtes réguliers d’un nouveau club ouvert récemment dans le quartier de Meatpacking, le  Subrosa. Son groupe comprend le percusssioniste Jhair Sala, originaire de Lima (Pérou), le bassiste électrique Alvaro Benavides, de Caracas (Venezuela) et la claviériste et chanteuse Araicne Trujillo, originaire de Cuba. Tous ensemble, ils en imposent par leur énergie et leur entente. Martinez, un temps tenté par la boxe puis le judo, rappelle un peu Trombone Shorty par son allure très athlétique. La puissance de son jeu nécessite même, sur son deuxième jeu de congas, frappé des deux côtés et à l’horizontale, que Jhair Sala les maintienne manuellement en équilibre, tandis qu’Alvaro Benavides centre le micro .

Jhair Sala, Pedrito Martinez et Alvaro Benavides, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Ce qui est particulièrement frappant avec Pedrito Martinez, c’est qu’au jeu déjà compliqué des percussions s’ajoute un chant auquel il accorde une importance égale. Il le fait langue lucumí, originaire des terres Yoruba, au sud du Niger, un dialecte parvenu à Cuba lors de la traite des esclaves. Dans la maison où il vit à Union City, dans le New Jersey, avec sa femme, sa fille (présente à Juan) et ses parents, une pièce est dévolue comme sanctuaire aux divinités Santeria. La rumba y prend ainsi une autre dimension, et cela se ressent sur scène.

À Juan, le chant dans tous ses états

Sans doute en raison d’une plus grande proximité qu’à Nice, la scène de la pinède de Juan-les-Pins favorise-t-elle davantage l’interaction avec le public ? En tout cas, les premiers concerts de Jazz à Juan 2014 se sont toujours terminés cette année par une sorte de communion entre les musiciens et les spectateurs.

J. CULLUMJamie Cullum, Juan-les-Pins, 13 juillet 2014 (Guillaume Laurent).

Ce fut particulièrement le cas avec Jamie Cullum, le 13 juillet. Certes, celui-ci est un habitué des débordements de l’espace scénique vers les spectateurs, mais, il faut le reconnaître, après quelques gesticulations et montées intempestives sur le piano, il a sédentarisé son jeu avec beaucoup de générosité et de présence jazzistique. Ses musiciens ont en effet quitté leur pupitre et se sont regroupés autour de lui pour quelques morceaux au son presque acoustique. Puis, seul au piano, il a repris “Gran Torino”, écrit pour le film de Clint Eastwood et “Blackbird”, composé par Paul McCartney et enregistrée en 1968 dans le studio 3 d’Abbey Road, tandis qu’au même moment, John Lennon travaillait sur “Revolution 9”. “Blackbird” est inspiré de la “Bourrée en mi mineur” de Bach et sa résonance politique (hommage à la lutte des Africains-Américains pour leur droits civiques, incarnée par Angela Davis) est aujourd’hui encore l’objet d’un débat entre spécialistes.

Le 15 juillet, quand Manu Katché, Stefano di Battista, Eric Legnini et Richard Bona entrent sur scène, un par un, c’est ce dernier qui est le plus applaudi. Ce n’est pas qu’il soit plus talentueux que les autres membres du quartet, tous excellents musiciens. Mais, entre le Cameroun, d’où il vient, Paris, où il a construit sa carrière et New York, où il vit désormais, il est au carrefour de plusieurs traditions et d’univers musicaux différents. À l’invitation de Manu Katché, il montre combien la voix est elle-même un instrument, expliquant, avant de chanter en douala, sa langue natale, qu’il va utiliser un looper, un appareil qui permet d’enregistrer une phrase musicale et de la superposer à d’autres. Succès garanti.

Le lendemain, c’est une chanteuse irlandaise atypique qui s’empare de la scène de la pinède, Imelda May, plus proche de Robin McKelle que de Stacey Kent ou de Joss Stone. Dans des genres divers, rockabilly, pop rétro, blues et jazz, elle en impose par sa voix et sa forte présence scénique.

I. MAYImelda May, Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Quant au claviériste Booker T., qui faisait partie des invités de Barak Obama lors de la fameuse soirée Blues à la Maison-Blanche, avec Alabama Shakes, il a entraîné le public dans une histoire de la musique Soul qu’il incarne avec beaucoup de décontraction et d’assurance.

Booker T., Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

De 1951 à 1954, le pianiste Bill Evans était conscrit dans l’armée américaine. Sa période sous les drapeaux fut traumatique et lui donna des cauchemars. Alors qu’il tombe en dépression, il compose, pour sa nièce, une valse. “Waltz for Debby” est l’une de ses œuvres les plus connues. Tonny Bennet l’a chanté en sa compagnie. Au piano, avec son trio, Bill Evans la joue avec toute l’intériorité qui le caractérise. À Juan, Chick Corea et Stanley Clarke l’ont reprise, en conclusion d’un set placé également sous le signe de l’épure.

En souvenir de Charlie Haden

Lors de la dernière soirée du Nice Jazz Festival, le 12 juillet 2014, l’ambiance est en demi-teinte. Nous attendons le concert de Joshua Redman et allons découvrir qu’il est coincé entre un groupe de rock et un chanteur brésilien hors sujet. De l’autre scène parvient l’écho un peu bruyant du groupe Galactic. Redman entre en compagnie d’Aaron Goldberg au piano, Reuben Rodgers à la contrebasse et Gregory Hutchinson à la batterie. Il interprète ses propres compositions. Il n’y a pas d’enjeu particulier, pas de dialogue au sommet comme avec Brad Meldhau, mais le quartet est dans son équilibre et l’unité de son inspiration. Viennent des morceaux dont les titres sont évocateurs du temps qui passe : “Yesterdays (Jerome Kern), “Past in the Present” (issu d’un album publié en 1994).

J. RedmanLe quartet de Josuah Redman, Nice, 12 juillet 2014 (Jean-Louis Neveu)

Le musicien prend alors le micro et évoque la mort, survenue la nuit précédente, de Charlie Haden. Il commence par un souvenir familial, les liens qui unissaient son père, Dewey Redman, également saxophoniste, à Haden, les nombreux moments passés ensemble. L’émotion commence à l’étreindre, sous le regard de Hutchinson, saisi par ce qui se passe.

Redman dit vouloir jouer un morceau qui n’est pas une composition de Haden, mais un titre que ce dernier aimait interpréter, “Body and Soul”. Les larmes lui viennent aux yeux. Le public est figé. Un silence s’ensuit, un ce ces moments de suspens que j’aime particulièrement.

De cette édition 2014 du festival, nous sommes plusieurs à penser que Cecile McLorin Salvant est l’artiste qui nous a le plus séduits, par la variété et l’intelligence de ses choix musicaux et de son interprétation.

C. McLorin SalvantCecile McLorin Salvant, Nice, 8 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Nous avions déjà bien en tête “Song of Medina (Casbah)” quand Parisien et Peirani se sont mis à l’interpréter, mais nous avons apprécié que ces deux jeunes musiciens le jouent différemment, comme pour nous surprendre par leur énergie et leur imagination.

Peirani + PArisienV. Peirani et É. Parisien, Paris,  juin 2014 (J.-L. Neveu)

Eli Degibri et Kenny Garrett, deux générations de saxophonistes, se sont succédé sur la scène du Théâtre de verdure. Le premier est resté pour écouter le second. À l’éducation qu’ils reçoivent dans les écoles de musique, les jazzmen ajoutent toujours le lien avec leurs aînés et l’expérience de vie qu’ils en retirent.

Degibri + GarrettEli Degibri (J.-L. Neveu ) et Kenny Garrett (P. Gianquintieri), Nice, 11 juillet 2014.

Robin McKelle a confirmé, si besoin était, son talent de performer, qu’elle a également montré lors d’un after-hour au B Spot.

R. McKelleRobin McKelle et Fred Cash Jr., Nice, 11 juillet 2014 (J.-L. Neveu)

Malgré le fait qu’il nous tournait le dos, par ailleurs impressionnant dans sa veste colorée, le pianiste Henry Butler, né à La Nouvelle-Orléans et âgé de 64 ans, est un grand monsieur. Après l’ouragan Katrina, il s’est installé à New York, et si l’on ne peut dire qu’il commence une nouvelle carrière, en tout cas sa notoriété, tardive, est désormais à la hauteur de son talent.

H. ButlerHenry Butler, Nice, 11 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Eli Degibri et Kenny Garrett : le saxophone en majesté

Quand Eli Degibri, né à Jaffa en 1978, réussit deux fois, en 1994 et en 1995, à obtenir une bourse pour suivre les cours de la Berklee College of Music, puis du Thelonious Monk Institute, il ne se doutait pas que les meilleurs moments qu’il va passer avec l’un de ses professeurs, Ron Carter, serait en voiture. “Quand Ron venait enseigner à la Berklee, me raconte Eli Degibri,il se déplaçait depuis New York. Un jour, je lui ai dit que j’aimerais beaucoup aller à Manhattan. Il m’a proposé de l’accompagner en voiture, ainsi nous nous pouvions discuter ensemble pendant les cinq heures du trajet, pas de jazz mais de politique ou d’autres sujets. Ron est quelqu’un de très engagé”.  les voyages qu’ils vont régulièrement faire ensemble en voiture pour rejoindre Boston depuis New York. Pouvoir parler ainsi à bâtons rompus avec l’un des plus grands saxophonistes du second vingtième siècle, signale bien que cette musique n’est pas en dehors du monde : elle procède de la vie même d’une communauté qui a su la rendre universelle. Avishai Cohen, le trompettiste et le bassiste, Omer Avital, Eli Degibri : tous ces musiciens israéliens sont venus et ont séjourné aux États-Unis. Sans pour autant s’éloigner de leur propre culture. Degibri a ainsi enregistré “Israeli Song” (2010), en compagnie de Ron Carter, de Brad Meldhau et d’Al Foster.

Sur la scène du Théâtre de verdure, le public est venu nombreux. En effet, ce soir-là, 10 juillet 2014, en dernière partie de soirée, sur le grand espace Masséna, se produit Deep Purple. Tant mieux, car les auditeurs, qui sont surtout venus pour eux, ne vont pas être déçus du programme qui précède. Degibri, élégant, presque réservé, joue un jazz mélodique, volontiers lyrique. Il le fait accompagné à la contrebasse par Barak Mori, un de ses amis d’enfance, Gadi Lehavi (18 ans), au piano et Ofri Nehemya (20 ans) à la batterie.

Lehavi et Nehemya
Gadi Lehavi et Ofri Nehemya (Jean-Louis Neveu, Nice, 10 juillet 2014)

Eli Degibri m’explique qu’il aime bien s’entourer de jeunes musiciens, lui-même appréciant de pouvoir consacrer du temps à l’enseignement et à la transmission. Il a été le tuteur de Gadi et Ofri dans le cadre d’un programme d’éducation où il a écrit de la musique pour eux. Les deux jeunes musiciens, forts d’une grande maturité technique, apportent énergie et sensibilité au quartet de Degibri. Ofri a d’abord travaillé avec Avishai Cohen avant de rejoindre Eli Degibri.

Très applaudi, Eli Degibri annonce à la fin de sa prestation qu’il est très impatient d’entendre le musicien qui passe après lui. Quelques minutes plus tard, entre en scène le quartet de Kenny Garrett qui démarre au quart de tour pour un concert époustouflant.

K. GARRETT
Kenny Garrett, Corcoran Holt et McClenty Hunter (Patrizio Gianquintieri, Nice, 10 juillet 2014)

Alors que ses compositions sont plutôt atonales et très “free”, il va réussir à enflammer les spectateurs grâce à des musiciens d’exception (Vernell Brown, piano ; Corcoran Holt, contrebasse ; McClenty Hunter, batterie ; Rudy Bird, percussions). La tension sera à son comble pour une composition chantée sur un rythme répétitif et envoûtant comme une mélopée orientale, “Happy people”.

Dans le compte rendu vidéo mis en ligne sur le site du festival, on peut entendre Degibri (de 1“ à 2’43“) et Garrett (de 2’44“ à 3’50“).