Sur la scène de la pinède de Juan viennent de succéder deux chanteurs américains. L’une, âgée de 28 ans, Mélody Gardot, est sous les feux des médias depuis déjà quelques années. L’auteur de ce blog en a chanté à plusieurs reprises les louanges. L’autre, qui vient de fêter ses 70 ans, a construit une carrière musicale très riche, mais n’a pas connu le même succès. Tout les sépare, et pourtant…

Incontestablement, avec son dernier CD, The Absence, publié trois ans après My One and Only Thrill, Melody Gardot a surpris. Elle s’est donnée le temps de voyager, de se nourrir d’autres univers musicaux et le résultat montre bien qu’elle sait se renouveler, tout en conservant son style si particulier. C’est particulièrement le cas avec “Mira”.

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Maintenant, observons son entrée sur scène. J’avais décrit celle qu’elle avait faite deux ans plus tôt, au même endroit. La lumière est, comme la dernière fois, très sombre, mais, en jetant un œil sur la console, je m’aperçois que ce n’est pas le technicien habituel qui est aux manettes. J’en déduis que Gardot a dû en imposer un autre. Les rouges vont dominer, les verts aussi, créant une ambiance un peu mystérieuse. La voici qui arrive des coulisses. Elle s’appuie toujours sur une canne, que l’on ne fait cependant que deviner. Elle s’installe au piano. Du haut de la pinède, que voit-on d’elle exactement ? Rien, ou à peu près, de son visage. Elle est habillée d’une grande robe noire, porte des lunettes de soleil et, oui, c’est bien cela, elle a une perruque noire avec de longs cheveux. Le public antibois, très observateur : ”Elle n’était pas blonde avant?” Pas la peine de demander leur avis aux photographes, qui ne peuvent faire des clichés que de loin et pendant le seul premier morceau…  Après avoir ressemblé à une héroïne hitchcockienne, on dirait maintenant Laura Harring dans Mulholland Drive. D’ailleurs, comme le personnage du film, elle souffre de pertes de mémoire, suite à l’accident grave dont elle a été victime à 18 ans.

Melody Gardot, Juan, 17 juillet 2013 (photo Gilles Lefrancq)

Après deux chansons, elle parle (en français) : “Je suis si heureuse d’être ici. Cela fait six ans que je viens régulièrement en France. J’adore Paris”. À deux reprises, elle dira son plaisir d’être “ici, à Paris”. No comment (question de sociabilité pour le Parisien séjournant dans le midi).

Son expérience fondatrice, cette brisure physique qu’elle a surmontée par une forme de musicothérapie, a construit sa personnalité. La scène est un théâtre, où elle s’exhibe en même temps qu’elle se cache. Quand elle invite les spectateurs à chanter avec elle, ceux-ci hésitent. Elle crée un barrage et, inopinément, le rompt en s’avançant au-devant de la scène. Un peu désorienté, le public se laisse néanmoins entraîner, mais avec une certaine réserve. Quoi qu’il en soit, le style musical reste toujours très doux, dans le registre de la confidence.

Garland Jeffreys, Juan, 19 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Garland Jeffreys, lui aussi, a vécu une jeunesse qui l’a marqué. Il le dit à plusieurs reprises : “Je viens de Brooklyn, et, à l’époque où ce quartier était multi-racial, il fallait un peu s’imposer pour faire son chemin dans les rues. D’ailleurs, quand on me regarde, on se demande : il est noir, il est blanc?”. Sur sa route, à la croisée du Reggae, de la Soul, du Blues et de la Pop, des musiciens d’exception : John Cale, Sonny Rollins, Bob Dylan, Bob Marley, Bruce Springsteen, et surtout Lou Reed.

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[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=bIIXawbx1pQ[/youtube]

Se faufilant très vite au sein du public, montant sur scène puis descendant, Garland Jeffreys aime le contact. Le contraste avec Gardot, évident, dit aussi quelque chose sur ce qui sépare une sociabilité new-yorkaise d’un repliement sur soi dû à la maladie. Mais à Coney Island, comme en l’un de ses rêves en 35mm, cette femme rencontrée pourrait très bien être la diva : “Woman walks down the street/Tears come rollin’ down her face/Frozen on her cheeks.”

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Pour qualifier l’état d’esprit actuel de Wayne Shorter, quoi de mieux que le dernier vers des Fleurs du mal : “au fond de l’inconnu pour trouver du nouveau”.

Wayne Shorter, Juan, 16 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Shorter, quant à lui, cite volontiers la réplique finale du Faucon Maltais : “The stuff that dreams are made of”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=i8_hGlwau3A[/youtube]

La statuette de faucon qui est au coeur de l’intrigue du film se rapproche, dans son mystère, des compositions du quartet de Shorter. Pour en pénétrer  la complexité, il faut, certes, faire preuve d’une attention un peu concentrée, mais, surtout, se laisser emporter par la musique, à défaut de se faire prendre par la main par les musiciens. Il y a alors quelque chose qui se noue dans l’instant, et qui possède une énergie vitale. D’ailleurs, Shorter aime bien rappeler que Miles Davis lui demandait de jouer comme Bogart donnait un coup de poing. Dans la conférence de presse qu’il donne à Juan, il cite : “Miles would say, ‘You see the way Humphrey threw that punch?,’ and I said, ‘Yeah,’ and he said, ‘Play that.'”

Shorter se souvient que, quand il était jeune étudiant en Fine Arts, les trois références que son professeur de musique lui avait données étaient : Stravinsky (“Le Sacre du printemps”) ; Yma Sumac, une chanteuse mezzo-soprano péruvienne naturalisée américaine (“Voices of the Xtabay”) et Charlie Parker. Pour lui, aujourd’hui, la chose la plus importante, c’est : comment jouer sans répéter ? Comment s’ouvrir des territoires inconnus, négocier en concert l’imprévu :”sur scène, nous écrivons en même temps que nous jouons”, dit-il. “Mais nous ne savons pas non plus ce que le concert va provoquer chez les auditeurs. Que se passe-t-il après ? Quelle forme de résistance avons-nous réussi à provoquer ?”

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=xEkeYtdh6ls[/youtube]

À bientôt 80 ans, le saxophoniste vient d’enregistrer un nouveau CD chez Blue Note, Without A Net, composé de morceaux enregistrés dans des concerts donnés en Europe en 2011. Pour comprendre ce choix et savoir ce qui se passe sur scène, il suffit de regarder cette vidéo prise à Montréal lors du festival 2013 : empathie du public, qui se met à chanter, puis jeu entre musiciens, où l’on voit Danilo Pérez retarder l’entrée du saxophone (de 2’30 à 4′).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=O9HktIKmhCg[/youtube]

Quand Shorter a affaire des auditeurs connaisseurs de sa musique, l’interaction est presque spontanée.

Danilo Pérez, Wayne Shorter, John Patitucci et Brian Blade, Juan, 16 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Sinon, le batteur, Brian Blade, saura rattraper ceux qui craignent de décrocher. Son implication est telle qu’on le sent parfois presque possédé par la musique, se levant comme pour extérioriser l’intensité de certaines montées en puissance du quartet.

Brian Blade, Juan, 16 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Le tempo est essentiel car c’est lui qui assure la continuité de morceaux où l’improvisation domine, soit par rapport à la partition, soit dans le relais ou le jeu ensemble des musiciens. Sans doute, pour apprécier pleinement cette “écriture”, faut-il avoir une certaine expérience d’écoute de la musique contemporaine, la connaissance de la petite forme webernienne, de l’atonalité et des sons fractionnés comme de puissants coups de pinceaux sur la toile d’une peinture abstraite.

Mais l’on peut tout aussi bien se souvenir d’un film avec Fred Astaire et Ginger Rodgers, dont Shorter a repris l’un des thèmes, Flying Down to Rio (Thornton Freeland, USA, 1933) :

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=cAfTr7VPDKI[/youtube]

Et lire la revue, par Nate Chinen, de Whithout A Net.

Les Temptations et les Supremes étaient pour la première fois présents sur la scène de Juan-les-Pins. Après les années 1970 à Nice, avec Earth, Wind & Fire, la nostalgie se reporte ainsi sur la décennie précédente. Les deux premiers groupes ont connu des succès très importants – en particulier les Temptations, mais se sont surtout caractérisés par leurs recompositions successives, qui font des artistes qui les représentent aujourd’hui davantage des héritiers que des grands anciens.

The Supremes and The Temptations, Juan, 13 juillet 2013 (photos Jean-Philippe Marty)

S’il y a eu des tensions au sein des Temptations, pour savoir qui serait le Band ou le Voice Leader, celles-ci ont pris une dimension particulière pour les Supremes, dont l’image fixe ou animée rend bien compte.

C’est en 1961 que Berry Gordy, le fameux patron de la Tamla Motown, signe le groupe des Supremes, nom que l’une des chanteuses, Florence Ballard, suggère au Boss. Ballard, Diana Ross et Betty Travis, forment certes un trio, mais c’est Diana Ross qui chante, et le Call and Response ne va fonctionner que rarement entre elles.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=iDPjYZxi0n8[/youtube]

Très vite, la vidéo enregistre les modifications de la place de chacune sur scène. Diana Ross est au premier plan, ses deux collègues en quasi position de de choristes. Le succès est au rendez-vous dès 1964, avec l’album classé n°1 “Where did our love go”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=izzKUoxL11E[/youtube]

Trois ans plus tard, le groupe devient Diana Ross & the Supremes. Ballard est remplacée par Cindy Birdsong.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=PhxUmjVQNtI&list=RD02ixEOMB6jyEE[/youtube]

Après plusieurs albums avec les Temptations, Diana Ross s’en va. Le trio est désormais composé de Mary Wilson, Cindy Birdsong et Jean Terrell et d’autres artistes au fil du temps.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=UaYHRx9-v2M[/youtube]

Dans une Amérique où la communauté africaine-américaine luttait pour les droits civils, l’image un peu fabriquée par Berry Gordy des trois femmes affichant leur entente, leur solidarité, y compris face aux groupes masculins, s’estompe progressivement. La jalousie née du succès de Diana Ross, et les biographies assez vachardes de cette dernière et de Mary Wilson brouillent leur réputation auprès des Américains. D’autres figures s’imposent davantage, comme Aretha Franklin.

Le tour actuel des “Ladies Formerly of the Supremes” suscite davantage une curiosité bienveillante qu’un réel intérêt musical. C’est comme si un wagon avait été ajouté au Soul Train. Reste le plaisir de voir sur scène, ensemble, les Temptations et les Supremes. Pour ceux qui aiment l’histoire de la Motown, c’est une bonne manière de se préparer à aller voir le Musical qui a commencé à Broadway en mars dernier, et qui raconte l’histoire du fantastique label de Detroit.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=An_r_D2HM5Q[/youtube]

Quoique d’une génération différente, Omer Avital, 42 ans, et Shai Maestro, 26 ans, ont connu des parcours assez semblables, des premières études musicales en Israël à l’expérience et la maturation artistiques à New York. Les voir et les écouter successivement sur la scène du Théâtre de Verdure de Nice, en attendant Avishai Cohen à Juan, montre à la fois la vitalité de l’école israélienne du jazz, son rayonnement international et sa diversité.

Omer Avital, Nice, 11 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

Il suffit de donner les noms de certains des CD qu’Omer Avital a enregistrés pour saisir l’esprit de sa musique (Think With Your Heart, 2001), Free Forever, 2011), et pour être sûr que c’est un artiste dont la générosité se nourrit d’une vraie conscience politique. En lien avec son dernier CD, Suite Of The East (2012), le contrebassiste a formé un nouveau groupe, The Band Of The East, dont les influences proviennent entre autres d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Avec Gregory Tardy, Jason Lindner, Daniel Freedman et Nadav Remez, leur répertoire mélange donc des inspirations arabo-juives, sans doute facilitées par les origines yéménites et marocaines d’Avital. Sur scène, cela donne, grâce, entre autres au trompettiste Avishai Cohen, une fusion très entraînante, colorée et communicative, qui n’est pas sans rappeler l’univers musical d’Ibrahim Maalouf.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=ts2HyDFVsnQ[/youtube]

De son côté, après avoir été le pianiste d’Avishai Cohen (le contrebassiste) et participé au succès international de ce dernier, Shai Maestro a sorti son premier CD en avril dernier (Shai Maestro Trio), en compagnie Jorge Roeder (basse) et Ziv Ravitz (Batterie).

Shai Maestro, Nice, 11 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Rigueur et concentration sont les exigences communes de ce trio, d’une incroyable précision dans le toucher de l’instrument. Le jeu semble provenir d’une éducation classique. La matière, souvent épurée, ne rejette pas l’apport mélodique.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=pFDCEMs5Fc0[/youtube]

Ces deux groupes, tout comme la plupart des artistes présents à ce festival, figurent parmi ceux que le Duc des Lombards soutient au fil de l’année à Paris, et qui sont également présents sur TSF. Avec Éric Legnini, Robert Glasper, Stéphane Belmondo, Esperanza Spalding (qui a donné un véritable concert/récit, à la manière d’un Radio Music Show) et d’autres (comme Lianne La Havas, forte présence scénique), ils ont permis à cette première édition, sous la direction artistique de Sébastien Vidal, de satisfaire pleinement l’amateur de jazz.

Eric Legnini, Robert Glasper, Esperanza Spalding et Lianne La Havas, Nice, juillet 2013

(photos Jean-Claude Pouget et Jean-Philippe Marty)

Quand le festival de jazz de Nice se déroulait à Cimiez, les artistes (et les auditeurs) se plaignaient régulièrement des problèmes d’acoustique dus à la tenue simultanée de plusieurs concerts sur des scènes proches les unes des autres. Sur le nouvel espace du festival, ces problèmes sont bien moindres et l’on peut apprécier l’intimité du théâtre de Verdure sans être dérangé par le son plus amplifié de la scène Masséna. Sauf quand une chanteuse en formation de quartet se trouve en concurrence avec les quatre platines des C2C.

You Sun Nah et le contrebassiste Simon Tallieu, Nice, 10 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

À quelques heures de son concert, You Sun Nah s’inquiète donc de cet éventuel conflit sonore. Je la rassure en lui disant qu’il y a au moins 30 à 45 minutes entre le début de son récital et l’arrivée sur scène des C2C. Le soir venu, ce sera fascinant de voir comment elle réussit immédiatement à occuper l’espace du théâtre de verdure, en captant l’attention du public, et en concentrant son attention pour que, le moment venu, il ne soit pas distrait, quoique gêné, par le bruit du public massé sur l’autre espace et des mix des C2C.

You Sun Nah, Nice, 10 juillet 2013 (photos Jean-Louis Neveu)

You Sun Nah partage sa vie professionnelle entre son pays natal, la Corée du Sud et sa terre d’accueil, la France. Quoique remarqué par Wynton Marsalis, elle n’a pas, pour l’instant, cédé à l’attraction de New York. Elle chante en anglais, parfois en français et, à l’occasion, dans la langue de son pays. Mais elle peut tout aussi bien s’emparer du portugais ou de l’espagnol, juste par intérêt pour le fado ou le flamenco.

Derrière son apparence fluette, ou sa façon un peu mièvre de se présenter, se cachent une volonté et un tempérament très affirmés. Sa voix, dont la tessiture rappelle parfois celle d’une cantatrice, lui permet à la fois de tenir longtemps une note, de passer du registre grave à l’aigu sans difficulté, de la douceur de la mélodie à la violence du cri, de textes très écrits à l’émission de bruits, voire d’éructations, le tout dans des changements inopinés de style. You Sun Nah surprend toujours son auditoire et c’est sa manière bien à elle de se l’approprier.

Vous avez trouvé, avec le guitariste Ulf Wakenius et l’accordéoniste Vincent Peirani, deux musiciens hors pair pour vous accompagner.

Vincent Peirani et Ulf Wakenius, Nice, 10 juillet 2013 (photos Jean-Philippe Marty)

Vincent, je l’ai rencontré il y a plus de dix ans quand j’avais monté un groupe avec les amis de l’école de jazz de Paris, le CIM. Il faut dire que nous, Coréens, adorons l’accordéon, je ne sais pas pourquoi. Je l’ai retrouvé plus tard. À l’époque, il tournait déjà pas mal et il jouait avec de grands musiciens, comme Michel Portal. Je crois que, dans cette petite formation où il m’a rejointe, les gens, même les journalistes, l’ont vraiment découvert. C’est quelqu’un d’assez lyrique. Il avait besoin d’un peu d’espace, je pense, tout seul. Ulf, c’est pareil, c’est un guitariste, mais quand il fait des solos, ça chante.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=-GZTyVraYJo[/youtube]

Comment avez-vous découvert le jazz et avez décidé que ce serait votre univers artistique ?
J’ai choisi de faire du jazz, mais je n’avais jamais entendu cette musique avant de venir en France. J’ai dû apprendre à en connaître l’histoire, à savoir qui est Miles Davis… Outre les écoles que j’ai suivies, où l’on apprenait les standards, la scène a très vite été importante. Mais j’avais le sentiment que c’était un peu volontariste. Avec le temps, j’ai tenté des choses, développé un goût. Quand je suis en Corée, je prends des cours de chant avec ma mère, qui est une artiste lyrique. Mais c’est moi qui ai introduit le jazz dans l’univers de mes parents. J’aime désormais venir avec des musiciens européens, pour voir ce que cela provoque comme rencontre dans mon pays.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=1oQn_ND96tE[/youtube]

« Shenandoah », c’est loin, très loin de votre culture ?
J’ai découvert cette chanson en Corée, j’avais 5 ou 6 ans. C’est mon père qui avait repris ce thème pour des voix d’hommes. Je ne savais pas ce que c’était, quelle était la langue, mais cela m’a beaucoup plu. Puis, beaucoup plus tard, j’ai entendu Keith Jarrett le jouer au piano.

Vincent Peirani l’a repris également sur son dernier CD. Il vous a copié ?
Exactement, oui. Il faut que je lui dise… En fait il m’a demandé s’il pouvait le reprendre, et j’ai dit : bien sûr!

Vincent Peirani, Nice, 10 juillet 2013 (photo Jean-Claude Pouget)

J’ai noté que vous avez repris la « Chanson d’Hélène » que l’on entend dans Les Choses de la vie, le film de Claude Sautet.
Oui, quand je l’ai entendu pour la première fois, j’ai pleuré. Puis j’ai vu le film, et ce mélange de légèreté et de gravité m’a beaucoup plu.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=VsWZcwPL7-Q[/youtube]

C’est Romy Schneider qui l’interprète, mais il y a également Michel Piccoli et ils forment ainsi un duo.
Figurez-vous que j’ai écrit à Michel Piccoli pour lui demander de venir en studio réenregistrer avec moi. Il m’a répondu, par une lettre manuscrite, ce qui m’a vraiment touchée, mais pour me dire qu’il ne pouvait pas le faire.

Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Claude Pouget)

Le Nice Jazz Festival 2013 s’est ouvert sans crier gare, après l’annonce un peu anticipée de l’arrivée du premier artiste invité, lequel a d’ailleurs inopinément surgi du haut des marches du théâtre de verdure, alors que les spectateurs commençaient juste à s’asseoir et que les photographes étaient massés en bas du podium. Une surprise bien dans le style de Jon Batiste et de ses musiciens du Stay Human Band, toujours désireux de casser un peu le rituel des concerts.

Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

Ce fut néanmoins une véritable entrée de scène, en France, après trois soirées passées dans l’intimité du Duc des Lombards, et la qualité d’un son alors presque acoustique. Le public a immédiatement apprécié ces jeunes Américains venus devant et auprès d’eux, comme pour colporter un grand récit né en Louisiane, et pourtant étonnamment proche des goûts et des univers musicaux actuels.

Batiste défend l’idée d’une « Social Music », ajoutant au professionnalisme de son groupe un sens aigu de la communication avec le public. Il aime l’idée que sa carrière se bâtit sur le bouche-à-oreille, les premiers auditeurs entraînant les suivants et favorisant ainsi  l’émergence d’une sorte de grande famille, à l’image de celle au sein de la quelle il a grandi, à La Nouvelle-Orléans, qu’il côtoie là où il travaille, à Harlem, et qu’il rencontre, au long de ses tournées nationales et internationales.

Ce souci de l’autre, fondé sur l’échange, le partage, le lien social, l’a poussé à participer à la vie du Jazz Museum de Harlem, avec un autre artiste, Christian McBride. Le jazz est certes au carrefour de son activité artistique, mais n’est pas la seule musique qu’il pratique. Sa propre expérience se nourrit des apports et des attentes des uns et des autres.

Vous tournez pour la première fois en Europe avec votre groupe. Quelles sont vos impressions ?
Partout, l’accueil est très chaleureux. À Nice, j’étais venu une fois, j’avais seulement 17 ans. Le fait de faire l’ouverture du festival aujourd’hui me ravit. Cependant, je ne suis pas dans l’état d’esprit de chercher à obtenir des scènes de plus en plus grandes, ou de plus en plus prestigieuses, qui correspondraient à l’évolution de ma notoriété. Je souhaite me produire dans toutes sortes d’endroits, sans exclusive.

Il est vrai que vous jouez aussi bien dans l’annexe paroissiale d’une église de Harlem, dans le métro de New York, dans la rue, comme par exemple dans le Lower East Side.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=RV86-W01h5w[/youtube]

Oui, j’essaie de maintenir l’esprit de la parade que nous pratiquions à La Nouvelle-Orléans. En marchant dans la rue, ou en descendant dans le métro, vous attirez à vous des gens qui ne sont pas forcément connaisseurs du jazz, mais qui sont sensibles à l’événement collectif que représente le fait de jouer ensemble et au milieu d’eux.

Vous alternez des reprises de standards, comme le bien nommé Sunny Side of the Street et des compositions originales. J’ai été très frappé par votre interprétation du St. James Infirmery Blues que Louis Armstrong avait popularisé en 1928.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_Imhau2AmVo[/youtube]

Oui, je crois que la modernité du jazz, c’est sa capacité à être réactivé dans l’instant présent. Je m’approprie des vieux standards, des chants traditionnels, parce que c’est ce qui m’a été donné à entendre quand j’étais enfant. Les gens peuvent les reconnaître ou non, et je les mélange avec des créations s’inspirant des musiques actuelles, auxquelles le public peut également s’identifier. Avec Stay Human, nous jouons toutes sortes de musiques, mais bien sûr, mon domaine d’élection, c’est la musique américaine, où je considère que le jazz occupe une position centrale,  il en est la pierre angulaire. D’autre part, je suis moi-même en position de médiation, c’est le travail d’éducation que je fais au quotidien au Jazz Museum.

Vous quittez souvent le piano pour vous emparer de votre humanoboard, rejoindre vos musiciens, jouer de leur instrument ou partager le vôtre.

Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)

Oui, vous savez, on se connaît depuis longtemps. Avec Joey Saylor, le batteur, cela fait dix ans que nous travaillons ensemble. Nous nous sommes rencontrés à la Juilliard, où il y avait non seulement les départements piano, saxophone, violon, mais des jeunes qui venaient du Japon, d’Israël, de Russie, et où jazz et musique classique, par exemple, n’étaient pas séparés ou opposés. Je me mets parfois à la batterie, mais il arrive également que l’on se retrouve tous ensemble autour du piano.

Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Louis Neveu)

J’ai noté que vous chantiez de plus en plus dans vos shows.
Oui, et d’ailleurs je vais bientôt danser.

Vraiment ?

Oui, en fait si on veut être soi-même, comme artiste, tout en revendiquant l’héritage de la musique qui nous a construits, il faut pouvoir s’affirmer dans tous les registres, ne pas être dans l’imitation des grands anciens. J’aime l’idée d’“Entertainment“. C’est ce que je veux développer.

Jon Batiste, Nice, 8 juillet 2013 (photo Jean-Philippe Marty)