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Le voyage intérieur de Thomas Enhco

Thomas Enhco a-t-il été comme l’enfant décrit par Baudelaire dans Le Voyage, “amoureux de cartes et d’estampes,” et pour qui “L’univers est égal à son vaste appétit.” ?

En tout cas, à l’âge de 26 ans, il a déjà fait le tour du monde,  vécu quelque temps à New York, et s’apprête à donner un concert dans la grande salle du Châtelet le 7 mai prochain.

À 14 ans, il fait une rencontre décisive, avec Gisèle Magnan, une pianiste concertiste de la génération de Brigitte Engerer et de Michel Dalberto, qui a fait le choix d’enseigner (elle anime d’ailleurs aujourd’hui les Concerts de poche) et qui devient son professeur. “J’ai passé des heures, m’explique-t-il, à jouer par exemple dans la lenteur la plus extrême, pour aller écouter au fond des cordes la vibration et savoir à quel moment elle donne l’impulsion de la note suivante”. À l’époque, elle voit en lui un futur grand pianiste classique, mais c’est le jazz qu’il va choisir, non exclusivement, cependant.

Dès 17 ans, il publie son premier album sur le label “Âmes”, créé par Didier Lockwood.

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En 2012, il est en trio avec Chris Jennings à la contrebasse et Nicolas Charlier à la batterie, pour Fireflies. La presse est élogieuse : Michel Contat évoque son “lyrisme amical, frais, détendu, plein de fragrances subtiles” (Télérama, 15/12/2012).

Aujourd’hui, il vient de signer un contrat avec Universal pour qui il doit publier trois albums, en  classique (Deutsche Grammophon) et en jazz (Verve). Ainsi, il vient d’enregistrer un CD avec Vassilena Serafimova en duo piano/marimba.

Pour son nouvel album, Feathers, il a fait le pari d’être en solo.

Capture d’écran 2015-05-03 à 16.59.04Thomas Enhco (Jean-Louis Neveu)

Après l’avoir enregistré, il en joue des morceaux dans divers récitals en France et au Japon. Présente au concert donné l’année dernière à la Sorbonne, Gisèle Magnan lui fait part de ses réactions. “Tu peux te permettre de jouer beaucoup moins bien. Réfléchis à cela. Ton but désormais est de trouver une simplicité évidente comme résultat de cette complexité que tu as recherchée“.

Cette simplicité peut aussi se comprendre comme provenant d’une inspiration personnelle, du registre de l’intime. Feathers est bâti selon son compositeur comme le récit d’une histoire d’amour et se déploie en plusieurs temps de durée ou d’intensité inégales. Une “catharsis”, pendant l’enregistrement, où c’est près du double de ce que contient l’album final qui a été interprété, dans une sorte de fébrilité permanente.

Il faut donc se laisser porter par la chronique déployée par le pianiste, à l’écoute, dans “I’m fine, Thank you”, d’un motif mélodique à partir duquel il tisse des variations harmoniques, où le grave et l’aigu s’opposent, se croisent, se chevauchent, comme autant de déambulations légères et graves. C’est là que la technique, le jeu, s’ils sont maîtrisés,  permettent de ne pas céder à une quelconque mièvrerie. Nous évoquons ensemble la musique de Gabriel Fauré et Thomas Enhco me dit y avoir apprécié le sens mélodique. “Quand j’écoute Fauré, j’ai l’impression qu’il a composé des chansons. C’est très agréable d’improviser sur ses compositions, il y a quelque chose de très évident, de très pur. La recherche d’une émotion, c’est ce qui est le plus important pour moi. Il y a quelque chose de très libérateur dans le jazz, et j’aime bien ce côté instinctif dans la composition de Feathers”.

La simplicité, c’est également l’image que l’on projette de soi dans les clips ou les captations de concerts : pour filmer un soliste, il faut trouver la bonne distance, sans fioritures, comme ici :

Dans l’album, un morceau se détache des autres. Il s’intitule “Sand Creek Song”, et ouvre l’univers du pianiste sur une histoire qui lui est extérieure, celle d’un massacre d’Indiens, qui prit place dans le Colorado le 29 novembre 1864, et coûta la vie à près de 200 femmes, enfants et vieillards. “J’en ai entendu parler pour la première fois en 2007.  J’ai été marqué par cette histoire et j’ai fait quelques recherches. Un  thème guerrier en même temps que funèbre m’est venu en tête. J’ai composé un premier morceau. 6 ans plus tard, j’ai augmenté la composition, lui donnant une forme plutôt épique, mais qui correspondait néanmoins à mon état d ‘esprit. C’est un cri, qui peut alors prendre une forme universelle”.

 

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Le Retour d’Avishai Cohen

Avishai Cohen est de retour en formation trio, avec, au piano, Nitai Hershkovits, et à la batterie, Daniel Dor. Ensemble, ils viennent d’enregistrer From Darkness et sont à l’Olympia pour un concert (complet) le 1er avril. Le compositeur et contrebassiste israélien, âgé aujourd’hui de 45 ans, est sans aucun doute un artiste parvenu à la maturité de son art.

Tout avait commencé au début des années 1990 quand il “s’est lui-même invité aux États-Unis”, comme il me le raconte dans un entretien à Paris. Avant lui, d’autres musiciens israéliens y avaient séjourné, mais son parcours a permis de bâtir un pont entre New York et Tel Aviv qui assure désormais des circulations régulières entre les deux capitales : “Jazzeltov !” titre ainsi Jazz Man en publiant en avril 2009 un article sur les artistes israéliens présents ou de passage à New York.

Avishai obtient d’abord une bourse pour étudier à l’école de jazz de la New School, fondée en 1986. Un choix que fera également le trompettiste Roy Hargrove, qui appartient à la même génération, puis Brad Mehldau ou encore Robert Glasper. L’une des caractéristiques de cette école est de ne faire appel qu’à des praticiens pour enseigner. L’autre est d’avoir été fondée par deux Juifs de Brooklyn, David C. Levy, historien d’art, muséographe et musicien, et le saxophoniste Arnie Lawrence. J’interroge Avishai sur cette proximité des cultures juives et africaines-américaines : “Il y a des expériences communes, une existence compliquée, des souffrances. Mais je n’aimerais pas dire que c’est cela qui conditionne la réussite culturelle, en particulier musicale. Il y a, incontestablement, un lien fort avec le monde, une volonté de porter quelque chose de singulier dans son expression, mais qui a vocation être partagé par le plus grand nombre, à être diffusé partout”.

Sur la scène new-yorkaise, Avishai multiplie les gigs avec des étudiants ou avec des légendes du jazz.  Les rencontres avec Danilo Perez puis Chick Corea sont décisives. Il obtient alors un visa qui lui permet de séjourner et de travailler aux États-Unis.

Il y développe un sens de la performance scénique qui va être déterminant dans le style qu’il va adopter. L’écriture et l’enregistrement d’un CD sont bien sûr essentiels, mais ils ne contraignent pas le jeu du concert public, qui va ajouter “une dimension visuelle”. À l’évidence, l’énergie d’Avishai Cohen est spectaculaire, sans pour autant minorer le rôle de son pianiste et de son batteur.

avishai2452Avishai Cohen (Patrizio Gianquintieri)

“Les musiciens avec qui je joue aujourd’hui ont l’âge que j’avais quand j’étais membre du sextet de Chick Corea. Shai Maestro était encore plus jeune. Je crois beaucoup à cette idée de travailler ensemble sur la durée, et de mettre à profit leur technique – de plus en plus développée –  au service de la création musicale.”

Neuf ans se sont écoulés entre Gently Disturbed et From Darkness, deux albums en formation trio. Entre-temps, Avishai, qui avait commencé à chanter dans le Rock band qu’il avait créé à New York, s’est pris au jeu. À la grande surprise de ses parents ou de ses proches, en Israël, il s’est mis à écrire et à chanter des textes en hébreu. La musique peut cependant s’inspirer de chants arabes, ou revitaliser le ladino, la langue créée par les rabbins espagnols pour traduire et enseigner les textes sacrés hébreux. “J’ai été encouragé à chanter par Bobby McFerrin. Dans ce registre, comme de manière générale, j’aime me donner la sensation d’être au bord de la falaise.”

Cette position rappelle celle de Charles Chaplin quand, dans Les Temps modernes, il fait du patin à roulettes dans un grand magasin en risquant à tout moment de tomber dans le vide. Ce n’est pas un hasard si Avishai Cohen interprète Smile dans un CD qui alterne avec grâce les atmosphères, les rythmes et les places respectives en leader des membres du trio.

 

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Pedrito Martinez, révélation de Jazz à Juan

S’il y a bien une révélation dans l’édition 2014 de Jazz à Juan, c’est le percussionniste cubain Pedrito Martinez. Il avait certes donné un long entretien l’automne dernier à Mundo Latino, mais il est encore relativement inconnu alors que, depuis son installation à New York, en 2000, sa carrière a connu une ascension fulgurante.


Pedrito Martinez, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Il ne faut pas chercher bien loin la raison pour laquelle Martinez est devenu musicien. Enfant, dans le quartier de Cayo Hueso, à La Havane, il habitait juste en face du Palacio de la Rumba. Il y a vu, me raconte-t-il,  des groupes “historiques” comme l’Orquesta Aragón. Or, à Juan, il passait après lui sur scène et c’était plaisant de le voir en coulisses écouter ces musiciens et ces chanteurs qui préservent l’héritage d’une musique populaire, et le partagent avec d’autres générations (c’est le cas, en particulier, du flûtiste Eduardo Rubio, un atout majeur).

Martinez a appris à jouer dans la rue et n’a pas réussi à bénéficier d’une éducation musicale, “parce qu’il n’avait pas”, me dit-il, “les connections qu’il fallait”. Il a rencontré des légendes cubaines, Tata Guines et Munequitos de Matanzas, avec qui il chante et joue des percussions. En 1998, il est invité au Canada par Jane Bunnett, et tourne avec son groupe, Spirits of Havana. Deux ans plus tard, il gagne le concours du Thelonious Monk Institute qui, pour la première fois, accueillait une section “Afro Latin Jazz Hand Drum”. Décision prise : son nouveau foyer sera les États-Unis, et, en particulier New York. Pedrito Martinez s’y fait connaître en jouant plusieurs soirs par semaine au restaurant-club le Guantanamera, situé Mid-Town.

Il se produit également avec Paquito D’Rivera, Eddie Palmieri, Arturo “Chico” O’Farrill, mais aussi Cassandra Wilson, Joe Lovano, ou même Sting. Wynton Marsalis le repère très vite et l’invite régulièrement au Lincoln Center, à New York. Il est également l’un des hôtes réguliers d’un nouveau club ouvert récemment dans le quartier de Meatpacking, le  Subrosa. Son groupe comprend le percusssioniste Jhair Sala, originaire de Lima (Pérou), le bassiste électrique Alvaro Benavides, de Caracas (Venezuela) et la claviériste et chanteuse Araicne Trujillo, originaire de Cuba. Tous ensemble, ils en imposent par leur énergie et leur entente. Martinez, un temps tenté par la boxe puis le judo, rappelle un peu Trombone Shorty par son allure très athlétique. La puissance de son jeu nécessite même, sur son deuxième jeu de congas, frappé des deux côtés et à l’horizontale, que Jhair Sala les maintienne manuellement en équilibre, tandis qu’Alvaro Benavides centre le micro .

Jhair Sala, Pedrito Martinez et Alvaro Benavides, Juan, 19 juillet 2014 (Jean-Philippe Marty)

Ce qui est particulièrement frappant avec Pedrito Martinez, c’est qu’au jeu déjà compliqué des percussions s’ajoute un chant auquel il accorde une importance égale. Il le fait langue lucumí, originaire des terres Yoruba, au sud du Niger, un dialecte parvenu à Cuba lors de la traite des esclaves. Dans la maison où il vit à Union City, dans le New Jersey, avec sa femme, sa fille (présente à Juan) et ses parents, une pièce est dévolue comme sanctuaire aux divinités Santeria. La rumba y prend ainsi une autre dimension, et cela se ressent sur scène.

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Jason Moran, matière et mémoire

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Dans son dernier album, Ten, Jason Moran, que j’avais longuement interviewé en 2009 à Nice, a confirmé la place centrale qu’il occupe désormais sur la scène new-yorkaise, observable par sa présence régulière dans les grands clubs de la ville, les nombreuses collaborations qu’il suscite ou qui lui sont proposées et ses incursions sur des terrains aussi divers que le cinéma, l’art vidéo, les arts plastiques ou l’enseignement.

Mais ce qui est particulièrement remarquable chez ce jeune artiste (36 ans), c’est sa volonté de tenir ensemble plusieurs exigences : se réapproprier les sources du jazz, chercher des voies de renouvellement dans son travail de composition, ouvrir  son inspiration vers d’autres formes de musique, comme le rap.

Pour ce nouvel album, qui aura nécessité quatre années de maturation, et qui a été élu meilleur album de l’année 2010 par le New York Times, la préoccupation de l’héritage et de la transmission domine, avec le souci constant d’inscrire le jazz dans la mémoire vive de la société américaine comme dans la matière panistique des compositions.

Jason Moran en enregistrement, New York,  septembre  2009, studio avatar, photographie Christian Delage.

Dans « Old Babies », on peut entendre, en fond sonore, les voix de ceux qui ont inspiré Moran, ses deux jeunes fils jumeaux, Jonas et Malcom, un peu comme Stevie Wonder l’avait fait avec sa fille dans « Isn’t she Lovely »

« Play to Live » est un hommage posthume à son maître, Andrew Hill, avec qui il a rédigé ce morceau, et qui est décédé d’un cancer en 2007. On retrouve également Thelonious Monk, dont l’écoute de « Round midnight », par l’adolescent Moran, avait déclenché la passion du jazz, dans la reprise de « Crepuscule with Nelly ». Enfin, Moran cite des samples de guitare de Jimi Hendrix provenant de son premier et fameux concert aux États-Unis, donné en 1967 lors du festival Pop de Monterey.

En formation de trio avec le bassiste Tarus Mateen et le batteur Nasheet Waits, Jason Moran et son « Bandwagon » célébrent surtout la culture africaine-américaine.

« Blue Blocks », qui ouvre l’album, provient de « Live: Time », une pièce commandée par le Musée d’art de Philadelphie,  à l’occasion de l’exposition de tapisseries organisée en 2008 par le Gee’s Bend, un collectif de femmes descendant de familles d’esclaves qui travaillaient sur des plantations en Alabama. Tout au long du vingtième siècle, ces « quilters » ont contribué à la vitalité de l’art populaire américain et protégé la culture de leur communauté :

« RFK In The Land Of Apartheid » est le thème principal de la musique composée par Moran pour le documentaire du même nom réalisé en 2009 par Larry Shore et Tami Gold :

Le film retrace le voyage effectué par le jeune sénateur Robert F. Kennedy en Afrique du sud en 1966 et le discours tenu contre l’apartheid, « Ripple of hope » :

Kennedy avait alors exalté les liens entre le mouvement des droits civiques aux États-Unis et la lutte des militants emmenés par Nelson Mandela contre l’apartheid.

Enfin, avec « Nobody », Moran fait revivre la figure d’un des plus fameux pionniers de l’art du minstrel show, Bert Williams. Sa version de « Nobody », enregistrée en 1913, a gardé toute sa fraîcheur,


tout comme l’un des films que la Biograph lui avait permis en 1916 de mettre en scène et d’interpréter, Natural Born Gambler.

Cette mémoire est revitalisée dans la matière des compositions de Moran. Il lui importe toujours que la mélodie, qu’elle soit originale ou inspirée d’un standard, soit clairement audible, et qu’elle ne se dissolve pas dans les variations ou l’improvisation. Ce qui ne l’empêche pas, bien au contraire, de renouveler constamment l’écriture jazzistique et d’avoir formé un style de jeu qui lui appartient singulièrement.

Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter et de comparer les deux versions qu’ils proposent du même thème, « Study No. 6 », où, tout en conservant la mélodie, clairement reconnaissable, ils procèdent à une véritable recréation.

À la volonté de ne pas séparer héritage et création correspond le souci de s’adresser à d’autres publics que ceux du jazz, ou, tout simplement, de partager la musique qu’il pratique avec ce qui a formé son oreille quand il était jeune. « One of the problems of trying to combine the forms is that jazz is really built on improvisation and hip-hop is really built on that beat, explique-t-il à Gabe Melin. If we got rid of some of the powerful elements of each of the forms, and reduced it to its purity, then we can try to find some common ground. ». Une manière de dire que, par-delà les genres de musique, l’instrument lui-même choisi par Moran, en l’occurrence le piano, possède ses propres contraintes, dont il faut savoir se jouer en travaillant le toucher et le tempo.

Étant donné son goût pour l’art contemporain et pour le mélange de la musique avec la vidéo, la peinture et l’archive sonore, photographique et visuelle, on pourrait caractériser le travail de création de Moran par la déstructuration qu’il pratique volontiers. Cependant, sa « modernité » n’est jamais affichée contre l’héritage du jazz. Sur son piano, se trouve souvent posé un MP3 et il lui arrive de s’arrêter en plein concert, pour faire entendre une archive semblant dater des débuts du blues, parfois un vieux standard, parfois un simple extrait chanté, qu’il travaille ensuite en écho et en répétition, avant de se l’approprier avec ses musiciens et de partir sur ses propres combinaisons. Récemment, dans le cadre du Harlem Jazz Shrines Festival, il a samplé un fragment de mélodie avec des rythmes provenant de la Motown, de la House et du Hip-hop.