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De Soweto à Louise, l’esprit du jazz

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En ouverture du Nice Jazz Festival 2022, saluons d’abord la présence  du pianiste Nduduzo Makhathini et de ses musiciens venus d’Afrique du Sud.  Professeur et chercheur, Makhathini dirige le département musique de l’université de Fort Hare, dans la province du Cap-Oriental.

Il développe un jazz très influencé  par la spiritualité qui l’habite (il est shaman et l’église a joué un rôle important dans sa jeunesse). C’est d’abord par cette caractéristique qu’on peut le comparer à John Coltrane, mais, dans la musique qu’il a développée dans son dernier CD, “Modes of Communication : Letters from the Underworlds”, jouée au Théâtre de verdure le 15 juillet, on retrouve bien cette oscillation entre l’esprit mélodique de la ballade et la transe de l’improvisation propres à Trane.

Dans l’entretien filmé qui suit, il explique sa fierté d’être produit pour la première fois par le label Blue Note, en raison de la défense et de la promotion des musiciens noirs par ses deux fondateurs, Alfred Lion et Max Margulis, et l’intérêt de s’inscrire dans une filiation où il peut, à son tour, créer des liens entre la diaspora et le continent. À la fin du concert, Makhathini évoque d’ailleurs l’histoire de l’apartheid en faisant référence aux émeutes de Soweto. en 1976.

Place ensuite à Émile Parisien, venu présenter son dernier opus, “Louise” (ACT). Nous le suivons depuis le début des années 2010, et avons souvent célébré son goût du partage, avec son ami et camarade de jeu Vincent Peirani, bien sûr, mais aussi en formation avec d’autres musiciens formant des groupes éphémères ou durables.

C’est ici en sextet que Parisien se présente sur scène, avec un casting franco-américain haut de gamme : ainsi le trompettiste Theo Croker, crée un dialogue tout en équilibre avec le saxophoniste.

Émile Parisien et Theo Croker, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Outre le contrebassiste Joe Martin, le pianiste Roberto Negro et le guitariste Manu Codjia, (dont Jacques Lerognon, critique au Jazzophone me confirme que c’est un des meilleurs de sa génération), sont  tous deux habitués à jouer avec Parisien.

Roberto Negro et Manu Codija, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Et enfin, last but not least, Nasheet Waits à la batterie. S’il y avait quelque chose d’un peu trop spectaculaire dans le solo de Negro, celui de Waits a emporté l’adhésion du public, grâce à son toucher incomparable et ses montées en puissance communicatives. Dans le CD, on sent combien sa présence galvanise constamment les autres musiciens, par sa capacité à irradier autant en retrait que sur des solos.

Nasheet Waits, Nice, 15 juillet 2022 (Patrizio Gianquintieri)

Parisien a nommé ce nouveau CD “Louise”, en hommage à Spider, une série de sculptures d’araignées de Louise Bourgeois. Même si l’une d’entre elles vient d’atteindre un sommet dans une vente de juin dernier, ce n’est pas un choix de facilité, tant l’artiste, décédée en 2010, a marqué l’art contemporain par un univers organique étroitement lié à des souvenirs de son enfance. L’araignée représente ainsi pour elle le symbole de la figure maternelle, comme elle le dit dans le livre d’artiste publié en 1995 par Le MoMA, “Ode à ma mère” : “L’araignée est une ode à ma mère. Elle était ma meilleure amie. Comme une araignée, ma mère était une tisseuse. Comme les araignées, ma mère était très intelligente.” Découvrant après sa mort la maison new-yorkaise dans laquelle elle a vécu jusqu’à 98 ans, Philippe Lançon écrit : “Louise et Eugénie ont eu des pères indignes, égoïstes. L’une s’est sauvée par l’art, l’autre par l’abnégation. La maison pétrifiée de Chelsea ressemble à celle du père Grandet, saisie par les obsessions minuscules du passé mais aérée, après la mort du vieux cochon, par la liberté de sa fille”.

Louise Bourgeois, “The Nest”, 1994. Welded steel (1911-2010) SFMOMA

Difficile de dire si la musique se rapproche d’une histoire aussi personnelle, mais disons qu’Émile Parisien, qui a beaucoup tourné depuis longtemps, a sans doute ressenti le besoin de retrouver, après la pandémie et à bientôt 40 ans, ce qui a fondé son goût pour le jazz – entre France et États-Unis – et la manière de l’incarner dans l’énergie, toujours, mais aussi dans l’écoute des musiciens qui l’accompagnent, qui le nourrissent de leurs propres expériences, et qui lui permettent de se revitaliser, après toutes ces aventures musicales toujours très physiques.

 

 

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L’ÉTÉ DES FESTIVALS : JUAN

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D’une année à l’autre, dans les Alpes-maritimes, les amateurs de jazz se retrouvent devant la même situation :  les deux festivals “historiques” de Nice et de Juan ont lieu en même temps, ce qui oblige donc à devoir choisir entre les deux au lieu d’en profiter successivement. Grâce à ses deux scènes, Nice a cependant l’avantage de pouvoir garder une programmation 100% jazz sur le Théâtre de verdure, et d’ouvrir à d’autres musiques sur Masséna. À Juan, la scène est unique et même si trois concerts peuvent s’y succéder dans la soirée, la part strictement jazzistique se restreint d’année en année. À l’approche du 60ème anniversaire de Jazz à Juan, une réflexion s’impose pour célébrer l’histoire de ce festival et en revenir à son esprit d’origine.

Ben Harper & the Innocent Criminals, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

Cet esprit est par exemple celui qui a animé l’un des invités de cette édition 2019, Ben Harper. Un musicien que j’avais eu la chance de voir à New York au Radio City Music Hall, et dont le jeu de guitare à plat, qu’il alterne avec un jeu plus classique debout, rend bien compte de sa double personnalité : intime, quand il lui arrive d’être seul face au public, presque austère ; en énergie et dans des styles variés quand il est avec son groupe, en particulier son percussionniste Leon Mobley, alternant la sonorité Reggae avec des ambiances plus Soul  ou Rock, en passant par le Folk et le Blues.

Ben Harper, Jazz à Juan, 16 juillet 2019 (Patrizio Gianquintieri)

L’une des singularité de Ben Harper provient de son engagement pour la défense des droits  et le respect de la dignité des Africains-Américains, bien avant le mouvement Black Lives Matter.  Pour s’en convaincre, il suffit de rappeler les paroles de sa composition, Call it What It Is :

“They shot him in the back
now it’s a crime to be black
so don’t act surprised
when it gets vandalized

there’s good cops
bad cops
white cops
black cops

Trayvon Martin
Ezell Ford
Michael Brown
and so many more

government, policing, hard times,
oppression, racism, fear, suffering
ain’t easy

gun control
mind control
self-control
we’ve dug ourselves a hole

call it what it is
murder”

Une histoire qui faisait se rapprocher sur l’une des photos emblématiques de ces vies fauchées au moment du passage à l’âge d’homme Emmett Till et Trayvon Martin

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BRAD MEHLDAU, CHRISTIAN SCOTT, JOON MOON : NICE FÊTE LE JAZZ TOUTE L’ANNÉE

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Après avoir revitalisé le festival d’été du jazz, la ville de Nice a souhaité renforcer et rendre davantage visible la programmation d’artistes de qualité pendant le reste de l’année. Ne disposant pas d’une salle dédiée au jazz en centre ville – ce qui serait souhaitable – les concerts ont lieu généralement dans deux salles  : l’une, le Forum nord, inscrit jusqu’à présent dans un environnement guère attractif, pourrait bénéficier du projet de transformation de l’ancien stade du Ray.

L’autre, le Théâtre Lino Ventura, inauguré en 1992 avec une capacité d’accueil de 700 places, se trouve dans le quartier de l’Ariane, où vivent, dans un environnement peu attractif, mais qui évolue lentement, plus de 10000 personnes, issues pour beaucoup de plusieurs vagues d’immigration. Les associations et les habitants ont souvent été soucieux de donner de la profondeur historique à leur espace de vie, qui fait l’objet, pour un épisode tragique de la Seconde Guerre mondiale, d’une notice dans le fameux Dictionnaire biographique, “Maîtron”

La localisation et les conditions d’accès du théâtre ressemblent à celles de la MC93 à Bobigny, près de Paris. Mais tandis qu’à Bobigny ce sont plutôt des parisiens qui viennent voir des spectacles qui ont souvent été remarqués pour leur qualité et leur inventivité, ici, à l’Ariane, le public, certes dominé par les amateurs de musique, est plutôt familial. Ainsi, lors du concert solo donné le 11 mars 2016 par le pianiste Brad Mehldau, des parents avaient emmené leurs enfants pour un programme assez exigeant. Mehldau n’avait pas  minoré cette étape de tournée, et c’est bien de savoir que certains ont pu le découvrir à cette occasion.

Brad Mehldau en concert (Patrizio Gianquintieri)

Depuis la rentrée 2017, c’est Frederica Randrianome-Karsenty, la directrice du Nice Jazz Festival, qui a pris en charge la programmation. Le 5 octobre dernier, Un double concert permettait d’entendre Lou Tavano en première partie et Anne Pacéo (en formation “Circles”). Un très beau moment, en particulier dans la complicité entre Anne Pacéo et Christophe Panzani, assurément l’un des plus beaux sons actuels au saxophone ténor.

Anne Pacéo et Christophe Panzani, Nice, 5/10/2017 (Patrizio Gianquintieri)

Le 11 novembre, c’était Christian Scott qui était à l’affiche du Forum nord. Le musicien américain originaire de La Nouvelle Orléans est connu pour mélanger approches jazzistiques et rock, ce qui peut diviser la critique outre-Atlantique. C’est un artiste engagé, qui a encadré plus de 500 jeunes lycéens dans le cadre des stages “Harlem Jazz Residency” en 2016. Sa présence à Nice était un événement à tous points de vue et le concert n’a pas déçu nos attentes.


Christian Scott et Mike Mitchell, Nice, Forum Nord, 11/11/2017

Scott insuffle une grande vitalité à une musique très inventive, laissant souvent ses musiciens, avec une mention particulière pour le batteur, jouer en solo ou entre eux. On le retrouvera le 12 mars à la Cigale, à Paris.

Enfin, le 9 février, au Forum nord, le groupe Joon Moon, avec Julien Decoret, Raphaël Chassin, Magi-Aleksieva Mey, et, en featuring, JCAT, était en concert. Une occasion de revoir la formidable chanteuse Krystle Warren.

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Nice : de la tristesse, et pas de Blues

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Imagine-t-on traverser l’intérieur du Bataclan juste après l’attentat du 13 novembre, pas même pour voir le lieu, mais comme si on ne faisait qu’y passer, parce que c’est sur le chemin du piéton ou du cycliste? C’est pourtant ce qui se passe à Nice depuis le 14 juillet où, assez rapidement, la Promenade a été rouverte sur pratiquement toute sa longueur. Tandis que le soleil, tout à coup insolent dans sa présence, et la mer, transparente grâce au mistral qui a soufflé, ont continué à maintenir la vie balnéaire estivale, la chaussée et le trottoir de la portion qui va du boulevard Gambetta à l’hôtel Méridien sont parsemés de petites sépultures florales, à l’emplacement de la mort de victimes individuelles, puis de grands carrés mortuaires, quand ce sont des dizaines d’enfants et d’adultes qui ont été fauchés. C’est comme si on pouvait suivre, par la visualisation de ces espaces entourés parfois de craie et de bougies, et souvent de petits mots déposés par les familles et les passants, la progression meurtrière de ce camion qui a foncé dans la foule, par une belle soirée de fête nationale. Le contraste entre la beauté de la baie des anges et ces mémoriaux,  à la taille des personnes tuées, est saisissant et remplit de tristesse.

Quand nous préparions la journée spéciale que France Inter a consacrée au programme que je dirige au sein de l’Institut d’histoire du temps présent – la collecte de témoignages filmés des victimes et des témoins des attentats du 13 novembre dernier à Paris et à Saint-Denis – Jean Lebrun m’avait demandé ce que nous ferions en cas de survenue d’un nouvel événement meurtrier. Sans réponse alors, le sentiment qui domine aujourd’hui, tandis que j’étais présent à Nice pour préparer avec le photographe Patrizio Gianquintieri la couverture du festival de jazz, est d’être sidéré par la brutalité de ce qui s’est passé, et de douter de notre capacité à nous en protéger quand il s’agit de contribuer au travail de mémoire et de connaissance que requièrent de tels actes. Heureusement, je suis entouré d’une anthropologue, Élisabeth Claverie, et d’une historienne, Hélène Dumas, qui ont appris à se confronter à la douleur des victimes de crimes de masse.

À deux pas du plus grand des mémoriaux de la Promenade, l’affiche du “Nice Jazz Festival” a été enlevée de la porte d’entrée du Théâtre de Verdure. La décision a été prise d’annuler l’édition 2016 et l’on peut comprendre que, au moins pendant ces trois jours de deuil national, la musique aurait paru perturber la solennité du moment. Cependant, la culture n’est pas un divertissement, quelque chose qui nous éloignerait de l’essentiel, mais, au contraire, elle est un bien nécessaire, le lieu du partage des expériences, l’expression de ce qui nous réunit dans nos différences et, le plus souvent, la manifestation publique d’une fraternité sincère. Et, s’agissant du jazz, est-il besoin de rappeler ses fondements historiques, la manière dont il a témoigné du racisme et participé à l’évolution des droits civiques aux États-Unis ? Nous ne verrons donc pas Abdullah Ibrahim, ni la marraine de cette édition 2016, Melody Gardot. Nous aurions eu besoin de les entendre. Au moins, dans les archives filmées du festival, peut-on trouver cette “litanie contre la peur” (Christian Scott).

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Les mémoires vives de Marcus Miller

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Avec Afrodeezia, Marcus Miller continue les pérégrinations qu’il avait commencées dans son précédent album, Renaissance.

M. MILLER
Marcus Miller (© Patrizio Gianquintieri)

En tant qu’artiste de l’UNESCO pour la paix, et porte-parole du projet « La Route de l’esclave », lancé en 1994 au Bénin, il s’est rendu à Gorée et a visité la Maison des esclaves. Il y a vu  comment hommes, femmes et enfants africains, entassés comme des animaux pour être empilés sur des navires négriers, devaient franchir une porte « sans-retour ».

« Alors que je travaillais sur la composition de “Gorée”, écrit Miller sur son site (marcusmiller.com), je fus frappé par l’idée que “la porte du non retour” représentait non seulement la fin de l’expérience africaine des captifs, mais d’une certaine manière, cette porte symbolisait également le début de notre expérience afro-américaine».

Cette mémoire tragique a été en quelque sorte apaisée par la musique qui en est issue et qui veut transmettre un message d’« espoir et de résistance ». Ainsi Afrodeezia se veut « une reconnaissance et la célébration des différents styles musicaux qui se sont  développés à partir de l’expérience de l’esclavage, un voyage difficile, continu, mais joyeux vers la liberté. »

Pour composer et enregistrer ce nouvel album, Marcus Miller est allé à la recherche des rythmes qui ont construit l’héritage musical du jazz, puis, avec ses musiciens, il s’est rendu au Maroc et au Nigéria, à Paris et Sao Paulo, des Caraïbes à la Louisiane, pour finir par les grandes villes de Chicago, Detroit, et New York.

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Marcus Miller (© Jean-Philippe Marty)

Sur scène, dans la pinède de Juan-les-pins, les rythmes et les couleurs musicales d’Afrodeezia emportent très rapidement l’adhésion du public. Le trompettiste de Miller se fait particulièrement remarquer par la qualité de son jeu, jusqu’à l’arrivée d’Ibrahim Maalouf, invité à partager avec Miller une création qui ajoute une note orientale aux saveurs africaines.

Malouf
Lee Hogans et Ibrahim Maalouf (© Jean-Philippe Marty)

Cette mémoire vive des racines du jazz est volontaire. Elle se nourrit cependant d’un héritage plus intime. Le grand-père de Miller était évêque épiscopal et jouait du piano. Son père, organiste, pianiste, et chef de chœur, officiait surtout dans les églises noires épiscopales. Avec « Preacher’s Kid », Miller a voulu rendre hommage à son père, âgé aujourd’hui de 90 ans.

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Atteint de la maladie d’Alzheimer, William H. se souvient encore de ses deux fils. Il a cependant posé, sur la table de nuit à côté de son lit, une des couvertures de disque de Marcus, au cas où…

 

 

 

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Bowie/Decouflé, Let’s Dance!

À l’occasion de la venue à la Philharmonie de l’exposition  David Bowie is, le chorégraphe Philippe Decouflé a bâti un spectacle autour de quinze compositions du chanteur, réorchestrées par Pierre Le Bourgeois et interprétées sur scène par trois chanteuses, Sophie Hunger, Jehnny Beth (Savages) et Jeanne Added. En mêlant  guitares (folk et électrique), batterie et synthétiseur, saxophone (pour une ambiance plus jazzy), violon et violoncelle, Le Bourgeois nous rappelle combien l’univers musical de Bowie était composite. Decouflé a également fait appel à des artistes de cirque et à des performeurs comme Jean-Biche. Continuer la lecture de Bowie/Decouflé, Let’s Dance! →

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Pedrito Martinez, révélation de Jazz à Juan

S’il y a bien une révélation dans l’édition 2014 de Jazz à Juan, c’est le percussionniste cubain Pedrito Martinez. Il avait certes donné un long entretien l’automne dernier à Mundo Latino, mais il est encore relativement inconnu alors que, depuis son installation à New York, en 2000, sa carrière a connu une ascension fulgurante.


Pedrito Martinez, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Il ne faut pas chercher bien loin la raison pour laquelle Martinez est devenu musicien. Enfant, dans le quartier de Cayo Hueso, à La Havane, il habitait juste en face du Palacio de la Rumba. Il y a vu, me raconte-t-il,  des groupes “historiques” comme l’Orquesta Aragón. Or, à Juan, il passait après lui sur scène et c’était plaisant de le voir en coulisses écouter ces musiciens et ces chanteurs qui préservent l’héritage d’une musique populaire, et le partagent avec d’autres générations (c’est le cas, en particulier, du flûtiste Eduardo Rubio, un atout majeur).

Martinez a appris à jouer dans la rue et n’a pas réussi à bénéficier d’une éducation musicale, “parce qu’il n’avait pas”, me dit-il, “les connections qu’il fallait”. Il a rencontré des légendes cubaines, Tata Guines et Munequitos de Matanzas, avec qui il chante et joue des percussions. En 1998, il est invité au Canada par Jane Bunnett, et tourne avec son groupe, Spirits of Havana. Deux ans plus tard, il gagne le concours du Thelonious Monk Institute qui, pour la première fois, accueillait une section “Afro Latin Jazz Hand Drum”. Décision prise : son nouveau foyer sera les États-Unis, et, en particulier New York. Pedrito Martinez s’y fait connaître en jouant plusieurs soirs par semaine au restaurant-club le Guantanamera, situé Mid-Town.

Il se produit également avec Paquito D’Rivera, Eddie Palmieri, Arturo “Chico” O’Farrill, mais aussi Cassandra Wilson, Joe Lovano, ou même Sting. Wynton Marsalis le repère très vite et l’invite régulièrement au Lincoln Center, à New York. Il est également l’un des hôtes réguliers d’un nouveau club ouvert récemment dans le quartier de Meatpacking, le  Subrosa. Son groupe comprend le percusssioniste Jhair Sala, originaire de Lima (Pérou), le bassiste électrique Alvaro Benavides, de Caracas (Venezuela) et la claviériste et chanteuse Araicne Trujillo, originaire de Cuba. Tous ensemble, ils en imposent par leur énergie et leur entente. Martinez, un temps tenté par la boxe puis le judo, rappelle un peu Trombone Shorty par son allure très athlétique. La puissance de son jeu nécessite même, sur son deuxième jeu de congas, frappé des deux côtés et à l’horizontale, que Jhair Sala les maintienne manuellement en équilibre, tandis qu’Alvaro Benavides centre le micro .

Jhair Sala, Pedrito Martinez et Alvaro Benavides, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Ce qui est particulièrement frappant avec Pedrito Martinez, c’est qu’au jeu déjà compliqué des percussions s’ajoute un chant auquel il accorde une importance égale. Il le fait langue lucumí, originaire des terres Yoruba, au sud du Niger, un dialecte parvenu à Cuba lors de la traite des esclaves. Dans la maison où il vit à Union City, dans le New Jersey, avec sa femme, sa fille (présente à Juan) et ses parents, une pièce est dévolue comme sanctuaire aux divinités Santeria. La rumba y prend ainsi une autre dimension, et cela se ressent sur scène.

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À Juan, le chant dans tous ses états

Sans doute en raison d’une plus grande proximité qu’à Nice, la scène de la pinède de Juan-les-Pins favorise-t-elle davantage l’interaction avec le public ? En tout cas, les premiers concerts de Jazz à Juan 2014 se sont toujours terminés cette année par une sorte de communion entre les musiciens et les spectateurs.

J. CULLUMJamie Cullum, Juan-les-Pins, 13 juillet 2014 (Guillaume Laurent).

Ce fut particulièrement le cas avec Jamie Cullum, le 13 juillet. Certes, celui-ci est un habitué des débordements de l’espace scénique vers les spectateurs, mais, il faut le reconnaître, après quelques gesticulations et montées intempestives sur le piano, il a sédentarisé son jeu avec beaucoup de générosité et de présence jazzistique. Ses musiciens ont en effet quitté leur pupitre et se sont regroupés autour de lui pour quelques morceaux au son presque acoustique. Puis, seul au piano, il a repris “Gran Torino”, écrit pour le film de Clint Eastwood et “Blackbird”, composé par Paul McCartney et enregistrée en 1968 dans le studio 3 d’Abbey Road, tandis qu’au même moment, John Lennon travaillait sur “Revolution 9”. “Blackbird” est inspiré de la “Bourrée en mi mineur” de Bach et sa résonance politique (hommage à la lutte des Africains-Américains pour leur droits civiques, incarnée par Angela Davis) est aujourd’hui encore l’objet d’un débat entre spécialistes.

Le 15 juillet, quand Manu Katché, Stefano di Battista, Eric Legnini et Richard Bona entrent sur scène, un par un, c’est ce dernier qui est le plus applaudi. Ce n’est pas qu’il soit plus talentueux que les autres membres du quartet, tous excellents musiciens. Mais, entre le Cameroun, d’où il vient, Paris, où il a construit sa carrière et New York, où il vit désormais, il est au carrefour de plusieurs traditions et d’univers musicaux différents. À l’invitation de Manu Katché, il montre combien la voix est elle-même un instrument, expliquant, avant de chanter en douala, sa langue natale, qu’il va utiliser un looper, un appareil qui permet d’enregistrer une phrase musicale et de la superposer à d’autres. Succès garanti.

Le lendemain, c’est une chanteuse irlandaise atypique qui s’empare de la scène de la pinède, Imelda May, plus proche de Robin McKelle que de Stacey Kent ou de Joss Stone. Dans des genres divers, rockabilly, pop rétro, blues et jazz, elle en impose par sa voix et sa forte présence scénique.

I. MAYImelda May, Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Quant au claviériste Booker T., qui faisait partie des invités de Barak Obama lors de la fameuse soirée Blues à la Maison-Blanche, avec Alabama Shakes, il a entraîné le public dans une histoire de la musique Soul qu’il incarne avec beaucoup de décontraction et d’assurance.

Booker T., Nice, 16 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

De 1951 à 1954, le pianiste Bill Evans était conscrit dans l’armée américaine. Sa période sous les drapeaux fut traumatique et lui donna des cauchemars. Alors qu’il tombe en dépression, il compose, pour sa nièce, une valse. “Waltz for Debby” est l’une de ses œuvres les plus connues. Tonny Bennet l’a chanté en sa compagnie. Au piano, avec son trio, Bill Evans la joue avec toute l’intériorité qui le caractérise. À Juan, Chick Corea et Stanley Clarke l’ont reprise, en conclusion d’un set placé également sous le signe de l’épure.

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En souvenir de Charlie Haden

Lors de la dernière soirée du Nice Jazz Festival, le 12 juillet 2014, l’ambiance est en demi-teinte. Nous attendons le concert de Joshua Redman et allons découvrir qu’il est coincé entre un groupe de rock et un chanteur brésilien hors sujet. De l’autre scène parvient l’écho un peu bruyant du groupe Galactic. Redman entre en compagnie d’Aaron Goldberg au piano, Reuben Rodgers à la contrebasse et Gregory Hutchinson à la batterie. Il interprète ses propres compositions. Il n’y a pas d’enjeu particulier, pas de dialogue au sommet comme avec Brad Meldhau, mais le quartet est dans son équilibre et l’unité de son inspiration. Viennent des morceaux dont les titres sont évocateurs du temps qui passe : “Yesterdays“ (Jerome Kern), “Past in the Present” (issu d’un album publié en 1994).

J. RedmanLe quartet de Josuah Redman, Nice, 12 juillet 2014 (Jean-Louis Neveu)

Le musicien prend alors le micro et évoque la mort, survenue la nuit précédente, de Charlie Haden. Il commence par un souvenir familial, les liens qui unissaient son père, Dewey Redman, également saxophoniste, à Haden, les nombreux moments passés ensemble. L’émotion commence à l’étreindre, sous le regard de Hutchinson, saisi par ce qui se passe.

Redman dit vouloir jouer un morceau qui n’est pas une composition de Haden, mais un titre que ce dernier aimait interpréter, “Body and Soul”. Les larmes lui viennent aux yeux. Le public est figé. Un silence s’ensuit, un ce ces moments de suspens que j’aime particulièrement.

De cette édition 2014 du festival, nous sommes plusieurs à penser que Cecile McLorin Salvant est l’artiste qui nous a le plus séduits, par la variété et l’intelligence de ses choix musicaux et de son interprétation.

C. McLorin SalvantCecile McLorin Salvant, Nice, 8 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

Nous avions déjà bien en tête “Song of Medina (Casbah)” quand Parisien et Peirani se sont mis à l’interpréter, mais nous avons apprécié que ces deux jeunes musiciens le jouent différemment, comme pour nous surprendre par leur énergie et leur imagination.

Peirani + PArisienV. Peirani et É. Parisien, Paris,  juin 2014 (J.-L. Neveu)

Eli Degibri et Kenny Garrett, deux générations de saxophonistes, se sont succédé sur la scène du Théâtre de verdure. Le premier est resté pour écouter le second. À l’éducation qu’ils reçoivent dans les écoles de musique, les jazzmen ajoutent toujours le lien avec leurs aînés et l’expérience de vie qu’ils en retirent.

Degibri + GarrettEli Degibri (J.-L. Neveu ) et Kenny Garrett (P. Gianquintieri), Nice, 11 juillet 2014.

Robin McKelle a confirmé, si besoin était, son talent de performer, qu’elle a également montré lors d’un after-hour au B Spot.

R. McKelleRobin McKelle et Fred Cash Jr., Nice, 11 juillet 2014 (J.-L. Neveu)

Malgré le fait qu’il nous tournait le dos, par ailleurs impressionnant dans sa veste colorée, le pianiste Henry Butler, né à La Nouvelle-Orléans et âgé de 64 ans, est un grand monsieur. Après l’ouragan Katrina, il s’est installé à New York, et si l’on ne peut dire qu’il commence une nouvelle carrière, en tout cas sa notoriété, tardive, est désormais à la hauteur de son talent.

H. ButlerHenry Butler, Nice, 11 juillet 2014 (par P. Gianquintieri)

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Eli Degibri et Kenny Garrett : le saxophone en majesté

Quand Eli Degibri, né à Jaffa en 1978, réussit deux fois, en 1994 et en 1995, à obtenir une bourse pour suivre les cours de la Berklee College of Music, puis du Thelonious Monk Institute, il ne se doutait pas que les meilleurs moments qu’il va passer avec l’un de ses professeurs, Ron Carter, serait en voiture. “Quand Ron venait enseigner à la Berklee, me raconte Eli Degibri,il se déplaçait depuis New York. Un jour, je lui ai dit que j’aimerais beaucoup aller à Manhattan. Il m’a proposé de l’accompagner en voiture, ainsi nous nous pouvions discuter ensemble pendant les cinq heures du trajet, pas de jazz mais de politique ou d’autres sujets. Ron est quelqu’un de très engagé”.  les voyages qu’ils vont régulièrement faire ensemble en voiture pour rejoindre Boston depuis New York. Pouvoir parler ainsi à bâtons rompus avec l’un des plus grands saxophonistes du second vingtième siècle, signale bien que cette musique n’est pas en dehors du monde : elle procède de la vie même d’une communauté qui a su la rendre universelle. Avishai Cohen, le trompettiste et le bassiste, Omer Avital, Eli Degibri : tous ces musiciens israéliens sont venus et ont séjourné aux États-Unis. Sans pour autant s’éloigner de leur propre culture. Degibri a ainsi enregistré “Israeli Song” (2010), en compagnie de Ron Carter, de Brad Meldhau et d’Al Foster.

Sur la scène du Théâtre de verdure, le public est venu nombreux. En effet, ce soir-là, 10 juillet 2014, en dernière partie de soirée, sur le grand espace Masséna, se produit Deep Purple. Tant mieux, car les auditeurs, qui sont surtout venus pour eux, ne vont pas être déçus du programme qui précède. Degibri, élégant, presque réservé, joue un jazz mélodique, volontiers lyrique. Il le fait accompagné à la contrebasse par Barak Mori, un de ses amis d’enfance, Gadi Lehavi (18 ans), au piano et Ofri Nehemya (20 ans) à la batterie.

Lehavi et Nehemya
Gadi Lehavi et Ofri Nehemya (Jean-Louis Neveu, Nice, 10 juillet 2014)

Eli Degibri m’explique qu’il aime bien s’entourer de jeunes musiciens, lui-même appréciant de pouvoir consacrer du temps à l’enseignement et à la transmission. Il a été le tuteur de Gadi et Ofri dans le cadre d’un programme d’éducation où il a écrit de la musique pour eux. Les deux jeunes musiciens, forts d’une grande maturité technique, apportent énergie et sensibilité au quartet de Degibri. Ofri a d’abord travaillé avec Avishai Cohen avant de rejoindre Eli Degibri.

Très applaudi, Eli Degibri annonce à la fin de sa prestation qu’il est très impatient d’entendre le musicien qui passe après lui. Quelques minutes plus tard, entre en scène le quartet de Kenny Garrett qui démarre au quart de tour pour un concert époustouflant.

K. GARRETT
Kenny Garrett, Corcoran Holt et McClenty Hunter (Patrizio Gianquintieri, Nice, 10 juillet 2014)

Alors que ses compositions sont plutôt atonales et très “free”, il va réussir à enflammer les spectateurs grâce à des musiciens d’exception (Vernell Brown, piano ; Corcoran Holt, contrebasse ; McClenty Hunter, batterie ; Rudy Bird, percussions). La tension sera à son comble pour une composition chantée sur un rythme répétitif et envoûtant comme une mélopée orientale, “Happy people”.

Dans le compte rendu vidéo mis en ligne sur le site du festival, on peut entendre Degibri (de 1“ à 2’43“) et Garrett (de 2’44“ à 3’50“).

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Jason Moran, matière et mémoire

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Dans son dernier album, Ten, Jason Moran, que j’avais longuement interviewé en 2009 à Nice, a confirmé la place centrale qu’il occupe désormais sur la scène new-yorkaise, observable par sa présence régulière dans les grands clubs de la ville, les nombreuses collaborations qu’il suscite ou qui lui sont proposées et ses incursions sur des terrains aussi divers que le cinéma, l’art vidéo, les arts plastiques ou l’enseignement.

Mais ce qui est particulièrement remarquable chez ce jeune artiste (36 ans), c’est sa volonté de tenir ensemble plusieurs exigences : se réapproprier les sources du jazz, chercher des voies de renouvellement dans son travail de composition, ouvrir  son inspiration vers d’autres formes de musique, comme le rap.

Pour ce nouvel album, qui aura nécessité quatre années de maturation, et qui a été élu meilleur album de l’année 2010 par le New York Times, la préoccupation de l’héritage et de la transmission domine, avec le souci constant d’inscrire le jazz dans la mémoire vive de la société américaine comme dans la matière panistique des compositions.

Jason Moran en enregistrement, New York,  septembre  2009, studio avatar, photographie Christian Delage.

Dans « Old Babies », on peut entendre, en fond sonore, les voix de ceux qui ont inspiré Moran, ses deux jeunes fils jumeaux, Jonas et Malcom, un peu comme Stevie Wonder l’avait fait avec sa fille dans « Isn’t she Lovely »

« Play to Live » est un hommage posthume à son maître, Andrew Hill, avec qui il a rédigé ce morceau, et qui est décédé d’un cancer en 2007. On retrouve également Thelonious Monk, dont l’écoute de « Round midnight », par l’adolescent Moran, avait déclenché la passion du jazz, dans la reprise de « Crepuscule with Nelly ». Enfin, Moran cite des samples de guitare de Jimi Hendrix provenant de son premier et fameux concert aux États-Unis, donné en 1967 lors du festival Pop de Monterey.

En formation de trio avec le bassiste Tarus Mateen et le batteur Nasheet Waits, Jason Moran et son « Bandwagon » célébrent surtout la culture africaine-américaine.

« Blue Blocks », qui ouvre l’album, provient de « Live: Time », une pièce commandée par le Musée d’art de Philadelphie,  à l’occasion de l’exposition de tapisseries organisée en 2008 par le Gee’s Bend, un collectif de femmes descendant de familles d’esclaves qui travaillaient sur des plantations en Alabama. Tout au long du vingtième siècle, ces « quilters » ont contribué à la vitalité de l’art populaire américain et protégé la culture de leur communauté :

« RFK In The Land Of Apartheid » est le thème principal de la musique composée par Moran pour le documentaire du même nom réalisé en 2009 par Larry Shore et Tami Gold :

Le film retrace le voyage effectué par le jeune sénateur Robert F. Kennedy en Afrique du sud en 1966 et le discours tenu contre l’apartheid, « Ripple of hope » :

Kennedy avait alors exalté les liens entre le mouvement des droits civiques aux États-Unis et la lutte des militants emmenés par Nelson Mandela contre l’apartheid.

Enfin, avec « Nobody », Moran fait revivre la figure d’un des plus fameux pionniers de l’art du minstrel show, Bert Williams. Sa version de « Nobody », enregistrée en 1913, a gardé toute sa fraîcheur,


tout comme l’un des films que la Biograph lui avait permis en 1916 de mettre en scène et d’interpréter, Natural Born Gambler.

Cette mémoire est revitalisée dans la matière des compositions de Moran. Il lui importe toujours que la mélodie, qu’elle soit originale ou inspirée d’un standard, soit clairement audible, et qu’elle ne se dissolve pas dans les variations ou l’improvisation. Ce qui ne l’empêche pas, bien au contraire, de renouveler constamment l’écriture jazzistique et d’avoir formé un style de jeu qui lui appartient singulièrement.

Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter et de comparer les deux versions qu’ils proposent du même thème, « Study No. 6 », où, tout en conservant la mélodie, clairement reconnaissable, ils procèdent à une véritable recréation.

À la volonté de ne pas séparer héritage et création correspond le souci de s’adresser à d’autres publics que ceux du jazz, ou, tout simplement, de partager la musique qu’il pratique avec ce qui a formé son oreille quand il était jeune. « One of the problems of trying to combine the forms is that jazz is really built on improvisation and hip-hop is really built on that beat, explique-t-il à Gabe Melin. If we got rid of some of the powerful elements of each of the forms, and reduced it to its purity, then we can try to find some common ground. ». Une manière de dire que, par-delà les genres de musique, l’instrument lui-même choisi par Moran, en l’occurrence le piano, possède ses propres contraintes, dont il faut savoir se jouer en travaillant le toucher et le tempo.

Étant donné son goût pour l’art contemporain et pour le mélange de la musique avec la vidéo, la peinture et l’archive sonore, photographique et visuelle, on pourrait caractériser le travail de création de Moran par la déstructuration qu’il pratique volontiers. Cependant, sa « modernité » n’est jamais affichée contre l’héritage du jazz. Sur son piano, se trouve souvent posé un MP3 et il lui arrive de s’arrêter en plein concert, pour faire entendre une archive semblant dater des débuts du blues, parfois un vieux standard, parfois un simple extrait chanté, qu’il travaille ensuite en écho et en répétition, avant de se l’approprier avec ses musiciens et de partir sur ses propres combinaisons. Récemment, dans le cadre du Harlem Jazz Shrines Festival, il a samplé un fragment de mélodie avec des rythmes provenant de la Motown, de la House et du Hip-hop.