Archives de catégorie : Notes

Il était une fois "Les Supremes"

Les Temptations et les Supremes étaient pour la première fois présents sur la scène de Juan-les-Pins. Après les années 1970 à Nice, avec Earth, Wind & Fire, la nostalgie se reporte ainsi sur la décennie précédente. Les deux premiers groupes ont connu des succès très importants – en particulier les Temptations, mais se sont surtout caractérisés par leurs recompositions successives, qui font des artistes qui les représentent aujourd’hui davantage des héritiers que des grands anciens.


The Supremes and The Temptations, Juan, 13 juillet 2013 (photos Jean-Philippe Marty)

S’il y a eu des tensions au sein des Temptations, pour savoir qui serait le Band ou le Voice Leader, celles-ci ont pris une dimension particulière pour les Supremes, dont l’image fixe ou animée rend bien compte.

C’est en 1961 que Berry Gordy, le fameux patron de la Tamla Motown, signe le groupe des Supremes, nom que l’une des chanteuses, Florence Ballard, suggère au Boss. Ballard, Diana Ross et Betty Travis, forment certes un trio, mais c’est Diana Ross qui chante, et le Call and Response ne va fonctionner que rarement entre elles.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=iDPjYZxi0n8[/youtube]

Très vite, la vidéo enregistre les modifications de la place de chacune sur scène. Diana Ross est au premier plan, ses deux collègues en quasi position de de choristes. Le succès est au rendez-vous dès 1964, avec l’album classé n°1 “Where did our love go”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=izzKUoxL11E[/youtube]

Trois ans plus tard, le groupe devient Diana Ross & the Supremes. Ballard est remplacée par Cindy Birdsong.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=PhxUmjVQNtI&list=RD02ixEOMB6jyEE[/youtube]

Après plusieurs albums avec les Temptations, Diana Ross s’en va. Le trio est désormais composé de Mary Wilson, Cindy Birdsong et Jean Terrell et d’autres artistes au fil du temps.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=UaYHRx9-v2M[/youtube]

Dans une Amérique où la communauté africaine-américaine luttait pour les droits civils, l’image un peu fabriquée par Berry Gordy des trois femmes affichant leur entente, leur solidarité, y compris face aux groupes masculins, s’estompe progressivement. La jalousie née du succès de Diana Ross, et les biographies assez vachardes de cette dernière et de Mary Wilson brouillent leur réputation auprès des Américains. D’autres figures s’imposent davantage, comme Aretha Franklin.

Le tour actuel des “Ladies Formerly of the Supremes” suscite davantage une curiosité bienveillante qu’un réel intérêt musical. C’est comme si un wagon avait été ajouté au Soul Train. Reste le plaisir de voir sur scène, ensemble, les Temptations et les Supremes. Pour ceux qui aiment l’histoire de la Motown, c’est une bonne manière de se préparer à aller voir le Musical qui a commencé à Broadway en mars dernier, et qui raconte l’histoire du fantastique label de Detroit.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=An_r_D2HM5Q[/youtube]

Omer Avital/Shai Maestro, de Tel-Aviv à New York

Quoique d’une génération différente, Omer Avital, 42 ans, et Shai Maestro, 26 ans, ont connu des parcours assez semblables, des premières études musicales en Israël à l’expérience et la maturation artistiques à New York. Les voir et les écouter successivement sur la scène du Théâtre de Verdure de Nice, en attendant Avishai Cohen à Juan, montre à la fois la vitalité de l’école israélienne du jazz, son rayonnement international et sa diversité.

Omer Avital, Nice, 11 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

Il suffit de donner les noms de certains des CD qu’Omer Avital a enregistrés pour saisir l’esprit de sa musique (Think With Your Heart, 2001), Free Forever, 2011), et pour être sûr que c’est un artiste dont la générosité se nourrit d’une vraie conscience politique. En lien avec son dernier CD, Suite Of The East (2012), le contrebassiste a formé un nouveau groupe, The Band Of The East, dont les influences proviennent entre autres d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Avec Gregory Tardy, Jason Lindner, Daniel Freedman et Nadav Remez, leur répertoire mélange donc des inspirations arabo-juives, sans doute facilitées par les origines yéménites et marocaines d’Avital. Sur scène, cela donne, grâce, entre autres au trompettiste Avishai Cohen, une fusion très entraînante, colorée et communicative, qui n’est pas sans rappeler l’univers musical d’Ibrahim Maalouf.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=ts2HyDFVsnQ[/youtube]

De son côté, après avoir été le pianiste d’Avishai Cohen (le contrebassiste) et participé au succès international de ce dernier, Shai Maestro a sorti son premier CD en avril dernier (Shai Maestro Trio), en compagnie Jorge Roeder (basse) et Ziv Ravitz (Batterie).

Shai Maestro, Nice, 11 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Rigueur et concentration sont les exigences communes de ce trio, d’une incroyable précision dans le toucher de l’instrument. Le jeu semble provenir d’une éducation classique. La matière, souvent épurée, ne rejette pas l’apport mélodique.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=pFDCEMs5Fc0[/youtube]

Ces deux groupes, tout comme la plupart des artistes présents à ce festival, figurent parmi ceux que le Duc des Lombards soutient au fil de l’année à Paris, et qui sont également présents sur TSF. Avec Éric Legnini, Robert Glasper, Stéphane Belmondo, Esperanza Spalding (qui a donné un véritable concert/récit, à la manière d’un Radio Music Show) et d’autres (comme Lianne La Havas, forte présence scénique), ils ont permis à cette première édition, sous la direction artistique de Sébastien Vidal, de satisfaire pleinement l’amateur de jazz.

Eric Legnini, Robert Glasper, Esperanza Spalding et Lianne La Havas, Nice, juillet 2013

(photos Jean-Claude Pouget et Jean-Philippe Marty)

Le chant de Youn Sun Nah résiste à la puissance de feu des C2C

Quand le festival de jazz de Nice se déroulait à Cimiez, les artistes (et les auditeurs) se plaignaient régulièrement des problèmes d’acoustique dus à la tenue simultanée de plusieurs concerts sur des scènes proches les unes des autres. Sur le nouvel espace du festival, ces problèmes sont bien moindres et l’on peut apprécier l’intimité du théâtre de Verdure sans être dérangé par le son plus amplifié de la scène Masséna. Sauf quand une chanteuse en formation de quartet se trouve en concurrence avec les quatre platines des C2C.


You Sun Nah et le contrebassiste Simon Tallieu, Nice, 10 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

À quelques heures de son concert, You Sun Nah s’inquiète donc de cet éventuel conflit sonore. Je la rassure en lui disant qu’il y a au moins 30 à 45 minutes entre le début de son récital et l’arrivée sur scène des C2C. Le soir venu, ce sera fascinant de voir comment elle réussit immédiatement à occuper l’espace du théâtre de verdure, en captant l’attention du public, et en concentrant son attention pour que, le moment venu, il ne soit pas distrait, quoique gêné, par le bruit du public massé sur l’autre espace et des mix des C2C.

You Sun Nah, Nice, 10 juillet 2013 (photos Jean-Louis Neveu)

You Sun Nah partage sa vie professionnelle entre son pays natal, la Corée du Sud et sa terre d’accueil, la France. Quoique remarqué par Wynton Marsalis, elle n’a pas, pour l’instant, cédé à l’attraction de New York. Elle chante en anglais, parfois en français et, à l’occasion, dans la langue de son pays. Mais elle peut tout aussi bien s’emparer du portugais ou de l’espagnol, juste par intérêt pour le fado ou le flamenco.

Derrière son apparence fluette, ou sa façon un peu mièvre de se présenter, se cachent une volonté et un tempérament très affirmés. Sa voix, dont la tessiture rappelle parfois celle d’une cantatrice, lui permet à la fois de tenir longtemps une note, de passer du registre grave à l’aigu sans difficulté, de la douceur de la mélodie à la violence du cri, de textes très écrits à l’émission de bruits, voire d’éructations, le tout dans des changements inopinés de style. You Sun Nah surprend toujours son auditoire et c’est sa manière bien à elle de se l’approprier.

Vous avez trouvé, avec le guitariste Ulf Wakenius et l’accordéoniste Vincent Peirani, deux musiciens hors pair pour vous accompagner.

Vincent Peirani et Ulf Wakenius, Nice, 10 juillet 2013 (photos Jean-Philippe Marty)

Vincent, je l’ai rencontré il y a plus de dix ans quand j’avais monté un groupe avec les amis de l’école de jazz de Paris, le CIM. Il faut dire que nous, Coréens, adorons l’accordéon, je ne sais pas pourquoi. Je l’ai retrouvé plus tard. À l’époque, il tournait déjà pas mal et il jouait avec de grands musiciens, comme Michel Portal. Je crois que, dans cette petite formation où il m’a rejointe, les gens, même les journalistes, l’ont vraiment découvert. C’est quelqu’un d’assez lyrique. Il avait besoin d’un peu d’espace, je pense, tout seul. Ulf, c’est pareil, c’est un guitariste, mais quand il fait des solos, ça chante.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=-GZTyVraYJo[/youtube]

Comment avez-vous découvert le jazz et avez décidé que ce serait votre univers artistique ?
J’ai choisi de faire du jazz, mais je n’avais jamais entendu cette musique avant de venir en France. J’ai dû apprendre à en connaître l’histoire, à savoir qui est Miles Davis… Outre les écoles que j’ai suivies, où l’on apprenait les standards, la scène a très vite été importante. Mais j’avais le sentiment que c’était un peu volontariste. Avec le temps, j’ai tenté des choses, développé un goût. Quand je suis en Corée, je prends des cours de chant avec ma mère, qui est une artiste lyrique. Mais c’est moi qui ai introduit le jazz dans l’univers de mes parents. J’aime désormais venir avec des musiciens européens, pour voir ce que cela provoque comme rencontre dans mon pays.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=1oQn_ND96tE[/youtube]

« Shenandoah », c’est loin, très loin de votre culture ?
J’ai découvert cette chanson en Corée, j’avais 5 ou 6 ans. C’est mon père qui avait repris ce thème pour des voix d’hommes. Je ne savais pas ce que c’était, quelle était la langue, mais cela m’a beaucoup plu. Puis, beaucoup plus tard, j’ai entendu Keith Jarrett le jouer au piano.

Vincent Peirani l’a repris également sur son dernier CD. Il vous a copié ?
Exactement, oui. Il faut que je lui dise… En fait il m’a demandé s’il pouvait le reprendre, et j’ai dit : bien sûr!

Vincent Peirani, Nice, 10 juillet 2013 (photo Jean-Claude Pouget)

J’ai noté que vous avez repris la « Chanson d’Hélène » que l’on entend dans Les Choses de la vie, le film de Claude Sautet.
Oui, quand je l’ai entendu pour la première fois, j’ai pleuré. Puis j’ai vu le film, et ce mélange de légèreté et de gravité m’a beaucoup plu.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=VsWZcwPL7-Q[/youtube]

C’est Romy Schneider qui l’interprète, mais il y a également Michel Piccoli et ils forment ainsi un duo.
Figurez-vous que j’ai écrit à Michel Piccoli pour lui demander de venir en studio réenregistrer avec moi. Il m’a répondu, par une lettre manuscrite, ce qui m’a vraiment touchée, mais pour me dire qu’il ne pouvait pas le faire.

Jon batiste ouvre le festival de Nice


Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Claude Pouget)

Le Nice Jazz Festival 2013 s’est ouvert sans crier gare, après l’annonce un peu anticipée de l’arrivée du premier artiste invité, lequel a d’ailleurs inopinément surgi du haut des marches du théâtre de verdure, alors que les spectateurs commençaient juste à s’asseoir et que les photographes étaient massés en bas du podium. Une surprise bien dans le style de Jon Batiste et de ses musiciens du Stay Human Band, toujours désireux de casser un peu le rituel des concerts.


Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

Ce fut néanmoins une véritable entrée de scène, en France, après trois soirées passées dans l’intimité du Duc des Lombards, et la qualité d’un son alors presque acoustique. Le public a immédiatement apprécié ces jeunes Américains venus devant et auprès d’eux, comme pour colporter un grand récit né en Louisiane, et pourtant étonnamment proche des goûts et des univers musicaux actuels.

Batiste défend l’idée d’une « Social Music », ajoutant au professionnalisme de son groupe un sens aigu de la communication avec le public. Il aime l’idée que sa carrière se bâtit sur le bouche-à-oreille, les premiers auditeurs entraînant les suivants et favorisant ainsi  l’émergence d’une sorte de grande famille, à l’image de celle au sein de la quelle il a grandi, à La Nouvelle-Orléans, qu’il côtoie là où il travaille, à Harlem, et qu’il rencontre, au long de ses tournées nationales et internationales.

Ce souci de l’autre, fondé sur l’échange, le partage, le lien social, l’a poussé à participer à la vie du Jazz Museum de Harlem, avec un autre artiste, Christian McBride. Le jazz est certes au carrefour de son activité artistique, mais n’est pas la seule musique qu’il pratique. Sa propre expérience se nourrit des apports et des attentes des uns et des autres.

Vous tournez pour la première fois en Europe avec votre groupe. Quelles sont vos impressions ?
Partout, l’accueil est très chaleureux. À Nice, j’étais venu une fois, j’avais seulement 17 ans. Le fait de faire l’ouverture du festival aujourd’hui me ravit. Cependant, je ne suis pas dans l’état d’esprit de chercher à obtenir des scènes de plus en plus grandes, ou de plus en plus prestigieuses, qui correspondraient à l’évolution de ma notoriété. Je souhaite me produire dans toutes sortes d’endroits, sans exclusive.

Il est vrai que vous jouez aussi bien dans l’annexe paroissiale d’une église de Harlem, dans le métro de New York, dans la rue, comme par exemple dans le Lower East Side.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=RV86-W01h5w[/youtube]

Oui, j’essaie de maintenir l’esprit de la parade que nous pratiquions à La Nouvelle-Orléans. En marchant dans la rue, ou en descendant dans le métro, vous attirez à vous des gens qui ne sont pas forcément connaisseurs du jazz, mais qui sont sensibles à l’événement collectif que représente le fait de jouer ensemble et au milieu d’eux.

Vous alternez des reprises de standards, comme le bien nommé Sunny Side of the Street et des compositions originales. J’ai été très frappé par votre interprétation du St. James Infirmery Blues que Louis Armstrong avait popularisé en 1928.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_Imhau2AmVo[/youtube]

Oui, je crois que la modernité du jazz, c’est sa capacité à être réactivé dans l’instant présent. Je m’approprie des vieux standards, des chants traditionnels, parce que c’est ce qui m’a été donné à entendre quand j’étais enfant. Les gens peuvent les reconnaître ou non, et je les mélange avec des créations s’inspirant des musiques actuelles, auxquelles le public peut également s’identifier. Avec Stay Human, nous jouons toutes sortes de musiques, mais bien sûr, mon domaine d’élection, c’est la musique américaine, où je considère que le jazz occupe une position centrale,  il en est la pierre angulaire. D’autre part, je suis moi-même en position de médiation, c’est le travail d’éducation que je fais au quotidien au Jazz Museum.

Vous quittez souvent le piano pour vous emparer de votre humanoboard, rejoindre vos musiciens, jouer de leur instrument ou partager le vôtre.


Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Oui, vous savez, on se connaît depuis longtemps. Avec Joey Saylor, le batteur, cela fait dix ans que nous travaillons ensemble. Nous nous sommes rencontrés à la Juilliard, où il y avait non seulement les départements piano, saxophone, violon, mais des jeunes qui venaient du Japon, d’Israël, de Russie, et où jazz et musique classique, par exemple, n’étaient pas séparés ou opposés. Je me mets parfois à la batterie, mais il arrive également que l’on se retrouve tous ensemble autour du piano.


Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

J’ai noté que vous chantiez de plus en plus dans vos shows.
Oui, et d’ailleurs je vais bientôt danser.

Vraiment ?

Oui, en fait si on veut être soi-même, comme artiste, tout en revendiquant l’héritage de la musique qui nous a construits, il faut pouvoir s’affirmer dans tous les registres, ne pas être dans l’imitation des grands anciens. J’aime l’idée d’“Entertainment“. C’est ce que je veux développer.


Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

SUNSET BOULEVARD


Stéphane Portet devant l’entrée du Sunset (DR)

Dans la rue des Lombards, outre le « Duc », il y a le Baiser salé et le Sunset-Sunside. Ces clubs, avec d’autres, tous franciliens, se sont regroupés dans une association, Paris Jazz Club, qui conduit des actions pour favoriser et élargir l’accès du public aux concerts qu’ils organisent dans ou hors leurs murs.

Il faut une énergie et une disponibilité sans faille pour maintenir ces lieux ouverts à la création jazzistique et à un public fidèle. J’ai récemment rapporté le choix fait par le Duc des Lombards, déjà impliqué dans la programmation de la chaîne de radio TSF, de concourir – avec succès – à l’appel d’offres lancé pour assurer la direction artistique du Nice Jazz festival pour mieux asseoir sa pérennité.

Le Sunset-Sunside préfère, quant à lui, se concentrer sur ses activités quotidiennes. Créé en 1982, et repris en 1993 par Stéphane Portet, le club, particulièrement soucieux de repérer, d’accueillir et d’accompagner en permanence les jeunes générations d’artistes, a multiplié les initiatives pour populariser le jazz, sans négliger de s’ouvrir à d’autres courants musicaux contemporains (folk, soul, blues, world music).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=Obl8oBCZLe4[/youtube]

La situation est cependant difficile : malgré une mailing-list de 30 000 personnes, et une bonne visibilité en radio ou dans la presse, les habitudes du public, sa composition et la fréquence de sa venue ne cessent d’évoluer. Au début des années 1990, nous rapporte Stéphane Portet, la jauge ordinaire de remplissage du club était de 80%. Elle est passée aujourd’hui aux deux-tiers. A l’époque, la moitié des clients était de passage, mais désormais c’est seulement 20% d’entre eux qui viennent sans connaître le programme. Cela indique néanmoins que 80% choisissent le concert qu’ils viennent écouter. Le Sunset-Sunside se distingue encore par l’offre d’un seul concert en soirée, découpé en deux sets. Mais les auditeurs sont également moins enclins à venir ou à rester tard, et seuls quelques-uns assistent au « troisième set », celui qui se prolonge dans la nuit et permet souvent l’éclosion de moments exceptionnels.

Si, par choix, Stéphane Portet aime à faire découvrir de nouveaux talents et à les suivre dans leur carrière, il aime bien sûr continuer à attirer ceux – ils sont peu nombreux – qui sont capables de remplir de grandes salles sur leur nom. Si Avishai Cohen revient, par fidélité, il est désormais plus difficile de compter sur Brad Mehldau, dont l’agenda, très chargé, la réputation internationale, et l’entourage professionnel lui font plutôt choisir des lieux comme Pleyel, qu’il remplit régulièrement.

Grâce à ses deux salles, Stéphane Portet peut simultanément offrir de la musique acoustique et des concerts amplifiés, la taille du piano (au rez-de-chaussée) ayant décidé de la différenciation du Sunset (120 places) et du Sunside (100 places). Mais, depuis quelque temps, le club s’est déplacé hors les murs, organisant des concerts dans des salles comme le Trianon et, de manière plus inattendue, à Roland-Garros. À l’étage du Tenniseum (le musée du tennis), se trouve un très bel espace, pourvu d’une acoustique excellente, où le Sunset produit toute l’année des concerts, en particulier pendant la quinzaine du tournoi du Grand Chelem. Le prochain, le 27 mai, accueille Kyle Eastwood, tandis que le lendemain, 28 mai, toujours à 21h, verra le pianiste Baptiste Trotignon rendre hommage à West Side Story.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=lAN5GQNQTAY[/youtube]

Stéphane Portet avait un temps caressé le projet de créer un club à Brooklyn. Si Paris reste la deuxième capitale du jazz après New York, en réussissant à la fois à promouvoir les artistes français et à recevoir les jazzmen américains (et on sait combien certains ont bénéficié d’un accueil enthousiaste en France, comme, récemment, Gregory Porter), c’est grâce au travail de ces clubs qui méritent bien que l’on exhausse le nom de la rue des Lombards à celui de « Sunset boulevard ».

JAZZ AU CINÉMA

Chet Baker dans Let’s Get Lost (Bruce Weber)

Ce week-end, à Paris, se tient un festival inédit de films inspirés par, ou consacrés au jazz, dans les cinémas MK2.

Les noms des compositeurs sont ainsi, pour un soir, placés devant ceux des réalisateurs : Quincy Jones (Dans la Chaleur de la nuit, Norman Jewison), Krysztof Komeda (Le Couteau dans l’eau, Roman Polanski), Bruno Regnier (L’Inconnu, Tod Browning).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=fpSP_a5XdNQ[/youtube]

Dans certains cas, comme pour Jean-Pierre Melville, c’est la passion pour le jazz qui est mise en avant, autour de sa ville-phare, New York (Deux hommes dans Manhattan).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=EFuhPdII32c[/youtube]

Le Festival, parrainé par Quincy Jones, Ibrahim Maalouf et Bertrand Tavernier, offre également, grâce à Serge Bromberg, une soirée spéciale de « Retour de flamme » et, à travers John Zorn, une programmation rare de films indépendants dont le saxophoniste a signé la bande originale (The Nobel Prize Winner, de Timo Weltkamp, 2010, ou The Rain Horse, de Dimitri Geller, 2007).

Il y aura également des concerts filmés, dont certains, uniques, sortent des collections de l’INA, d’où Pascal Rozat les a exhumés.

Après être sorti de l’École normale supérieure, et avoir réussi le concours de l’agrégation d’histoire, ce dernier a réussi à allier sa passion du jazz au goût de l’archive, comme il nous le raconte dans l’entretien qu’il nous a accordé :

Comment êtes-vous passé de l’enseignement de l’histoire à l’INA ?
J’avais soutenu en 2005 un mémoire de Master qui portait sur l’histoire du jazz en RDA et en RFA. En 2008, j’ai été repéré et recruté en tant que conseiller par Emmanuel Hoog, qui dirigeait alors l’INA, et qui connaissait par ailleurs mon intérêt pour le jazz. Outre les tâches que j’effectuais auprès de lui, j’ai été chargé de valoriser les fonds image et son que l’INA possédait sur le jazz. Explorer les archives télévisées fut assez faciles, car les 600 heures disponibles étaient déjà numérisées et décrites dans leur quasi totalité. Pour la radio, c’était un peu plus compliqué, car la numérisation est moins avancée, et la documentation nous fait souvent défaut. Heureusement, nous disposons pour nous orienter d’une base de données très précise réalisée à partir des notes manuscrites laissées par le producteur André Francis.

Quelles sont les pépites que vous avez trouvées ?
Les joyaux du fonds télé sont sans aucun doute la prestation de Coltrane à Antibes en 1965 et l’émission solo de Thelonious Monk en 1969, toutes deux éditées dans le coffret Jazz Icons Series 5. Dans le premier cas, seuls les extraits effectivement diffusés ont été archivés, soit quarante minutes, les rushes n’ayant généralement pas été conservés. Pour Monk, à l’inverse, tout a heureusement été gardé, ce qui nous a permis d’ajouter près d’une demi-heure de musique et d’images entièrement inédites sur le DVD. Quant aux premiers concerts de Ray Charles à Antibes en 1961, projetés ce week-end et également parus en DVD, ils ont été reconstitués à partir d’extraits issus d’une quinzaine d’émissions différentes, remontés dans leur séquence d’origine en s’appuyant sur les bandes radio, qui, elles, ont été conservées dans leur intégralité.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=hI9JwClThYw[/youtube]

Avez-vous valorisé ces fonds uniques ?
Oui, dans la mesure où nous avons pu régler la question souvent épineuse des droits des interprètes. Tout d’abord, nous avons mis en ligne environ 200 heures de documents vidéo et audio sur Ina.fr, en streaming gratuit ou téléchargement. Ina Éditions a également publié plusieurs CD : “Jazz sur la Croisette”, dédié à l’unique Festival de jazz de Cannes, “Jazz aux Champs-Élysées”, à partir des émissions de Jack Diéval, et aussi un récital de Sarah Vaughan au Châtelet. Aujourd’hui, nous travaillons beaucoup en lien avec des partenaires étrangers, notamment américains : outre les DVD que j’ai mentionnés, produits par la société californienne Reelin’ In The Years, nous avons contribué aux récents coffrets Miles Davis chez Sony, et des discussions sont en cours avec d’autres acteurs.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=Z9frEN19Wr4[/youtube]

Dans le cadre du festival MK2, vous présentez quelques exemples de concerts filmés par Jean-Christophe Averty. Peut-on dire qu’il fut le seul à bien savoir filmer les musiciens?

Certainement pas le seul : rien qu’à la télévision française, il y a eu à partir de la fin des années 60 d’autres réalisateurs de jazz importants, comme Bernard Lion ou Marc Pavaux, l’ancien monteur d’Averty. Mais il est certain que ce dernier a su développer un style très particulier, qui s’exprime le mieux selon moi dans ses émissions en studio, comme celle de 1958 avec le Modern Jazz Quartet qui constitue l’un des sommets de la programmation de ce week-end. Il était donc naturel de lui rendre hommage pour cette première édition du Festival du jazz au cinéma. 

Stéphane Belmondo se souvient de Donny Hathaway

Stéphane Belmondo (photo Laurent Seroussi)

Le dernier CD de Stéphane Belmondo, en concert ce lundi 8 avril au Trianon, à Paris, frappe d’abord par la qualité et l’élégance de la mise en pages de la pochette, réalisée par Laurent Seroussi, qui avait déjà travaillé sur son précédent disque. Diplômé des Arts Décoratifs, Séroussi est à la fois photographe, réalisateur de clips et graphiste.

Ever After trouve sa source d’inspiration dans les quelques vinyles de la discothèque parentale de Belmondo produits par un artiste qui avait croisé le chemin du grand Yusef Lateef, avant que Stéphane et son frère Lionel n’en fassent de même : Donny Hathaway (1945-1979).

Une carrière courte, mais intense, marquée par la rencontre avec Roberta Flack, qui contribuera à inscrire dans la durée l’oeuvre d’un artiste disparu prématurément.

Élevé par sa grand-mère, qui lui apprend le gospel, Donny Hathaway est d’abord pianiste avant de se lancer dans une carrière de chanteur soul à Chicago, avec des titres comme « The Ghetto » ou « Everything is Everything ». La reprise, avec Roberta Flack, d’un titre de Carole King, « You’ve got a friend », le propulse au sommet des charts. Il renouvelle le succès avec « Where is Love ? », qui lui vaut un Grammy. Après une période de dépression, il compose « Someday We’ll All Be Free », puis « The Closer I Get To You », mais la maladie, plus forte que la reconnaissance acquise, finit par l’emporter. Beaucoup d’artistes se reconnaîtront en lui, comme Amy Winehouse, qui cite son nom dans « Rehab’ », mais aussi Marvin Gaye, reprenant “What’s Going On“.

Belmondo s’est également entouré de la chanteuse franco-camerounaise Sandra Nkaké, révélation de l’année aux Victoires du jazz 2012 qui, avec « Ever After », loin de son style habituel, semble parfaitement à l’aise dans un registre tout en intimité. Côté musiciens, on retrouve Jacky Terrasson, qui avait invité Belmondo sur son dernier CD, Gouache, l’ami d’enfance Thomas Bramerie, et les Américains Jonathan Blake (batterie) et Kirk Lightsey.

Kirk Lightsey, c’est à la fois la fondation de la Motown et l’école de la côte Ouest ? Vous étiez trop jeune pour avoir pu rencontrer Donny Hathaway, mais Chet Baker, vous l’avez connu à Paris ?

Oui, un soir, au Privilège, le club que Fabrice Emaer avait créé en dessous du Palace au début des années 1980. Le lendemain, Chet m’a invité au New Morning puis, après m’avoir présenté au public, a disparu pour me laisser seul sur scène. Une manière de me dire, ce qu’il a d’ailleurs fait : « tu fais partie du monde du jazz ». Quand il est revenu, je l’ai accompagné tandis qu’il chantait. Quelqu’un de très généreux, comme Yusef Lateef ou Éric Le Lann.

Ensuite, assez vite, vous êtes parti aux États-Unis puis vous y avez séjourné pendant quelques années.

Oui, j’ai eu la chance d’y aller à une bonne époque, j’y ai fait de nombreuses rencontres. Mais New York, c’est quand même une jungle, avec beaucoup d’artistes qui s’y installent tous les jours. Quand Brad [Meldhau] a démarré, il dormait sur son piano, au Smalls. Les choses ont vraiment changé après le 11 septembre.

Du Sud-Ouest, vous êtes monté à Paris, puis vous vous êtes retrouvé sur la scène de Carnegie Hall. Mais vous avez joué aussi dans les clubs de Manhattan, à une époque où les formations africaines-américaines étaient soucieuses de défendre leur identité.

Le jazz que j’ai d’abord aimé, c’est celui de la côte Ouest. Je savais par ailleurs, car Chet me l’avait dit, que beaucoup de musiciens américains se sont acclimatés aux cultures européennes. C’est le cas de Ben Webster, Dexter Gordon ou Bud Powell, et de leur aventure en Scandinavie, au Café Montmartre de Copenhague, où Chet a également enregistré. Je ne vois pas ainsi le jazz comme n’appartenant qu’à l’histoire américaine, et c’est encore plus vrai aujourd’hui.

Pourquoi avoir attendu jusqu’à maintenant pour rendre cet hommage à Hathaway ?

Je crois vraiment que les choses se font à un certain moment, pas par hasard, mais parce que c’est mûr.

Stéphane Belmondo (photo Laurent Seroussi)

Avez-vous donné des indications précises à Sandra Nkaké pour son timbre et son jeu ?

C’est vrai que ce qu’elle fait est différent de son travail habituel, qui est toujours inventif, et très personnel. Là, il faut tenir compte de la présence de Gregory, de celle des cordes, de l’équilibre entre chanteurs et instrumentistes. Je ne dirais pas que je dirige l’interprétation, mais je cherche à faire venir chacun vers l’autre.

Vous faites beaucoup de prises ?
En l’occurrence, nous avons presque toujours choisi les premières.

Avec un travail en studio après-coup ?
Mon complice Christophe Larrieu joue un rôle essentiel dans ce domaine. Le quatuor à cordes qui joue avec nous vient de Toulouse, où Christophe travaille au Capitole. Lors de l’enregistrement, nous avons travaillé la nuit, en particulier avec Sandra. Avec une règle commune : ne jamais forcer les choses, laisser venir, faire confiance au moment présent. Mon rapport à Donny Hathaway, c’est aussi un rapport à l’enfance, celle que j’ai vécue en écoutant les disques de mon père, que ce soit Ravel, les Bee Gees ou l’opérette.

Le Duc des Lombards aux commandes du Nice Jazz Festival, pour le meilleur.

Sébastien Vidal et André Ceccarelli, Nice, 18 mars 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

C’est le club Le Duc des Lombards, représenté par Sébastien Vidal, directeur de la chaine de radio TSF Jazz, qui a gagné l’appel d’offres lancé par la mairie de Nice l’été dernier pour assurer désormais la programmation artistique du Nice Jazz Festival qui se déroule chaque année au début du mois de juillet pendant cinq jours.

Créé en 1999 par Jean-François Bizot et Frank Ténot, TSF jazz, qui a comme actionnaires principaux le groupe Nova et Gérard Brémond (le patron de Pierre & Vacances), va donc désormais ajouter cette nouvelle responsabilité à la direction artistique du Duc des Lombards, qu’elle effectue depuis la reprise du club en 2007. Sébastien Vidal vient d’annoncer le programme du festival 2013 et nous en parle dans un entretien.

Comment en êtes-vous venu à candidater à la direction artistique du Nice Jaz Festival ?
Ce n’est pas à titre individuel que j’ai été choisi pour assurer la direction artistique du festival de Nice, mais en tant que directeur d’antenne de TSF. Plusieurs raisons nous y ont poussé. La première est d’ordre économique. Depuis que TSF a décidé de vivre de ses ressources publicitaires, ce qui s’est fait très vite après la création de la radio, nous avons pu stabiliser l’équilibre financier de la station, et assurer son indépendance. À côté de TSF, le Duc des Lombards génère un chiffre d’affaires tout petit et malgré les efforts faits pour rentabiliser au mieux le club, la rentabilité n’est pas encore au rendez-vous. Il nous faut optimiser les pertes. Associer un festival à la gestion d’un club et d’une radio renforce notre solidité et et notre présence.

D’autres radios ont fait un choix différent. Je pense à WBGO, à New York.
Oui, ils fonctionnent sur des abonnements et sur des appels quotidiens aux dons des auditeurs. C’est un équilibre fragile et surtout qui ne garantit pas la pérennité de la radio.

Comment vous êtes-vous préparé à cette candidature ?
Dès le mois d’août dernier, nous nous sommes réunis, nous étions une quinzaine, autour d’une conférence de rédaction, pour partager nos envies, laisser libre cours à notre imagination. En même temps, il nous fallait prévoir le programme des deux prochaines éditions, 2013 et 2014, soit le choix d’une soixantaine d’artistes, seuls ou en formation.

L’héritage est plutôt positif, avec le succès du déplacement du lieu du festival de Cimiez aux jardins Albert 1er et un tempo assez ramassé en cinq soirées.
Oui, il faut savoir gré au maire de Nice, Christian Estrosi, d’avoir tenté et réussi ce pari et de nous permettre de continuer l’expérience avec la même exigence. Notre idée a d’abord été de se demander si le public des amateurs de jazz niçois a été suffisamment pris en compte. Nous savons, grâce aux chiffres de l’audience de TSF à Nice, qu’il est assez important numériquement. Il nous a semblé normal de le considérer comme le premier public du festival, avant de se projeter sur une audience nationale et internationale.

Comment avez-vous conçu le programme et allez-vous modifier l’équilibre entre les deux scènes, Masséna et Théâtre de Verdure ?
Nous avons d’abord imaginé une autre répartition entre les cinq soirées, autour de thématiques différentes et dans un meilleur partage entre les deux scènes, où nous souhaitons réduire la différence entre Masséna, qui était plutôt « grand public » et le théâtre de verdure, considéré comme plus intime. Il s’agit de fluidifier et de favoriser le passage de l’une à l’autre scène, sans exclusive de type de musique ou de notoriété d’artistes.

L’été, les festivals de jazz se succèdent et parfois se superposent. Cela vous laisse-t-il une marge de manœuvre pour choisir les artistes ?
C’est assez simple. Ou bien nous obtenons, très en amont, l’exclusivité d’un artiste, que nous sommes les seuls à inviter. Ou bien nous obtenons la première date de sa tournée. Ou bien, enfin, Nice est l’une des étapes. En tout cas, nous nous refusons à dépenser du temps et de l’argent pour obtenir quelques unes des stars du circuit et céder à leurs exigences financières.

À TSF, et, à une échelle moindre, au Duc des Lombards, vous avez bâti, au fil du temps, des relations étroites avec certains artistes, dont vous suivez régulièrement la carrière. Cela va-t-il conditionner vos choix pour Nice ?
Les rapports que nous avons avec les artistes, c’est d’abord une question de génération. Ceux qui ont conçu la Grande parade, à Nice, dans les années 1960, étaient en phase avec les artistes de l’époque, même s’il y avait entre eux des différences d’âge. Nous, nous avons grandi en quelque sorte en même temps que les musiciens que nous connaissions progressaient dans la construction de leur carrière. Moi-même, j’ai d’abord été musicien avant de m’occuper de radio et de festivals. L’avantage de la proximité que nous entretenons avec la majorité d’entre eux, c’est de pouvoir les solliciter directement, sans intermédiaire, en tout cas pour les Français. Mais, dans le quotidien même des réunions de la rédaction de TSF, je n’impose pas toujours mes choix. Les goûts varient entre nous, comme pour le public.

Comment décririez-vous la composition du bouquet proposé à Nice cette année ?
Deux chiffres : 80% des artistes invités ont moins de 40 ans. 50% d’entre eux sont étrangers, dont, bien sûr, une majorité d’Américains. Mais, surtout, nous avons imaginé cinq émotions : la transe (Guillaume Perret, Christian Scott, Earth, Wind & Fire, Eric Legnini), le tempo (Stéphane Belmondo, Lianne La Havas, Ben Harper, Manu Katché, Robert Glasper) l’énergie (Kellylee Evans, John Legend, C2C, Stéphanie Chausse & Bertrand Lajudie, Gerald Clayton, You Sun Nah), le souffle (José James, Raphaël Gualazzi, Maceo Parker, Étienne M’Bappé, Omer Avital, Chick Corea) et la vibration (Tigran Hamasyan, Pedrito Martinez, George Benson, Shai Maestro et Esperanza Spalding).

Parmi les artistes également invités figurent André Ceccarelli, le parrain du festival et Jon Batiste, qui fera l’ouverture au Théâtre de Verdure : un beau signe du passage de relais entre les générations.

PS. Dans l’actualité immédiate, signalons la venue à Paris d’Enrico Pieranunzi, que nous avions suivi dans sa Master Class à Nice cet hiver. Il sera le samedi 23 mars prochain en formation trio, avec Darryl Hall (contrebasse) et Karl Jannuska (batterie) à Roland-Garros, pour un concert organisé par le Sunset/Sunside hors les murs. Une nouvelle occasion d’entendre le grand pianiste italien, dont le dernier CD sort simultanément, enregistré avec Marc Johnson et Paul Motian au Village Vanguard à New York. On y trouve, entre autres, un hommage à Federico Fellini, à travers deux morceaux intitulés “Fellini’s Waltz” et “La Dolce Vita” et une reprise de “My Funny Valentine” qui montre bien comment le pianiste aime à s’emparer de standards pour surprendre l’auditeur avec des interprétations très innovantes.

Le Big Band de Ceccarelli


André Ceccarelli (photo Jean-Louis Neveu)

C’est sur un ton très perecquien qu’André Ceccarelli, l’un des plus grands artistes français de jazz, s’adresse, dans la pochette de son dernier disque, à sa famille :

“Je me souviens comme si c’était hier de ma petite enfance, chez mes grands-parents maternels, au paradis sur mes collines de Nice”.

Il a intitulé le CD “Ultimo”, annonçant qu’ainsi il “clôt sa carrière en tant que leader”. Dans un entretien qu’il m’accorde, il insiste sur la liberté qu’il a pu retrouver à cette occasion, l’engagement vital que représente une carrière longue, la responsabilité qu’il a dû assumer d’être à la fois un bon fils et un bon père de musiciens, l’ancrage niçois et en même temps le souffle revigorant des séjours new-yorkais.

Pourtant ce n’est pas la nostalgie qui l’assaille à ce moment précis d’un parcours riche de cinquante années de rencontres, en France et à l’étranger. Si le batteur André Ceccarelli se fait discret dans son dernier album, c’est pour mieux offrir en partage l’exigence comme le plaisir de la création symphonique.

Il y a donc eu du monde sur scène (et dans la salle, plus de 1000 personnes) le 28 janvier dernier au Chatelet pour interpréter “Ultimo”. C’est Pierre Bertrand, le patron du Nice Jazz Orchestra, créé en 2008, qui dirigeait l’orchestre, comme il l’avait fait pour le CD, dont il a supervisé l’arrangement.


André Ceccarelli et ses invités au Chatelet (photo Jean-Louis Neveu)

Bertrand organise à Nice, en particulier au Cedac, une programmation régulière de concerts dont le dernier, le 15 février dernier, avait comme invité exceptionnel le saxophoniste alto espagnol Perico Sambeat. Au Chatelet,  autour de Pierre Alain Goualch (piano) et Diego Imbert (contrebasse), il y avait Richard Bona (basse) et Sylvain Luc (guitare).

Richard Bona, André Ceccarelli et Sylvain Luc (photo Jean-Louis Neveu)

Et, puisque chez les Ceccarelli, du père d’André à son propre fils, Régis, la percussion est une affaire de famille, ce dernier était également de la partie. Ils ont reconstitué le duo avec lequel ils avaient tourné naguère, en interprétant le fameux Walk on the Wild Side, de Lou Reed (un internaute a récemment réalisé un montage sur le hit de Lou Reed, produit à l’époque par David Bowie, qui permet de mettre un visage sur les noms des personnalités qui entouraient alors Andy Wahrol à la Factory).

Régis et André Ceccarelli (photo Jean-Louis Neveu)

Les œuvres symphoniques d'”Ultimo” ayant été composées pour chant et orchestre et des musiciens classiques étaient également présents. Côté chant, André Ceccarelli était entouré de son compères habituels, Alex Ligertwood (l’ancien chanteur de Nirvana) et David Linx. Mais Il avait également auprès de lui une chanteuse américaine, Amy Keys (connue en France pour ses duos avec Johnny Halliday, mais qui a été également accompagnée par Herbie Hancock), dont la présence n’est pas passée inaperçue, y compris dans le boeuf final.

David Linx et Amy Keys en répétition au Chatelet (photo Jean-Louis Neveu)

Étant donné l’ambition artistique et l’ampleur symphonique d'”Ultimo”, le concert donné au Chatelet était certainement l’événement musical de ce début d’année.

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Dave Brubeck, de Nuremberg à Nuremberg.

Dave Brubeck soldat, 1944 (c) Telarc.

En 2004, Dave Brubeck, à l’orée de ses 85 ans, présente un nouveau disque, intitulé “Private Brubeck Remembers” (“Le soldat Brubeck se souvient“). Lors d’une tournée européenne, il est invité à Nuremberg, pour y donner un concert.

Il y joue des standards de l’époque de la Deuxième Guerre mondiale et quelques compositions nouvelles. Dans ce beau coffret, édité par Telarc, figure un entretien que le pianiste a accordé au fameux journaliste de CBS, Walter Cronkite. Tous deux étaient à Nuremberg en 1945 : Brubeck, en tant que soldat stationné ; Cronkite, comme correspondant de guerre au Tribunal Militaire International pour United Press.

Brubeck à Nuremberg ; Walter Cronkite assistant au procès de Nuremberg (extrait de Les Nazis face à leurs crimes, Christian Delage, 2006).

Brubeck fait alors partie des unités américaines qui occupent la capitale des congrès nazis, Nuremberg, une ville presque complètement en ruine, en raison des bombardements alliés. Il se souvient que pour pouvoir se déplacer, il faut constamment déblayer les ruines qui obstruent les principales artères. Avant d’être le témoin des préparatifs du procès des criminels nazis, une tâche particulière lui est attribuée, lui qui, lors de la traversée du territoire français, après le débarquement, avait déjà été sollicité pour son talent de pianiste.

Près de Verdun, alors qu’il appartenait au 17ème « Replacement Depot », une scène fut improvisée dans un camion de la Croix-Rouge où était entreposé un piano. Brubeck se propose comme interprète. Le concert connaît un grand succès et son supérieur hiérarchique, le colonel Brown, lui confirme qu’il peut se tenir à l’arrière des lignes de combat, afin de créer un Big Band. Dès 1942, après avoir été diplômé du College of the Pacific, il avait été affecté comme soldat au Camp Haan, en Californie, et avait participé à l’orchestre militaire, avant d’être envoyé en Europe en 1944.

Le groupe qu’il rassemble à Nuremberg, le “Wolf Pack“, et qui allait compter jusqu’à 18 musiciens, traduit bien l’état d’esprit de son fondateur, qui désapprouve les discriminations dont sont victimes les Noirs, que ce soit dans le civil, dans la pratique publique du jazz, ou dans l’armée, où ils n’ont pas les mêmes droits que leurs camarades blancs. Au milieu d’Italiens, ou de Juifs, le Band accueille un tromboniste africain-américain. Certains des GI qu’il a recrutés ont reçu la médaille « Purple Heart » en raison des blessures subies au combat.

Il faut trouver des instruments : ce sera chose faite grâce au troc avec des habitants de Nuremberg. Par chance, l’opéra figure parmi les rares bâtiments restés intacts et c’est là que le Band s’installe pour préparer les répétitions.

Le 1er juillet 1945, Brubeck assure la réouverture de l’opéra de Nuremberg en jouant des standards, ainsi que ses propres compositions, comme « We Crossed the Rhine », dont le rythme évoque celui que les chars américains produisirent en roulant sur le pont métallique de Remagen.

Ces qualités d’ouverture et de tolérance définissent bien ce qu’était Dave Brubeck : un gentleman. Son esprit d’ouverture et de liberté n’a pas fait de lui l’héritier des racines noires de la musique qu’il a choisi d’incarner. Les chemins artistiques qu’il a empruntés ne lui ont guère fait croiser les musiciens qui ont contribué au renouvellement de l’histoire du jazz. Comme Ted Gioia l’explique dans son History of Jazz (Oxford University Press, deuxième édition, 2011), si les grands pianistes des années 1950, Bud Powell, Thelonious Monk, ou Lennie Tristano, n’ont pas réussi à s’imposer sur le marché de masse, d’autres l’ont fait plus facilement, comme Oscar Peterson, Nat Cole, George Shearing, Ahmad Jamal, Dave Brubeck et Erroll Garner, sans pour autant renoncer à une forte exigence artistique. « Les critiques furent souvent mal à l’aise avec le succès rencontré par ces artistes “crossover“. Mais, malgré les compromis occasionnels qui ont pu être nécessaires pour atteindre cette viabilité commerciale, ces pianistes ont conquis le respect et l’admiration de la plupart des amateurs de jazz ».

Rencontré en Californie pendant leurs années de service militaire, le saxophoniste Paul Desmond se joindra en 1951 à Brubeck pour créer le fameux Quartet qui allait connaître un grand succès international, en particulier lors de la sortie de l’album « Time Out », comprenant trois hits : « Take Five », « Blue Rondo à la Turk » et « Three To Get Ready ». Le premier est sans doute le plus connu pour son rythme en 5/4. Mais un autre morceau est entré dans les oreilles des gamins qui regardaient la deuxième chaine de télévision de l’ORTF, devenue, à la veille de mai 1968, la première chaine en couleurs. Il annonçait alors le « 3ème générique du film de 17h15 pour les comédies et les films musicaux ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_yExwkQYcp0[/youtube]

Grâce à la vitalité de son Quartet, et aux musiques très enlevées qu’il a interprétées, Brubeck a sûrement permis à plusieurs générations de découvrir le jazz. Il est aussi, comme le rappelle Ben Ratliff, celui qui a refusé de faire dans les années cinquante une tournée dans l’Afrique du Sud de l’apartheid, quand il lui était demandé de signer un contrat stipulant qu’il n’y aurait aucun musicien noir dans son groupe, qui a ensuite créé un jazz musical intitulé « The Real Ambassadors », incluant Louis Armstrong dans la distribution,  et qui a également écrit une cantate, « The Gates of Justice », mettant en scène la place des Juifs et des Noirs dans la société américaine de la fin des années soixante.

Je resterai pour ma part sur le souvenir initial de la fameuse pochette de « Time Out », en bonne place dans la discothèque de mon père, et celui de  la découverte de l’histoire de Brubeck à Nuremberg, alors que je réalisais un film sur le procès intenté aux dignitaires nazis, et que j’avais envisagé de choisir comme musique « Something To Remember You By » sur les images des ruines de la guerre.

Le jazz, c’est aussi la grande histoire.

Le piano de "Casablanca"

Le piano sur lequel est interprété “As Time Goes By” dans Casablanca change de propriétaire et va être mis aux enchères par Sotheby’s. À vrai dire, même si, sur cette photo, il est bien visible, ce n’est pas lui la star du film. Ce sont, bien sûr, Ingrid Bergman et Humphrey Bogart.

Mais leur idylle n’aurait pas le même glamour sans la chanson écrite par Herman Hupfeld, un compositeur de chansons bien oublié aujourd’hui. C’est en 1931 qu’il compose “As Time Goes By”, inclus de manière additionnelle dans un musical de Broadway intitulé Everybody’s Welcome, écrit par Irving Kahal et Sammy Fain et créé au Shubert Theatre en octobre 1931. Sur scène, c’est Frances William qui l’interprétait, avant que la chanson ne soit enregistrée par Rudy Vallee et Binnie Hale.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=gKW0QZgi79M[/youtube]

Son succès fut modeste et ce n’est que 10 ans plus tard qu’elle devint un hit, grâce au film de Michael Curtiz, sorti en 1942.

C’est alors un autre chanteur, Dooley Wilson, également comédien, qui est mis en scène jouant et interprétant “As Time Goes By”. En réalité, il est doublé au piano par Elliot Carpenter, un  compositeur, chef d’orchestre, auteur et compositeur, qui avait fait des études de musique en France. Wilson, qui avait tourné en Europe, à Londres et à Paris, dans de nombreux clubs, était, comme Lena Horne, confiné à des rôles de second plan jusqu’à sa participation à la version Broadway de Cabin in the Sky, dont la MGM allait confier la réalisation à Vincente Minnelli en 1943.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=ZRzdIP_RnKg[/youtube]

“As Time Goes By” n’est pas seulement une chanson du film Casablanca, mais un leitmotiv qui incarne la liaison passée, à Paris, entre Rick (Bogart) et Ilsa (Bergman), avant que celle-ci ne se décide à rejoindre son mari, un haut responsable de la résistance tchèque. La chanson accompagne leur histoire, au sein de la “grande histoire”, celle de la la lutte contre les Allemands, qui fait s’affronter musicalement la Marseillaise et Die Wacht am Rhein.

Regardez ce moment où Bergman, filmée en gros plan pendant 24 secondes, est envahie par l’émotion : dans cette séquence, l’écoute de “As Time Goes By” la magnifie, tout en donnant à Dooley un rôle pivot dans la narration, chose rare pour un Africain-Américain à l’époque.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=7vThuwa5RZU[/youtube]

Master Class, le jeu et l'échange.


Mike Stern, Nice, nov. 2012 (photo J.-F. Ferrandez) et Juan-les-pins, été 2012 (photo P. Gianquintieri)

Qu’est-ce qui se passe dans l’intimité d’un musicien pendant qu’il joue ? En concert, il est à relative distance du public. C’est alors le photographe qui peut se rapporcher de lui, au moment où il ressent quelque chose qu’il veut enregistrer, puis donner à voir. Tout cela est très furtif, mais Patrizio Gianquintieri a su saisir ce repli sur soi du guitariste Mike Stern à Juan l’été dernier. Dans le cadre d’une Master Class, ce sont les élèves qui sont dans la proximité du maître, en toute décontraction, mais avec la rigueur du professionnel qui n’est plus seulement en position d’artiste-interprète, mais de pédagogue, de transmetteur.

André Ceccarelli, Nice, photo J.-F. Ferrandez.

Que ce soit, pour André Ceccarelli, dans l’attention des auditeurs à son jeu, ou, pour Richard Bona, dans ce qui transparaît dans les yeux, l’expression du visage, les mains, la proximité entre maître et élève n’est pas que physique.

Richard Bona, Nice, photo J.-F. Ferrandez.

Ce qui se passe dans l’échange n’est pas non plus une question de mimétisme. Si l’attitude des élèves, assise, peut paraître décontractée, c’est que leur enseignant leur a d’abord appris à se relâcher, à se faire discret s’ils accompagnent un chanteur. “Peu de notes, mais du groove!” leur a-t-il dit plusieurs fois. Même si la basse est “front line”, une place récemment gagnée, elle a toujours besoin d’être accompagnée par une autre basse, qui donnera le rythme. “Tout ce que l’on joue, conclut Bona, il faut le chanter. C’est la conviction mise dans la musique qui la transforme en un océan”.

Avec le piano, l’espace du jeu et de l’échange se modifie. L’instrument occupe une place telle qu’il ne facilite pas, de prime abord, la même proximité. Les élèves peuvent voir de près leur pianiste préféré, Enrico Pieranunzi, mais quand celui-ci les invite à jouer devant lui, ils sont plus intimidés que les batteurs ou les bassistes. C’est le cas de Jérôme Mathevon (27 ans, kinésithérapeute dans le civil) et de Maxime Guesdon (20 ans, en quatrième année d’études de médecine).

J. Mathevon, E. Pieranunzi (à gauche) M. Guesdon (à droite), Nice, photo J.-F. Ferrandez.

Tous deux ont commencé par la musique classique et l’apprentissage du piano, à l’âge de 5 ans. Puis, l’un à Milan et Paris, l’autre à Marseille, ils ont découvert le jazz, et en particulier Bill Evans (sur lequel Pieranunzi a écrit un livre, Portrait de l’artiste au piano, Rouge profond, 2004). Sans doute ont-ils vu ce document extraordinaire où Evans, quoiqu’en formation trio et en osmose avec ses partenaires, est quasiment replié sur son piano, dans une concentration d’une intensité rare.

Enrico Pieranunzi, qui pratique le classique aussi bien que le jazz, leur explique l’importance de la main gauche, de l’improvisation, de l’épure. Il raconte son expérience avec Chet Baker, qui lui a appris la force de la mélodie, avec peu et non beaucoup de notes, le travail sur le blues avec une grande ouverture harmonique. “Jouer avec les autres, c’est d’abord être à l’aise avec sa propre perception”. En bon historien, il rappelle que l’évolution du jazz n’est pas mécanique, de la mélodie triomphante vers le free, et que, au même moment, en 1958, coexistaient des artistes aussi différents que Coltrane, Ornette et Ellington.

[Organisées par Gilbert Guetta, les Master Class se sont tenues à Nice les 3 et 4 novembre 2012]

Jacky Terrasson, l'art de la gouache


Jacky Terrasson, photographie Jean-Louis Neveu

« Nous, on s’est bien amusés, j’espère vous aussi », lance Jacky Terrasson à la fin de la première des quatre soirées où il a récemment tenu l’affiche au Duc des Lombards. Le public ne sait pas trop que répondre car le concert semble avoir filé si vite que l’on aimerait bien le voir se prolonger. Notre relatif attentisme tient également en partie à la manière particulière qu’a le pianiste d’enchaîner le plus souvent sans interruption les morceaux qu’il interprète, alors qu’à l’intérieur de chacun d’entre eux, il procède à de brusques sautes de tempo, redistribue les rôles entre ses musiciens, s’efface volontiers derrière leurs solos.

Pour comprendre l’état d’esprit du pianiste, il faut revenir à l’une des chansons qu’il a empruntées au répertoire de la pop music, « Oh, my Love ». John Lennon, qui l’a écrite, dit, à un moment donné : « For the first time in my life, my eyes are wide open ».

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=0LzNNgctnbs[/youtube]

Dans la reprise de Terrasson, c’est Cécile McLorin Salvant (née à Miami en 1989, lauréate du premier prix du concours international de jazz vocal Thelonious Monk 2010) qui chante. Sans doute à cause de sa voix, plus lyrique et plus timbrée que celle de Lennon, l’interprétation apparaît plus mélancolique.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=m22wrvOltQg[/youtube]

Les yeux ouverts. Au fond, c’est ce qui caractérise l’état d’esprit de Terrasson, qui semble, à 45 ans, vouloir choisir son répertoire sans exclusive, selon son inspiration du moment, les musiciens dont il veut s’entourer, l’actualité extra-jazzistique. À la manière d’une gouache (titre de son dernier CD, chez Universal), comprenons en mélangeant les univers musicaux (jazz, pop, hip hop, funk, mélodies françaises), mais surtout en diluant cette matière de manière parfois telle que le thème disparaît dans une combinaison de sons et de rythmes où l’aléatoire semble régner en maître, alors que le pianiste sait très bien où il veut aller. C’est particulièrement le cas dans l’un des standards repris, Caravan, déjà construit, à l’origine, sur l’idée de fusion et dont le rythme, quelque peu ensorcelant, ouvre des horizons d’interprétation multiples.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=yNZ6tNazmXs[/youtube]

Que ce soit avec « Beat it » qu’il reprit le soir où il apprit la mort de Michael Jackson, ou « Rehab », le fameux tube d’Amy Whinehouse, ou bien encore « Love for sale », nous sommes en terrain connu et pourtant nous sommes désorientés, pour notre plus grand plaisir. Terrasson va jusqu’à diminuer le volume sonore du piano jusqu’au quasi silence. Je partage l’avis de Ben Ratliff quand il écrit, à propos de la série de concerts donnés récemment au Jazz Standard : « For maybe a third of his late set on Thursday night at the Jazz Standard, Jacky Terrasson played piano at the volume of a windup music box, or left fat stripes of silence as the other members of his trio played on steadily. »

De Saint-Émilion à New York, en passant par la Villette, Terrasson était cette année le plus souvent en formation trio élargie à Stéphane Belmondo et Michel Portal. Au Duc, il était accompagné de Belmondo, ainsi que du contrebassiste Burniss Earl Travis, dont le style, plutôt intériorisé, dénotait par rapport au batteur, Justin Faulkner, qui partait parfois dans des solos extrêmement nerveux (tous deux, très jeunes, vivent à New York). Le percussionniste d’origine argentine Minino Garay apportait quant à lui une touche plus latine et colorée. Terrasson tire le meilleur parti de ces échanges transtlantiques et de ces croisements d’univers musicaux en proposant, souvent à partir d’œuvres populaires, une lecture inattendue, virtuose et sophistiquée.

Jonathan Batiste, de Treme à New York

Jonathan Batiste photo DR, (c) jonathanbatiste.com

C’était au New Morning, il y a deux ans. Roy Hargrove était à l’affiche avec son quintette, dans un club où il a ses habitudes, et auquel il a rendu hommage dans un de ses morceaux les plus connus, “Strasbourg Saint-Denis“. Très rapidement, le public remarque le nouveau pianiste qui l’accompagne. La place que lui a attribuée Hargrove et la playlist le mettent en lumière : lors de la sortie de scène finale des musiciens, c’est lui qui reste seul, tandis que ses collègues se faufilent dans la salle, au milieu  des spectateurs, puis s’éclipsent dans la coulisse.

À première vue, c’est une gestuelle et un comportement particulièrement sobres qui caractérisent Batiste, alors à peine âgé de 23 ans. Se tenant de façon apparemment raide sur son piano, son toucher semble croiser une pratique de la musique classique à une inspiration proprement jazzistique. Pour le Washington Post, ce que Batiste propose est une sorte de “modern vintage jazz”.

“JB”, né en Louisiane, a acclimaté au tempo du Mississipi le « Straight no Chaser » de Thelonious Monk.  Il est africain-américain, mais, tout en jouant souvent avec des musiciens issus de la même communauté, il est ouvert au métissage de la musique. Il n’est pas étonnant qu’il ait déjà joué devant la famille présidentielle à la Maison-blanche, tant il incarne la réussite idéale de la « génération Obama ».

Au cours de l’entretien qu’il m’accorde, Jonathan évoque son parcours, déjà incroyablement riche et son propos traduit une grande maturité. Cela fait plus de dix ans qu’il donne des concerts publics. Il a enregistré deux CD, l’un à 17 ans, l’autre à 19 ans  et a son propre groupe depuis l’âge de 18 ans. Il a reçu une double éducation. Enfant d’une famille de musiciens de Louisiane, le Batiste Brothers Band, il s’est d’abord essayé aux percussions, avant de  choisir le piano comme instrument principal (il pratique également la basse et le saxophone et sait chanter). Son apprentissage de la tradition du jazz s’est effectué sous le tutorat, entre autres, d’Alvin Batiste, au New Orleans Center for Creative Arts (NOCCA).

C’est alors qu’il était à New York que l’ouragan Katrina a frappé la Louisiane. Revenu auprès des siens, il sera néanmoins encouragé par sa famille à s’installer définitivement à Manhattan, où il a intégré la prestigieuse Juilliard School.

Un parcours d’excellence, sans aucun doute, ce qui est souvent le cas pour les musiciens africains-américains doués, qui sont portés par leur désir de perpétuer la tradition du jazz, et parviennent par leur mérite à bénéficier des meilleurs lieux d’éducation et de culture des États-Unis. Jonathan en est bien conscient, lui qui, encore si jeune, fait de son engagement civique une priorité de vie. Il considère que l’accès à la musique est un droit qui devrait être partagé par le plus grand nombre et, en particulier, ceux qui vivent dans les faubourgs déshérités des métropoles, quelle que soit leur origine ethnique. Sur son site, il a ouvert une rubrique qu’il a intitulée Humanitarianism, tandis que son groupe s’intitule “Stay Human”.

Il a récemment rejoint comme co-directeur artistique le National Jazz museum in Harlem et s’est produit en 2011 pendant une semaine au Dizzy’s, en compagnie de ses musiciens, en particulier le batteur Joe Saylor, très présent sur scène, mais aussi des artistes rencontrés à la Juillard, qu’ils soient d’origine afraicaine-américaine, asiatique ou autre, et qu’ils soient plutôt spécialisés en jazz ou en classique.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=-PRG_DC-mpo[/youtube]

Généreux, “Soulful”, JB fait rayonner l’esprit de New-Orleans à New York, et ce n’est pas un hasard s’il apparaît comme guest dans un épisode de la série Treme.

Dans quelles circonstances avez-vous quitté la Louisiane pour New York ?

J’ai été élevé à Kenna, mais j’allais à l’école à La Nouvelle-Orléans. Ma famille est composée de musiciens autodidactes. C’est vraiment là que j’ai appris le jazz. J’avais entendu parler de l’école Juilliard, mais je savais juste que le nom était prestigieux. J’ai présenté ma candidature et j’ai été admis en classe de piano jazz. J’étais le premier parmi les miens à aller à New York, et ma famille m’a beaucoup encouragé à poursuivre ainsi ma formation.

En dehors de votre famille, quels sont les musiciens qui ont compté pour vous ?

La Louisiane est culturellement très riche, en particulier pour la musique. Il y a tellement de styles, de sons différents ! Le pianiste Henry Butler, Ellis Marsalis, le grand Alvin Batiste, qui était mon professeur, Trombone Shorty… Tant de bonnes choses !

Êtiez-vous en Louisiane quand l’ouragan Katrina s’est abattu sur La Nouvelle-Orléans ?

J’étais déjà à New York, mais je suis rentré en Louisiane. Ma famille a été relativement chanceuse par rapport à ceux qui ont été directement touchés par l’ouragan. Nous avons seulement souffert du vent, pas des inondations. La famille est partie au Texas, moi aussi. Certains de mes oncles y sont restés pendant des mois, presque une année avant de revenir en Louisiane. Après une semaine et demie, je suis reparti à Manhattan, car je devais reprendre ma deuxième année à Juilliard.

À peu près au même moment, vous êtes à l’affiche de Carnegie Hall.

Oui, c’était au moment de Katrina. J’avais 18 ans et c’était la première fois que je jouais dans cette salle, où se trouvait un Hollandais qui s’occupait d’une fondation. Il m’a dit être impressionné par mon jeu et par ma personnalité. Nous avons commencé à discuter de projets que nous pourrions conduire ensemble. Quelque temps après, nous avons bâti un échange culturel entre les Etats-Unis et les Pays-Bas. J’ai sélectionné cinq jeunes musiciens hollandais qui ont pu venir à New York et moi-même et mon groupe avons été invités au Concertgebouw. Nous avons fait des Master class à Harlem, comme à Rotterdam et La Haye. La presse était très présente et ce qu’on a fait a eu beaucoup d’écho. Cette expérience nous a également permis d’aller à la rencontre de publics peu ou pas exposés à la musique. La musique, c’est un cadeau que j’ai reçue, et je souhaite vraiment le partager avec les autres.

Y a-t-il beaucoup de musiciens africains-américains à la Juilliard ?

En dehors de moi, il y en avait un autre, qui était arrivé une année avant. En cours de scolarité, un nouveau a été admis. Il faut savoir que, à Juilliard, les classes sont très petites. Lors de mon arrivée, nous étions quatre ou cinq étudiants.

Quels ont été vos professeurs ?

Au début, Mike Ladan, puis Ted Rosendal, et les quatre dernières années, Kenny Baron.

Combien de temps a duré votre scolarité ?

Six ans ! Quatre pour la graduation, puis deux pour le Master. Le plus dur, c’est que j’avais des envies et des propositions de concert, mais l’école est très stricte : vous devez assister aux cours, quelles que soient les offres qui vous sont faites de jouer dans des établissements prestigieux. J’ai dû prendre une année sabbatique pour me produire en concert. Mais, à la fin, c’était très dur : encore les études ou les concerts ? J’ai eu du mal à tenir.

J’ai été frappé par l’inspiration « classique » de votre jeu. Y a-t-il une raison particulière ?

Dès que j’ai commencé à jouer, à l’oreille, je prenais des cours de musique classique. C’est ancré dans ma personnalité musicale dès le début. À Juilliard, j’ai continué à travailler le classique. Mais c’est surtout avec un pianiste brésilien, William Douglin, que j’ai amélioré ma pratique. Pendant trois ans, j’ai pris des cours quotidiens avec lui, c’est un grand maître. C’est par Bach que j’ai commencé. Mais c’est un musicien exigeant, et pour venir vraiment vers lui, il faut passer par d’autres compositeurs, Beethoven par exemple.

Vous êtes devenu co-directeur artistique du musée du jazz à Harlem?

Oui, c’est une responsabilité que je partage avec Christian Mc Bride [bassiste et conttrebassiste], mais surtout une manière de continuer à diffuser la culture du jazz, et pas seulement dans les clubs. Le 8 novembre, nous jouons pour une levée de fonds au Museo del Barrio. Avec Wynton Marsalis [le fameux trompettiste, patron du Jazz at Lincoln Center] nous faisons également pas mal de concerts. L’année dernière, nous étions à Londres et en Afrique du sud. Le 20 novembre 2012, nous organisons un gala de bienfaisance à la New York Historical Society.

[Entretien réalisé à Paris en juillet 2010 et à New York en septembre 2012]

"Le jazz, c'est maintenant"

“Jazz is: Now!”, Jonathan Batiste, Harlem, 19 sept. 2012. Photo Edward Hillel.

Le musée du jazz de Harlem, ouvert en 1997, va emménager d’ici trois ans dans un nouvel immeuble sur la 125ème rue, en face du fameux Apollo Theater. L’événement sera d’importance et contribuera sans doute davantage encore au renouveau du quartier, alors que le sort du Lenox Lounge semble compromis par les nouvelles exigences affichées par le propriétaire du lieu (doubler le loyer de 10000 à 20000$, ce que refuse le directeur du club, Al Reed).

126ème rue, entre Park et Lexington Avenues, sept. 2012, photo C. Delage.

La revitalisation du centre historique de Harlem, engagée depuis plus d’une dizaine d’années, a des effets évidemment positifs sur la qualité de l’habitat et du commerce, et sur la vie culturelle. Mais elle entraîne aussi une augmentation du coût des loyers et de la valeur des biens immobiliers qui n’est pas en faveur de la population qui s’y trouve.

126ème rue/Lenox Ave., sept. 2012, photo C. Delage.

Pour s’en convaincre, il suffit de marcher dans les rues situées au nord de la 125ème, où se trouvent des maisons réhabilitées, désormais occupées par de nouveaux propriétaires, ou en déshérence, les anciens habitants n’ayant pas les moyens ne serait-ce que de restaurer l’escalier d’entrée et la façade.

126ème rue, entre Park et Lexington Avenues, sept. 2012, photo C. Delage.

Sur l’une de ces rues, la 126ème, à l’angle de Madison, se trouve une des très nombreuses églises de Harlem, la Metropolitan Community United Methodist Church, flanquée d’un vieux centre paroissial.

Metropolitan Community United Methodist Church, sept. 2012, photo C. Delage.

C’est ici, dans une toute petite salle décorée par des portraits des pasteurs qui l’ont successivement animée, que le musée du jazz a provisoirement hébergé une série de concerts de son nouveau co-directeur artistique, le pianiste Jonathan Batiste.

Jonathan Batiste et ses musiciens, Harlem, 19 sept. 2012, photo Edward Hillel.

L’événement de la rentrée jazzistique était donc bien là, dans ce foyer où se sont retrouvés des voisins, les femmes africaines-américaines que nous avions vu danser lors du Charlie Parker Jazz festival, les amateurs de jazz venus du sud de Manhattan, des familles nouvellement installées à Harlem. L’esprit de La Nouvelle-Orléans présidait à la série des quatre rencontres animées par Batiste, qui a invité beaucoup de ses amis de la Juillard School, dont certains plutôt spécialistes de musique classique.

Lors du dernier concert, le 26 septembre, Il était ainsi entouré de Philip Kuehn (contrebasse), Joseph Saylor (batterie et tambourin), Eddie Barbash (saxophone alto), Jordan Pettay (saxophone alto), Eyal Vilner (saxophone ténor & clarinette), Paul Nedzela (saxophone bariton), Matt Jodrell (trompette), Kyle Athyade (trompette), Ibanda Ruhumbika (tuba), Adam Mozina (guitare), Dima Dimitrova (violon), et Michael Mwenso (chant).