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Ron Carter, Sharon Jones: intériorité, extériorité.

Sharon Jones, Photographie Jean-Philippe Marty

Ron Carter, photographie Jean-Louis Neveu

Difficile de trouver deux tempéraments aussi différents que ceux du contrebassiste Ron Carter et de la chanteuse Sharon Jones, qui viennent de se succéder sur la scène du théâtre de verdure de Nice.

Carter est un gentleman, un musicien hors pair, élégant et racé. Il joue depuis longtemps en trio avec le très fin guitariste Russell Malone, mais cette année il était accompagné au piano par Donald Vega, dont les soli ont ravi le public. Regardez le visage de Carter (à partir de la minute 6), lui-même séduit par l’envolée de Vega dans sa libre interprétation de My Funny Valentine. Tout cela est si épuré, si mélodieux! J’ai déjà souligné le choix qu’avait fait Carter de ne pas suivre Miles Davis quand ce dernier est passé à l’électrique. Sans doute s’est-il privé de certaines expérimentations qui ont contribué à renouveler le jazz lors du siècle dernier, mais le sens de la transmission est bien là, et la générosité avec laquelle il laisse ses musiciens vagabonder dans la reprise de standards est très gratifiante, pour eux, comme pour nous. Professeur émérite au City College de New York, Carter, âgé de 75 ans, a été récemment promu Chevalier des Arts et des Lettres par le ministre de la culture.

De cette ambiance feutrée, nous sommes passé le lendemain à une sorte de cyclone puissant, qui a emporté  quelques spectateurs sur scène, à l’invitation de l’artiste cependant.

Sharon Jones, Nice, 12 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Sharon Jones a d’abord été gardienne de prison à Rikers Island (oui, c’est bien là qu’un certain DSK a été placé récemment en détention, mais bien après le départ de Sharon…), puis convoyeuse de fonds pour la Wells Fargo (les créateurs d’American Express). Elle commence sa carrière alors qu’elle est déjà âgée de 40 ans et, avec la complicité des Dap Kings, le groupe du label indépendant Daptone (qui a produit l’album d’Amy Winehouse, Back to Black), elle reprend la veine du funk des années 1960/1970, “à la manière de” James Brown.

Musicalement, ce n’est pas follement intéressant, mais Sharon, vêtue d’une robe vert “océan” avec des franges qu’elle a fait onduler en entrant sur scène, “pour imiter les vagues”, nous a-t-elle dit, est assurément une performeuse. Elle doit son succès à sa voix et à sa très grande authenticité, elle qui vit toujours dans le Queens, à New York.

Issue d’un milieu modeste, Sharon Jones est citoyenne d’un monde qui est aussi le nôtre.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=XMbBdNEjaFk[/youtube]

Trombone Shorty domine le ring

Trombone Shorty & Orleans Avenue, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Le concert commence dans une semi-obscurité. Tout d’un coup, les lumières éclairent le batteur qui commence, disons, très fort, son abondante chevelure ondoyant au même rythme que les coups de percussions. Métal et musique extrêmes ? Non, bien sûr, çà c’était pour Antoine Gaudin (« On était au Hellfest 2012 : métal et musiques extrêmes sous le soleil de Satan », excellente chronique à lire sur nonfiction)

Entre alors sur scène Trombone Shorty, tenant bras tendus, tel un trophée, sa trompette et son trombone, et avançant comme sur un ring. Le public niçois, pourtant d’âge et de culture musicale très différents, comprend que ce musicien-là, 26 ans, annonçant fièrement qu’il vient de La Nouvelle-Orléans, va entraîner tout le monde dans son sillage (ce qu’il fera en allongeant la durée prévue de son concert de plus d’une demi-heure, devant des spectateurs debout).

Trombone Shorty, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Louis Neveu.

Plutôt fin, mais très athlétique, Shorty a une énorme présence scénique, une énergie communicative, mais également, et surtout, un sens profond de la musicalité. Pas du genre à simplement jouer les hits de son dernier CD, ou à répéter les mêmes effets de concert en concert, alors qu’il tourne depuis près d’un an. Sur une base « New-Orleans », il évolue vers le funk-soul, le rock et le hip-hop en ménageant constamment des effets de surprise, que ce soit dans le jeu avec ses musiciens (belle entente avec les Orleans Avenue, son groupe depuis trois ans) ou dans l’alternance du chant (qu’il pratique depuis quelque temps maintenant) et du jeu de ses deux instruments.

Grâce à une technique de respiration très particulière, il arrive, sans s’interrompre pour reprendre son souffle, à faire circuler l’air en continu, pouvant ainsi tenir une note pendant un long moment, au risque de terminer le concert en s’étant un peu blessé à la lèvre.

Trombone Shorty, Nice, 10 juillet 2012, photographie Jean-Philippe Marty.

Né à Treme, un quartier de La Nouvelle-Orléans devenu célèbre grâce à la série que HBO y a tournée (dans laquelle Shorty fait plusieurs apparitions ), le petit Troy, surnommé Shorty par son frère aîne quand, très jeune, il portait un trombone plus grand que lui, a gagné le respect de ses pairs  (voir sa “battle” avec Wynton Marsalis à la House of Blues), mais aussi celui de sa famille, en Louisiane, pour son engagement dans la reconstruction de l’État et de La Nouvelle-Orléans après Katrina. Il fut l’un des invités de la soirée “Red, White & Blues” le 21 février dernier à la Maison Blanche, aux côtés de B.B. King, Mick Jagger, Buddy Guy et Jeff Beck, lors de laquelle le président Obama s’est laissé convaincre de chanter le refrain de “Sweet Home Chicago”.

Gregory Porter, entre Nat King Cole et le Protest Song

Gregory Porter, photographie Jean-Louis Neveu, Nice, 9 juillet 2012.

“1960 combien? 1960 qui?” Gregory Porter fait semblant de ne pas savoir, de ne plus se souvenir ce qui se passait dans les années 1960. Ce qui est sûr, c’est que “la ville de l’automobile” était alors “en train de brûler” et que “ce n’est pas juste”.

La ville en question, c’est Detroit. Déjà, en 1932, des ouvriers des usines Ford qui étaient au chômage avaient organisé une marche qui se termina par une charge meurtrière de la police. Grâce aux jeunes cameramen de la Film and Photo League, juifs pour la plupart et très engagés à gauche, cette marche a été filmée et ce document rare est conservé au Musée d’art moderne de New York.

Les années soixante? Toujours à Detroit, c’est également la création par Berry Gordy du fameux label Motown (pour “Motor Town”) : en 1961 il engage Marvin Gaye, un artiste souvent cité par Porter. Son tune “I heard It Through the Grapevine” le rendra célèbre. En 1967, ce sont des émeutes raciales qui éclatent, après celles survenues deux ans plus tôt à Watts, un quartier majoritairement noir de Los Angeles. “Tant dans le paysage que dans les mentalités, écrit Boris Leguy, l’émeute a laissé une énorme fracture. Il a fallu reconstruire une ville profondément marquée par les stigmates de l’émeute. Toute la politique de la municipalité visant à favoriser l’intégration entre Blancs et Noirs fut remise en cause par l’émeute. La conséquence que craignaient les pouvoirs publics à court terme était un backlash (retour de bâton) de la part des Blancs. Celui-ci n’eut pas lieu car les Blancs préférèrent quitter le centre-ville de Detroit et gagner les banlieues”.

Enfin, les années soixante, c’est la mort de Martin Luther King, le 4 avril 1968, à Memphis :

“There was a man, voice of the people/standing on the balcony of the Lorraine motel./Shots rang out, yes it was a gun./He was the only one to fall down, Ya’ll.”

Avant d’être assassiné, dans la chambre 306 du motel Lorraine, alors qu’il venait de délivrer un discours intitulé “I’ve Been to the Mountaintop”, Martin Luther King s’était assuré auprès de Ben Branch que ce dernier jouerait bien “Take My Hand, Precious Lord” au Curry’s Club.

Les Américains ont-ils la mémoire courte pour les interpeller ainsi? “1960. What?” est l’un des morceaux qui ont fait connaître, aux États-Unis, au Royaume-Uni et en France le chanteur africain-américain Gregory Porter. Ancien Linebacker de l’équipe de football de son université, puis chanteur sur des musicals à Broadway, Porter possède un grand charisme et s’impose sur scène par sa présence et son élégance. À Nice, dans une tournée qui le conduit à l’Olympia le 19 juillet, il nous accorde un entretien.

Êtes-vous surpris de l’accueil particulièrement chaleureux qui vous est réservé en France?

Oui, tout à l’heure les gens ont repris le refrain de “1960. What?”, ce qui m’a vraiment étonné. Je me demande comment ils ont pu se familiariser aussi vite avec mes compositions.

Pourquoi rappeler, aujourd’hui, ces années soixante?

Je crois que, d’une manière générale, les Américains n’ont pas beaucoup de mémoire et il me paraît nécessaire de leur rappeler l’histoire, pourtant très récente, qui a marqué la bataille des droits civils.

Oui, c’est très frappant de voir combien, sous une voix de velours, vous chantez des textes très écrits, très engagés, sans être forcément explicites ou militants. Dans 1960. What?”, vous ne citez pas le nom de King ou celui de Detroit.

Mon modèle, comme chanteur, c’est Nat King Cole. Mais je m’inscris également dans la tradition du “Protest Song” et je porte une grande attention aux paroles de mes chansons.

Nat King Cole, même s’il a connu un grand succès comme crooner, a lui aussi souffert des discriminations raciales.

Les gens ne se rendent pas compte que les violences subies par la communauté africaine-américaine, sans aller jusqu’au temps de l’esclavage, ne sont pas si lointaines. Cependant, je ne limite pas ces exactions à la seule communauté noire. D’autres minorités ont également souffert. Ce qui m’intéresse, c’est de lier la conscience politique à l’histoire du jazz. Et là, ce n’est pas seulement une question de référence ou d’hommage, mais de construction d’un univers musical qui a d’abord été pour moi familial. Par exemple, dans « On my way to Harlem », quand je dis que c’est à Harlem que je suis né, je dis bien que c’est dans l’esprit de qu’il représente, si ce n’est dans le lieu, que j’ai été élevé.

“You can’t keep me away from where I was born/I was baptised by my Daddy’s horn“

Vous êtes né en Californie. Quand êtes-vous venu à New York ?

Je suis venu dans les années 1990. J’ai d’abord habité à Harlem, puis à Brooklyn.

Quels sont les clubs où vous aimez jouer ?

Le Fat Cat [un club du Village, surtout fréquenté par des étudiants, où l’on peut écouter des concerts, mais aussi jouear au billard ou aux échecs], le Smoke [situé Upper West Side, pas très loin de l’université de Columbia]. Mais si vous me demandez quel est le club le plus confortable (“smooth“), c’est à coup sûr le Dizzy’s [le plus beau club de New York, où Porter se produira cet automne].

Pas le Lenox Lounge, à Harlem ?

Si, bien sûr, mais vous savez qu’il va bientôt fermer. C’est vraiment triste. Cependant, je crois que s’il y a une nouvelle renaissance de Harlem, c’est en lien avec ce qui s’y passe, mais aussi et peut-être surtout avec l’esprit d’ouverture du jazz actuel sur le monde. Il est important que nous contribuions à notre tour à la diffusion d’une musique qui est un partage.

J’ai remarqué à New York qu’il n’est pas rare, maintenant, de voir des musiciens d’origine asiatique dans des ensembles de jazz. La Julliard en forme beaucoup et de jeunes pianistes comme Jonathan Batiste ont partagé avec eux la même éducation.

Oui, moi-même je suis accompagné par un saxophoniste japonais très brillant, Yosuke Sato [dont les soli ont été très appréciés par le public niçois]

Quel jugement portez-vous sur le bilan de Barack Obama à la Maison-Blanche?

Positif. Il a ccompli pas mal de choses en quatre ans et j’espère qu’il sera réélu.

Le jazz, une histoire de famille(s)?

Mamie Smith & her Jazz Hounds, 1922. De gauche à droite : inconnu, Bubber Miley, inconnu, inconnu, Mamie Smith, Coleman Hawkins, inconnu, inconnu.  

C’est China Moses, la fille de la marraine de l’édition 2012, Dee Dee Bridgewater, qui a ouvert le festival de jazz de Nice sur la scène Masséna, tandis que c’est Jean-Christophe, le fils de Richard Galliano, qui faisait swinguer le New Meeting Quartet dans le théâtre de verdure. Si l’une exerce le même métier que sa mère, l’autre a choisi un autre instrument que son père : les percussions. Le jazz peut être une affaire de famille, que ce soit la sienne ou celle que l’on se construit dans la connaissance de l’histoire qui nous précède et dont nous sommes les héritiers.

China Moses, photographie Jean-Louis Neveu, 2011.

Jean-Christophe Galliano et son groupe ont offert leurs propres compositions, privilégiant malgré tout le dialogue piano/accordéon, pas très éloigné de la combinaison orgue/accordéon qu’offraient, juste après eux, Eddy Louis et Richard Galliano. China Moses a continué, de son côté, la série d’hommages aux grandes chanteuses américaines qu’elle affectionne. Après Dinah Washington, elle traverse le siècle dernier en interprétant des standards de Billie Holiday, Peggy Lee (« Why Don’t You Do Right ») ou Bessie Smith. Annonçant son prochain CD, qui portera le même titre, elle reprend “Crazy Blues“, rendu célèbre par Mamie Smith et ses « Jazz Hounds » en 1920 :

« I can’t sleep at night
I can’t eat a bite
’cause the man I love
He don’t treat me right ».

Si l’on peut apprécier en tant que tel le tune écrit par Perry Bradford, son histoire, que China n’hésite pas à rappeler brièvement à l’intention de son public, importe tout autant. Mamie Smith fut en effet la première chanteuse noire à avoir enregistré un disque d’abord apprécié par la communauté africaine-américaine, en particulier à Harlem, où elle vécut de 1913 (elle avait alors trente ans) jusqu’à sa mort, en 1946, alors que George W. Johnson, qui avait déjà enregistré à la fin du 19ème siècle, l’était davantage par des amateurs blancs européens et américains. Mamie Smith lança la mode des « Classic Female Blues », connue pour avoir mêlé le folk traditionnel du blues au Vaudeville, c’est-à-dire une forme de musique à une tradition théâtrale croisant la danse, la comédie, la musique ou encore la magie. « Crazy Blues » a été sélectionné par la Bibliothèque du Congrès en 2005 pour figurer parmi les créations artistiques préservées pour toujours, à côté de l’enregistrement du fameux discours de Martin Luther King, « I have a dream ».

C’est cette mémoire que porte China Moses, et il faut se réjouir qu’ainsi elle soit revitalisée.

Même s’il ne joue quasiment que ses propres compositions, le trompettiste Ibrahim Maalouf, également présent à Nice, reconnaît volontiers l’influence de son père sur son choix de devenir à son tour musicien, de pratiquer le même instrument, avec ses quarts de tons si caractéristiques, et d’inscrire son répertoire au croisement d’influences arabes et occidentales, dans une pratique partagée entre classique et jazz.

Ibrahim Maalouf, photographie Jean-Louis Neveu, 2011.

Occupant volontiers le centre de l’espace scénique, en faisant appel à ses musiciens souvent par petits groupes ou de manière individuelle, Maalouf a une façon très particulière de commencer des morceaux qu’il a déjà enregistrés par des variations, avant de remonter sur le thème principal. Sur scène, il peut surprendre son auditoire – et ses musiciens – en partant sur des improvisations dont le progression se fait par déplacement de sa trompette de part et d’autre des deux micros qui se trouvent devant lui, comme s’il cherchait à s’adresser séparément à ses guitaristes, sans pour autant les intégrer à son inspiration. Tout cela n’est pas dépourvu d’un certain narcissisme, mais quand, sur « Soon Will be A Woman », il imite le chant d’un enfant, en l’occurrence sa propre fille, qui résisterait ?

NICE JAZZ FESTIVAL 2012

Gregory Porter

En 2011, le festival de jazz de Nice avait connu une nouvelle étape dans son histoire, en se déplaçant des collines de Cimiez vers le bord de mer, sur deux sites de concert : le théâtre de verdure et le jardin Albert 1er.Limité à cinq soirées, le festival avait été une vraie réussite.

Lors de sa création, en 1948, avec Louis Armstrong et Stéphane Grapelli comme premiers artistes invités, le festival se déroulait alors à l’Opéra, au Négresco, mais aussi, sous forme d’espace de danse, sous la verrière du Casino municipal de la place Masséna.

C’est autour de cette place que le festival connaîtra son vrai départ, en 1971, avec, Ella Fitzerald, Oscar Peterson et Herbie Hancock, qui revient cette année dans une édition qui s’annonce flamboyante, sous le marrainage de Dee Dee Bridgewater.

La programmation établie par Harry Lapp réunit en effet, entre autres, Ibrahim Maalouf, Eddy Louiss et Richard Galliano, Gregory Porter, Joshua Redman, Dr John, Troy « Trombone Shorty » Andrews, et le très déjanté No Smoking Orchestra d’Emir Kusturica. Plus de 30 000 spectateurs avaient suivi le festival l’an dernier, sans compter tous ceux qui, en ville, ont assisté aux concerts du Jazz Off.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=v2l1269HjeA&feature=related[/youtube]

Gregory Porter sera l’un des artistes les plus attendus du festival, on his way from Harlem to the French Riviera.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_TU9VlpkZ3I[/youtube]

Informations et contact : http://www.nicejazzfestival.fr/

Jason Moran en concert à Paris

Jason Moran présente à Paris l’hommage à Thelonious Monk  qu’il avait déjà donné le 6 mars  2009 à Saint-Ouen en ouverture de Banlieues Bleues.

Quelque temps plus tard, lors du Nice Jazz Festival, il m’avait accordé un entretien dans lequel il expliquait la manière dont il a recréé le fameux concert donné en 1959 par Monk à New York.

Jason Moran est l’un des pianistes les plus inventifs de la scène new-yorkaise. Son dernier CD, Ten, lui a valu une triple reconnaissance des 59ème Annual Critics Poll : meilleur artiste de jazz, meilleur album et meilleur pianiste de l’année.

Photographes de jazz

Wayne Shorter, Juan-les-pins, juillet 2011

À en juger par leur présence en début de concert ou la vitalité de leur sociabilité dans l’espace réservé aux personnes accréditées, le jazz doit être visuellement très attractif pour attirer autant de photographes, du moins à Nice et à Juan-les-pins. Et pourtant la presse écrite, qu’elle soit ou non spécialisée, leur offre peu de débouchés. Comment expliquer cet écart ?

En fait, la plupart des professionnels qui sont accrédités comme photographes ont des parcours assez peu ordinaires, si l’on excepte ceux qui couvrent les concerts pour des quotidiens locaux ou ceux qui accompagnent un journaliste pour illustrer son papier. Dans leur très grande majorité, ils travaillent en free-lance, et, souvent, sans carte de presse. Cette précarité, qui s’est accentuée depuis que les nouveaux médias en ligne, au lieu de leur permettre de publier leurs photos, préfèrent recourir à des images libres de droit, est compensée par le fait qu’ils sont beaucoup à exercer un autre métier en parallèle ou que le jazz est une passion pour eux, avant d’être l’objet d’un travail.

C’est le cas de Jean-Claude Pouget, qui est professeur des écoles dans les Alpes-maritimes,

ou de Gottfried Simbriger (www.jazzportraits.at), qui est architecte en Autriche,

Jack DeJohnette et Gary Peacock, Juan-les-pins, juillet 2011.

ou encore de Jean-Louis Neveu, qui a interrompu prématurément sa carrière professionnelle pour se consacrer entièrement au jazz.

Jean-Louis Neveu, Nice, juillet 2011 (photo C. Delage)

Passionné depuis longtemps de jazz, bon connaisseur, il a su pénétrer dans l’intimité des musiciens en les suivant régulièrement, d’un festival à l’autre, pendant les balances ou lors des concerts. Il a ainsi constitué une véritable archive, qu’il transformera peut-être un jour en album, en exposition ou en film.

Certains travaillent encore en argentique et réalisent eux-mêmes leurs tirages. C’est le cas de Patrizio Gianquintieri (www.apj.it), qui avait pris une belle photo du pianiste et chanteur Jamie Cullum lors de son passage à Juan.

Jamie Cullum par Christian Delage (ci-contre) et Patrizio Gianquintieri (ci-dessous)

Cullum est un « entertainer » et souvent, en fin de concert, il vient avec un ou deux de ses musiciens se mettre au milieu des spectateurs, en son seulement acoustique. Ce soir-là, le 20 juillet, Gianquintieri, s’il était bien placé devant la scène en début de concert, s’est retrouvé un peu loin de Cullum quand ce dernier a sauté au milieu des gens. Comme j’étais juste à côté des musiciens, il m’a alors passé son appareil, puis m’a envoyé les deux clichés, le sien, très professionnel, et le mien, pris dans des conditions et avec une technique peu avantageuses. « La mienne est sans doute une une (assez) belle image, m’expliqua-t-il en m’envoyant les deux clichés, mais la tienne c’est un très bon « clic », qui rend bien compte de l’intensité et de l’énergie de Cullum ».

Jeune photographe de 27 ans, originaire de Nice, désormais parisien, Jean-Philippe Marty, après des études musicales au Conservatoire de Nice et Cap d’Ail en formation classique et jazz, a suivi une formation spécialisée à l’École des Gobelins Paris (photographie de studio, supports argentique et numérique, retouche), avant d’être assistant au Studio 258. Free-lance (reportages, danse, arts, musique), ses photos sont publiées dans Jazzman, So Jazz, Le Monde, Monaco Hebdo. Il travaille en couleur et en noir et blanc, avec des boitiers pro Canon mais n’hésite pas à ressortir de temps à autre une chambre, un moyen format ou un télémétrique argentique, « car le film restera toujours le film, avec son lot d’improvisations tout comme le jazz finalement », m’explique-t-il dans un entretien qu’il m’accorde.

Marty est très clair sur ses choix : vite passé au numérique, pour des raisons pratique avant tout, il travaille systématiquement sur Photoshop pour corriger le contraste, la luminosité, la courbe, voire le passage au noir et blanc. Sur la photo d’Imany qu’il a bien voulu mettre sur mon blog, il a effectué une retouche pour supprimer le micro qui gênait : « la retouche est un moyen mais pas une fin ».

Ben l’Oncle soul, Juan-les-pins, juillet 2011.

« En général, m’explique-t-il, les photographes disposent de deux, voire trois morceaux pendant lesquels ils peuvent travailler, en se tenant près de la scène où à 30 mètres de celle-ci, selon l’organisation. Il faut alors aller très vite, bien se placer, être attentif à ce qui se passe, à ce que l’artiste exprime. Puis, faire des choix esthétiques, adopter une sorte de démarche ». Ainsi Marty apprécie la  diagonale, en plaçant le sujet au bord des angles : « J’aime qu’il y ait un dynamisme dans l’image sans que ce soit un cadrage tordu. Au départ, je serre le portrait avec un 70/200, puis je reviens au 50 mm et à l’ultra grand angle. J’essaie de photographier l’étendue de ce qui se passe sur scène, la connivence entre les musiciens. Il n’y a pas vraiment de spécificité du jazz en tant que musique par rapport aux autres, sauf une relation parfois charnelle avec les instruments, surtout ceux à vent…  le musicien regarde son instrument, ce que ne fait pas le guitariste par exemple. ».

Imany, de New York à Juan.

Photographie Jean-Philippe Marty, pinède de Juan-les-Pins, 21 juillet 2011.

Il y a deux ans, j’avais déjà évoqué la forte présence et la qualité du jazz vocal féminin, alors que Mélody Gardot venait de s’affirmer comme un talent avec lequel il allait falloir désormais compter.

Cette année, la jeune auteur et interprète Imany s’est spontanément imposée au public de Jazz à Juan par sa classe, sa tranquille assurance et sa beauté.

Née en France, issue d’une famille d’origine comorienne de dix enfants, elle a vécu en région parisienne et sa scolarité s’est effectuée dans un collège d’établissement militaire pour jeunes filles (son père était pompier dans l’armée de l’air). Partie à New York,  un peu sans repères, elle devient mannequin puis s’intéresse à la chanson et, entre Brooklyn et Manhattan, se produit sur quelques scènes arty, dont celle du Bitter End, un club classé “landmark” où Bob Dylan lança naguère sa Rolling Thunder Revue et où elle chante pour la première fois l’un des titres de ce qui allait devenir son premier album, “I Lost My Keys”.

I don’t trust myself
I’ve been doing the same mistakes
can you help me to find a family ?
I am so lonely by myself
I lost my keys
I don’t even know my own address
and there’s nowhere I wanna be

Sa voix, un peu rauque, la prédispose naturellement au style folk ou soul, mais ses compositions l’ont très vite fait comparer à Tracy Chapman, ou même Billie Holiday. Après un concert où elle a semblé très à l’aise sur scène, elle prend volontiers le temps de répondre à quelques questions, à commencer par celle sur ses racines :

“Je suis née en France, mais il n’empêche que l’on me demande toujours d’où je viens. Je ne suis pas souvent allée dans le pays d’origine de ma famille, mais j’ai quand même écrit en partie une de mes chansons en comorien, avec l’aide de mon père il est vrai”.

Votre père vous a-t-il souvent parlé de l’histoire des Comores ?

“Lui est très concerné par l’indépendance, mais moi, mon engagement est davantage personnel. Le contexte a changé. Holiday vivait au temps de la discrimination raciale, Chapman s’est engagée contre l’apartheid, je me sens concernée par d’autres questions, celle, par exemple, du mariage forcé des jeunes filles, que j’évoque dans “You Will Never Know”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=L4tF9EnbcxU[/youtube]

Dans ce clip, réalisé par Andrew Dosunmu, la voix est distincte des images, où l’on ne vous voit jamais chanter.

“Oui, c’était un choix commun avec le réalisateur. Comme la production s’inquiétait qu’on ne me reconnaisse pas, au milieu de la figuration, ils ont insisté pour que je porte une robe blanche ! (rires)”

Cela fait aussi sens par rapport à ce que vous chantez, l’innocence volée, même si, à la fin, vous inversez le rapport de domination et retrouvez votre fierté.

“Nous avons conçu le clip comme un court-métrage qui raconte une histoire, celle d’une liberté individuelle retrouvée.”

Vous avez également fait une reprise de Redemption Song, de Bob Marley, qui évoque les “vieux pirates qui m’ont volé et vendu aux bateaux d’esclaves”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=SLQI41QrlGo [/youtube]

Oui, je l’ai beaucoup chanté à mes débuts, ce soir j’ai choisi de reprendre Mercedes Benz de Janis Joplin.

À New York, vous vous êtes fait connaître en chantant en anglais?

“J’ai chanté en anglais mais aussi en français, les Américains adorent cela, La Vie en rose par exemple. Pour l’instant, je suis la tournée de Ben L’oncle Soul mais cet automne, je serai avec la formation avec laquelle j’ai enregistré mon CD, soit 8 musiciens. J’espère partir en Amérique du sud, aux Comores, revenir à New York. Et puis, au jour le jour, je prépare mon prochain CD, juste en essayant des maquettes sur mon ordinateur.”


B.B. King : Oldies, but Goodies

Dans les concerts, particulièrement ceux en plein air, et davantage encore dans la pinède  de Juan-les-pins, l’entrée et la sortie de scène de l’artiste invité ajoutent toujours au plaisir du show, en contribuant à l’empathie entre ce dernier et le public. Après tout, c’est cela le privilège du spectacle vivant, que ce soit le théâtre, la danse ou la musique : le partage, la communion, dans l’évanescence de l’instant présent.

Dans l’après-midi, pendant la balance, un musicien s’était assis sur une chaise tout à fait ordinaire placé au milieu de la scène. Un des photographes présents a voulu saisir cette opportunité pour prendre un cliché “posé”. Refus immédiat mais poli de celui-ci. Cette chaise, c’est celle de Riley B. King, surnommé B. B. (Blues Boy) King. Les consignes pour le soir sont précises : les photographes auront droit à trois morceaux, mais l’orchestre en jouera d’abord deux seul. Le King, âgé de 85 ans, entrera en fauteuil roulant avant de s’asseoir sur cette fameuse chaise.

Me revient en mémoire l’entrée de scène d’Aretha Franklin il y a deux ans au Radio City Music Hall de New York. Après une attente interminable, meublée par du stand-up, l’orchestre était apparu par un de ces effets de lever de rideau et de pivotement de scène propres au Radio City, puis, après encore un bon quart d’heure, un chauffeur de salle était venu au centre et avait commencé à hurler : “Ladies and gentlemen, please welcome the queen of soul, A/Re/Tha/Fran/kliiiiin” ! Dans ce genre de situation, il va de soi que la salle est totalement acquise, debout, excitée. Sur la scène immense, Aretha arrive très lentement par la gauche, encadrée par deux personnes qui l’aident à marcher. Puis, seule, elle se dirige au centre et commence à chanter, pas très juste ni très fort. Qu’importe, c’est Aretha, celle qui a eu le privilège de chanter le jour de l’intronisation de Barack Obama (avec son beau chapeau, pour les fans seulement) :

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=YsNHhJTZAM0 [/youtube]

Après être resté un instant sur le devant de la scène, en compagnie des photographes, il était temps de monter sur la mezzanine, pour ne rien rater de l’entrée de scène du King, autrement dit, voir ce qui se passait en coulisse. L’orchestre se met en place, dirigé par le trompettiste James Bolden, et l’ensemble sonne tout de suite plein pot. Un morceau, deux morceaux. Un des musiciens, en costume rouge, vient devant le micro central. Même style que pour Aretha. Et là, petit miracle, B. B. King entre debout, sans être épaulé. Il s’asseoit, prend sa guitare et se met à chanter sans embage. Puis, il présente tous ses musiciens et dit : “My name is B. B. King. Im an old man from Mississipi.”

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=F4OXrmxDp44[/youtube]

Il commence à bavarder, à s’adresser au public, à bafailler, comme on dit dans le midi. On comprend vite qu’il ne va pas chanter beaucoup, mais peu importe car il est surtout question de “kisses” : “Oh give me one more kiss darling. Just before I go. Cause when I leave this time little girl. I won’t be back no more.”

Maintenant, se demande le spectateur, comment va-t-il quitter la scène ? Une personne s’approche de lui pour le prendre en photo. Il lui serre la main. Une autre profite de cette ouverture pour faire la même chose. La sécurité l’en empêche. Mais le King fait signe qu’il est d’accord : bientôt le devant de scène est bondé de gens, plutôt jeunes, qui, un par un, viennent saluer le vieux lion. Il aimerait bien se lever, mais, n’étaient-ces ces mauvaises jambes, il est quand même en forme et bien dans sa tête.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=3GWc78hD4I4&feature=related [/youtube]

Il finit par se lever et, dans une ambiance survoltée, la sortie du King est annoncée par le même musicien qu’au début. Bien sûr, en regardant les vidéos de ses autres concerts, ce qu’il a chanté et fait à Juan, il l’a fait partout ailleurs, presque de la même manière. Mais il a su donner quelque chose aux gens venus le voir, une part de son charisme, de son humanité, de son identité africaine-américaine. Il peut s’en aller, fier de ce qu’il a fait, en autodidacte heureux de nous dire que son neveu, présent sur scène à ses côtés, a pu, lui, faire des études pour devenir musicien.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=I9dvjWQtth0[/youtube]

Miles Turning Electric

« Georges Marchais avait souhaité une cérémonie simple, écrit Pascal Virot dans Libération. Elle fut dépouillée. Et sans émotion. […] Crêpés de noir, les drapeaux tricolores et les drapeaux rouges, frappés de la faucille et du marteau, s’agitent mollement sous la pluie. […] Le cercueil est recouvert d’un drapeau rouge coiffé d’un drapeau tricolore. La trompette de Miles Davis exhale ses accords mélancoliques. »

Oui, vous avez bien lu, la montâââgne n’était pas belle ce jour-là, car, surprise, point de Jean Ferrat mais du Miles Davis ! « Accord mélancoliques » ? Pas vraiment, cependant, car le disque choisi pour les funérailles du Secrétaire général du Parti communiste français, c’était Bitches Brew (1969, dont la spendide pochette a été réalisée par Abdul Mati Klarwein), troisième meilleure vente pour un album de jazz après Kind of Blue et Time Out (Dave Brubeck), mais, surtout, moment-clé où Miles développe un nouveau genre, le jazz-rock fusion, dont l’une des caractéristiques majeures est d’électrifier les intruments.

Comme toujours, le casting fait rêver, surtout rétrospectivement, étant donné la carrière de la plupart de ces jeunes musiciens : Bennie Maupin (clarinette basse), Joe Zawinul, Larry Young, Chick Corea (piano électrique), John McLaughlin (guitare), Dave Holland (contrebasse), Harvey Nrooks (basse électrique), Lenny White (batterie), Don Alias (Batterie, congas) et Wayne Shorter (saxophone soprano). Étaient présents hier, en ouverture de Jazz à Juan 2011, et pour commémorer la sortie de cet album : Bennie Maupin, en première partie,  avec un groupe dont le nom même (Bitches Brew Beyond) signale bien l’héritage revendiqué, Herbie Hancock et Wayne Shorter, en seconde partie, accompagnés par Marcus Miller et deux jeunes musiciens, Sean Jones (trompette) et Sean Rickman (batterie). Quant à Jack DeJohnette (batterie), il sera là ce soir pour le concert annuel du trio de Keith Jarret.

Ce genre de “Tribute” à Miles est un exercice périlleux. D’abord sur un plan historique : le passage à l’électrique a été un tel choc en son temps qu’il est quasiment impossible d’en redonner à entendre, aujourd’hui, à quarante ans de distance, la nouveauté radicale. En effet, les amateurs de Miles étaient alors habitués à un certain univers sonore du trompettiste et, pour une partie d’entre eux, ils ont été déboussolés par la transformation effectuée. Mais il faut compter aussi avec la conscience que nous avons aujourd’hui de l’histoire du jazz et notre sentiment, même confus, du vieillissement de certaines partitions, voire de la pratique de certains instruments, je pense ici à l’usage de l’orgue Hammond et aux percussions harmoniques du modèle B3. Sans parler de la “fusion” entre jazz, rock et funk, qui correspond également à un moment précis (fin des années 1960, époque du festival de Woodstock, etc.).

Si le groupe Bitches Brew Beyond a paru un peu terne, nous laissant trop sur le bord du chemin emprunté par Miles, le parcours proposé par Marcus Miller était somptueux. C’est lui qui a eu l’idée de cet hommage et qui l’a en quelque sorte conçu d’abord comme une dialogue, un partage entre musiciens de trois générations différentes (celle de Hancock et Shorter, celle de Miller et celle de Jones et Rickman), ensuite comme un continuum en deux longues séquences sans interruption. La première, la plus longue, de près d’une heure, a été présentée par Miller comme  la partition qu’aurait pu imaginer Miles dans le rêve d’une vie idéale. Très belle formule pour un moment d’une incroyable intensité, où la puissance électrique donnait aux cuivres une ampleur symphonique. Les variations de tempo, au sein d’une formation  très cohérente et unie, étaient lancées par la batterie ou par la clarinette basse, et l’ensemble n’était jamais agressif, mais plutôt cool. Sans doute était-ce la volonté de Miller d’insister davantage sur la continuité du parcours de Miles que sur ses ruptures, une perspective rendue possible par le fait qu’il avait intégré l’équipe des siders du maître après le tournant électrique et que cela fait désormais vingt ans que ce dernier est décédé.

En fin de concert, après un solo remarqué de Hancock sur “Someday My Prince Will Come” (que Miles avait enregistré en 1961 à New York), la reprise de “Time after Time

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et de “Tutu

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=hL5JrivCaLM&feature=related[/youtube]

a ravi le public, très nombreux, venu célébrer la mémoire vive de Miles Davis.

Ahmad Jamal, a French Celebration


Jamal à l’affiche de l’Olympia (2000 et 2011).

C’est comme si toutes ses dates anniversaires êtaient fêtées depuis 30 ans. Pourtant Ahmad Jamal n’a pas toujours connnu le succès public et/ou critique. En France, il a fêté ses 80 ans à Marciac, puis ses 81 ans à Paris, à l’Olmypia, avant d’être célébré ce soir à Nice, en clôture du festival.

Beaucoup d’articles ont été écrits sur lui, mais jusqu’à présent aucun livre. En novembre 2010, Alex Dutilh a consacré une semaine de son Open Jazz à un long entretien qu’il a réalisé avec Georges Kiossef dans la maison du pianiste dans le Connecticut.

Pour qui veut découvrir ce musicien, je ne peux que recommander la notice de Wikipedia, pour une fois bien mieux documentée que la version en langue anglaise, et dont la qualité signale bien l’intérêt porté par les Français à l’artiste.

Frederick Russell Jones est né à Pittsburgh, en Pennsylvanie, dans une famille modeste où son père travaillait dans une aciérie et sa mère était femme de ménage. À l’époque, l’État, surnommé “Keystate” en raison de sa position géographique privilégiée entre Nord et Sud, comme entre côte atlantique et Midwest, était encore l’un des poumons industriels des États-Unis, producteur d’acier et de pétrole (aujourd’hui du très polluant gaz de schiste). Deux grands capitaines d’industrie ont symbolisé l’essor de la sidérurgie et des chemins de fer à Pittsburgh : Andrew Carnegie, qui, avec sa société, Carnegie Steel, a fait fortune en produisant des rails de chemin de fer, avant de la revendre au financier J.P. Morgan et de devenir un mécène exceptionnel ; Andrew Mellon, financier de l’industrie, homme politique, qui ne brilla pas particulièrement par son progressisme pendant la Grande Dépression, avant de devenir un philanthrope avisé.

Pour voir à quand ressemblait encore les paysages de la Pennsylvanie ouvrière avant la grande reconversion dans le tertiaire à la fin des années 1980, il suffit de se souvenir du début du film de Michael Cimino, The Deer Hunter, qui montre non seulement des ouvriers travaillant dans une usine sidérurgique mais également la présence de la nature, dans un territoire où la confrontation à l’autre se fait d’abord dans la montagne, dans le rituel de la chasse aux cerfs, avant de se déplacer au Vietnam.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=idvJ6MoL21I[/youtube]

C’est dès l’âge de trois ans que Frederick touche pour la première fois un piano, soit un an plus tard que le fils d’une voisine, amie de sa mère, Erroll Garner ! Le rêve de Frederik : aller à la prestigieuse Julliard School, à New York. Il finira par y arriver, mais à 32 ans, alors que son trio, qui venait de connaître un grand succès en 1959, se dissout trois ans plus tard.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=_Qc3VaXtW5M[/youtube]

Frederik, renommé Ahmad Jamal lors de sa conversion à l’islam en 1952, devient ensuite un pianiste autant accompli que respecté. L’économie de son jeu, son incroyable aisance, son goût de l’épure sont très caractéristiques d’une personnalité que je rapprocherais volontiers de Yehudi Menuhin, n’était-ce le caractère parfois autoritaire de la direction de son trio (il est capable de se retourner brusquement, depuis son piano, pour tancer du regard un musicien qui a fait un écart par rapport à ce qu’il attendait de lui).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=Cp2UgfaQwTc&NR=1[/youtube]

Le concert d’Ahmad Jamal prend place après celui de Roy Hargrove et avant celui de Wynton Marsalis dans le Théâtre de verdure. Un vrai feu d’artifice…

Rencontre avec Michel Portal

S’il y a un musicien qui n’a jamais été menacé par la routine ou par l’autosatisfaction, c’est bien Michel Portal, dont le parcours d’artiste, exceptionnel, s’est constamment placé sous le signe de l’exigence, de l’ouverture et de l’humilité.

“Sa musique jouissive, véhémente, lyrique, inventive, interrogative est une perpétuelle remise en cause de l’humain et des structures”, écrit de lui Francis Marmande. Mais ce qui frappe surtout, dans son exercice de prédilection, le concert, c’est sa concentration. L’improvisation prend chez lui une autre forme que celle à laquelle les musiciens de jazz nous ont ont habitués. C’est davantage une plongée dans l’intimité de la création tout autant que dans le partage avec d’autres musiciens : une expérience qui s’engage dans le temps du jeu lui-même, sans savoir toujours vers où le compositeur-interprète s’engage et nous conduit.

Dasn un entretien accordé récemment à Arnaud Valerin lors de la sortie de son dernier CD, “Baïlador”, Portal explique pourtant que, cette fois-ci, il ne voulait pas partir sur un “free total”.  Il est venu en studio avec une partition, qu’il avait travaillée avec Boyan Z et qu’il a demandée aux musiciens de jouer telle qu’elle était écrite, avec des chorus plutôt courts par rapport à l’exposition des thèmes. L’entretien proprement dit laisse d’ailleurs vite la place à l’image de  Portal dont on lit sur le visage, très expressif, le ressenti à l’écoute de l’un des morceaux de l’album, “Citrus Juice”.

Dans l’entretien qu’il nous accorde après le concert, je reviens sur sa très grande attention et sa réactivité au jeu des musiciens qui l’entourent.

Vous donnez l’mpression, souvent, en concert, d’être comme transpercé par le son, le jeu des musiciens qui vous entourent.

“Quand je joue, je ne me sens pas compositeur. Ce qui m’importe, c’est que l’intensité de la musique ne faiblisse pas. Prenez le Quintette avec clarinette de Mozart, la tension est très grande, dès le début, et il faut la garder ainsi jusqu’au bout. En jazz, je suis du côté de Charlie Mingus, qui faisait comprendre séparément à ses musiciens : « T’entends ce que je joue ? ». C’est cela, un concert, de la transmission entre individus. Si cela ne marche pas, si on est en standby, je suis déraciné.”

Baïlador a été composé dans un temps inhabituellement court pour vous, trois ans.

“Oui, d’habitude, c’est beaucoup plus long… En général, j’écris des musiques qui se limitent à 8 mesures tout au plus. C’est un travail lent, que je ne peux pas faire tous les jours, en me levant le matin et en me disant que je vais composer.

Comment s’est passé l’enregistrement en studio ?

“J’ai enregistré à New York, au studio Avatar, en compagnie de Boyan Z (piano), avec qui j’ai écrit la plupart des compositions, Ambrose Akinmusire (trompette), Lionel Loueke (guitare), Scott Colley (contrebasse) et Jack DeJohnette (batterie). Ma démarche ne correspond pas au mode courant de travail en studio. En général , il faut faire de la « production », c’est-à-dire écouter ce qu’on vient d’enregistrer et procéder le cas échéant à des modifications sur ordinateur. À son époque, quand une seule note ne le satisfaisait pas, Coltrane demandait à son groupe de tout rejouer ! Moi, ce qui m’importe par dessus tout, c’est la fusion du jeu. Par exemple, je commence à jouer et j’attends, je cherche le trompettiste, j’essaie de rentrer dans son univers.

Ce soir, on a bien vu la complicité qui vous unit à Bojan Z. Cela a semblé plus délicat avec certains des autres musiciens présents.

“Ambrose et Boyan étaient présents, mais Nasheet Waits (le batteur habituel de Jason Moran) et Harrish Raghavon (contrebasse) jouaient le programme pour la première fois. C’est plus difficile d’être bien en phase, surtout quand on propose soudainement des accords, une profondeur de son, qui proviennent d’un autre univers que celui du jazz. Quand les musiciens pratiquaient le free total, une époque qui est bien lointaine aujourd’hui, où on est passé à autre chose, ils se connaissaient parfaitement et avaient en commun la même culture musicale, une connaissance d’ailleurs très pointue du jazz. Je pense à Wayne Shorter, par exemple ”

Il faut dire aussi que votre double culture musicale (jazz et classique) n’est pas courante. J’avais l’impression, en entendant Tutti No Hystérique, d’être plutôt à l’Ircam que dans un festival de jazz.

“Oui, c’est d’ailleurs très séduisant, ce duo avec Ambrose, mais j’en connais trop bien le secret de fabrication : c’est une construction sérielle, avec des blocs harmoniques. C’est trop mathématique, je sais le faire mais cela ne me passionne pas.”

Je ne suis pas d’accord. Sans doute est-ce très construit, mais c’est inattendu et il y a des notes d’humour quand, tout à coup, les instruments miment des embrassades

“Oui, je crois que ce que je fais, c’est un Blues bizarre. Vous avez trouvé comment, mon dernier CD?”

Je suis très sensible à cet équilibre entre une partition écrite, très complexe, très exigeante dans son interprétation, et cette communion que vous recherchez en concert avec les musiciens, qui laisse ouvert le jeu, avec ses imprévus, peut-être ses ratés. Cela implique l’auditeur, à qui vous donnez une place, jamais passive.

“Oui, j’aime bien surprendre mes musiciens, voir comment ils vont réagir. Quelque chose advient, en concert. Souvent, le jazz, c’est de la guimauve, dans le sens sentimental. J’ai peur des choses vulgaires. Écoutez DeJohnette : tout en subtilité !”

Blues night

Nice, 9 juillet 2011, Le Homemade Jamz Blues Band, photographie Christian Delage.

Soirée Blues samedi 9 juillet au Nice Jazz Festival. Quelle autre musique peut être aussi marquée historiquement que celle qui est née dans les champs de coton du sud des États-Unis, dans le delta du Mississipi ? C’est l’une des grandes inventions musicales du vingtième siècle, portée par la population afro-américaine, et d’abord éditée, dans l’Amérique de la discrimination, sous la forme de “race records”.

Ainsi pourrait-on simultanément retracer l’histoire de la fin de l’esclavage et la lutte pour les droits civils en racontant l’histoire du Blues, sa migration vers Chicago dans les années 1950 quand les jeunes africains-américains étaient partis au nord, chercher du travail, son amplification électrique, son influence sur les autres musiques.

La soirée Blues du Nice Jazz Festival offrait trois concerts successifs : le premier a permis au public français de découvrir la nouvelle vague du delta blues, en la personne du trio  Homemade Jamz Blues Band, une sorte de band à la manière des Jackson, où le père, Renaud Perry, non seulement fait jouer ses trois enfants, Ryan, 19 ans (guitare et chant), Kyle, 16 ans (basse) et Taya, 12 ans (batterie), depuis près de six ans, mais fabrique les guitares des garçons en les profilant avec des sortes de pots d’échappement dignes de formules 1.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=03mV8WfXC_Y[/youtube]

Leur énergie est tout à fait impressionnante et a conquis l’adhésion du public niçois par son groove, au prix sans doute d’une couleur musicale qui se détache du Blues historique, auquel est davantage attaché Joe Louis Walker, soixante ans, né à San Francisco et passé d’abord par le Gospel et l’université (Musique et Anglais), avant de se consacrer ua Blues, après avoir été invité au Jazz & Heritage Festival à la Nouvelle-Orléans. Une démarche volontariste, donc, qui ne procède pas d’un ancrage initial dans le delta, comme la famille Perry, mais d’un choix artistique, soucieux de préserver, y compris dans le choix d’instruments et d’une manière de jouer plutôt hérités des premiers temps, l’héritage du Blues.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=EUbf9HzNJKM[/youtube]

À la fin de son concert, Walker était rejoint pour un boeuf par Jean-Jacques Milteau, qui célèbre régulièrement sur TSF l’histoire du Blues dans “Bon temps rouler“, et en est lui-même l’un des meilleurs praticiens français. Sur scène, avec son groupe, Milteau faisait la part belle à ses deux chanteurs, Michael Robinson et Ron Smyth, tout en élégance et en swing.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=B1fpUIH9t8I[/youtube]

Un peu sur la défensive en début de concert, Milteau feignait de s’étonner que le public soit si présent pour écouter du Blues. La paradoxe est qu’il en connaît mieux l’évolution que les jeunes Perry, mais qu’il s’en fait l’ambassadeur loin de sa terre natale, dans une forme d’appropriation autant musicale qu’historienne.

Michel Legrand, plutôt musique ou cinéma, jazz ou variétés ?

Michel Legrand est l’un des invités de la soirée d’ouverture du festival de jazz de Nice 2011. Compositeur, arrangeur, pianiste, chanteur, il fêtera l’année prochaine ses 80 ans et reste pour toujours celui qui a composé des musiques de film qui ont fait le tour du monde et lui ont permis, en particulier, de conquérir l’Amérique, avec, par exemple, Les Moulins de mon cœur (L’Affaire Thomas Crown, Norman Jewison, 1968).

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=qbWRIJWpCSw[/youtube]

L’Amérique de Hollywood, mais aussi celle des grands clubs de jazz. Quand il s’est produit au Birdland en 2009, le critique du New York Times, Nate Chinen, avait noté sa résistance, insistante auprès du public, à ne pas jouer seulement ce que l’on attend en général de lui, ces chansons qui ont reçu plusieurs fois des oscars et auxquelles il préfère désormais substituer le plaisir du jeu avec Ron Carter et Lewis Nash.

Du jazz ou de la musique de film, quel a été l’accord majeur du parcours de Legrand ? En fait, il a commencé par le jazz, et pas n’importe lequel, puisque l’un des ses premiers albums de référence, Legrand Jazz, a été enregistré à New York en 1958, en compagnie de Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Phil Woods, Ben Webster, Hank Jones et Art Farmer.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=VtyzWNBRNks[/youtube]

« Miles trônait alors au sommet du jazz new yorkais, se souvient Legrand. Tout le monde me disait : “Il va venir à la séance et se tenir près de la porte en gardant sa trompette dans son étui fermé. Il va écouter pendant cinq minutes, et s’il aime la musique, il va s’asseoir, ouvrir son étui, et jouer […]. S’il n’aime pas, il va repartir et il ne reprendra plus jamais contact avec toi”. Je n’avais alors que vingt-quatre ans, et j’avais tellement peur que j’en avais des poussées de sueurs ! J’ai commencé à répéter avec l’orchestre. La porte s’est ouverte, et Miles a écouté près de la porte pendant cinq minutes. Puis il s’est assis, a ouvert son étui et a commencé à jouer. Après la première prise, il m’a demandé : “Michel, est-ce que mon jeu convient ?”. C’est comme ça que tout a débuté ».

Cette carrière de jazz “pur” sera très vite rattrapée par le goût du musicien pour la chanson. Encore très jeune, il s’était d’ailleurs fait connaître en “jazzifiant” des mélodies françaises (“Les Feuilles mortes”, “La Vie en rose”) ou en édulcorant quelque peu des standards comme “April in Paris” dans un album, I Love Paris, publié par Columbia en 1954.

On préfèrera la décontraction swinguante d’Anna Karina et de Jean-Paul Belmondo, dans Une femme est une femme,

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=PgX4xIK_ebY[/youtube]

où Godard et Legrand rendent hommage au genre de la comédie musicale, ici incarnée par le duo que forment Gene Kelly et Cyd Charisse dans Chantons sous la pluie (Stanley Donen et Gene Kelly, 1952)

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=7YWBOfsXsDA&NR=1[/youtube]

Mais c’est avec Jacques Demy que Legrand trouvera le meilleur équilibre entre cinéma et musique, comme entre jazz et chanson. Tous deux créeront un genre original de “Musical“, dont la réussite provient de leur collaboration étroite, et de ce mélange de parler-chanter très particulier.

Lors de la sortie récente du coffret intégral des films de Demy, le réalisateur Christophe Honoré, l’un de ses plus fervents admirateurs dans la deuxième génération d’après, expliquait sur ARTE ce qu’ont représenté pour lui Lola, Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort, alors qu’il était jeune cinéphile, avant de devenir le réalisateur des Chansons d’amour, créant à son tour un duo avec le compositeur et chanteur Alex Beaupain.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=8_aNYAKsOtE[/youtube]

Pour son concert niçois, Michel Legrand est accompagné du Nice Jazz Orchestra, un Big Band qui regroupe 18 musiciens sous sa direction.

Jason Moran, matière et mémoire

Dans son dernier album, Ten, Jason Moran, que j’avais longuement interviewé en 2009 à Nice, a confirmé la place centrale qu’il occupe désormais sur la scène new-yorkaise, observable par sa présence régulière dans les grands clubs de la ville, les nombreuses collaborations qu’il suscite ou qui lui sont proposées et ses incursions sur des terrains aussi divers que le cinéma, l’art vidéo, les arts plastiques ou l’enseignement.

Mais ce qui est particulièrement remarquable chez ce jeune artiste (36 ans), c’est sa volonté de tenir ensemble plusieurs exigences : se réapproprier les sources du jazz, chercher des voies de renouvellement dans son travail de composition, ouvrir  son inspiration vers d’autres formes de musique, comme le rap.

Pour ce nouvel album, qui aura nécessité quatre années de maturation, et qui a été élu meilleur album de l’année 2010 par le New York Times, la préoccupation de l’héritage et de la transmission domine, avec le souci constant d’inscrire le jazz dans la mémoire vive de la société américaine comme dans la matière panistique des compositions.

Jason Moran en enregistrement, New York,  septembre  2009, studio avatar, photographie Christian Delage.

Dans « Old Babies », on peut entendre, en fond sonore, les voix de ceux qui ont inspiré Moran, ses deux jeunes fils jumeaux, Jonas et Malcom, un peu comme Stevie Wonder l’avait fait avec sa fille dans « Isn’t she Lovely »

« Play to Live » est un hommage posthume à son maître, Andrew Hill, avec qui il a rédigé ce morceau, et qui est décédé d’un cancer en 2007. On retrouve également Thelonious Monk, dont l’écoute de « Round midnight », par l’adolescent Moran, avait déclenché la passion du jazz, dans la reprise de « Crepuscule with Nelly ». Enfin, Moran cite des samples de guitare de Jimi Hendrix provenant de son premier et fameux concert aux États-Unis, donné en 1967 lors du festival Pop de Monterey.

En formation de trio avec le bassiste Tarus Mateen et le batteur Nasheet Waits, Jason Moran et son « Bandwagon » célébrent surtout la culture africaine-américaine.

« Blue Blocks », qui ouvre l’album, provient de « Live: Time », une pièce commandée par le Musée d’art de Philadelphie,  à l’occasion de l’exposition de tapisseries organisée en 2008 par le Gee’s Bend, un collectif de femmes descendant de familles d’esclaves qui travaillaient sur des plantations en Alabama. Tout au long du vingtième siècle, ces « quilters » ont contribué à la vitalité de l’art populaire américain et protégé la culture de leur communauté :

« RFK In The Land Of Apartheid » est le thème principal de la musique composée par Moran pour le documentaire du même nom réalisé en 2009 par Larry Shore et Tami Gold :

Le film retrace le voyage effectué par le jeune sénateur Robert F. Kennedy en Afrique du sud en 1966 et le discours tenu contre l’apartheid, « Ripple of hope » :

Kennedy avait alors exalté les liens entre le mouvement des droits civiques aux États-Unis et la lutte des militants emmenés par Nelson Mandela contre l’apartheid.

Enfin, avec « Nobody », Moran fait revivre la figure d’un des plus fameux pionniers de l’art du minstrel show, Bert Williams. Sa version de « Nobody », enregistrée en 1913, a gardé toute sa fraîcheur,


tout comme l’un des films que la Biograph lui avait permis en 1916 de mettre en scène et d’interpréter, Natural Born Gambler.

Cette mémoire est revitalisée dans la matière des compositions de Moran. Il lui importe toujours que la mélodie, qu’elle soit originale ou inspirée d’un standard, soit clairement audible, et qu’elle ne se dissolve pas dans les variations ou l’improvisation. Ce qui ne l’empêche pas, bien au contraire, de renouveler constamment l’écriture jazzistique et d’avoir formé un style de jeu qui lui appartient singulièrement.

Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter et de comparer les deux versions qu’ils proposent du même thème, « Study No. 6 », où, tout en conservant la mélodie, clairement reconnaissable, ils procèdent à une véritable recréation.

À la volonté de ne pas séparer héritage et création correspond le souci de s’adresser à d’autres publics que ceux du jazz, ou, tout simplement, de partager la musique qu’il pratique avec ce qui a formé son oreille quand il était jeune. « One of the problems of trying to combine the forms is that jazz is really built on improvisation and hip-hop is really built on that beat, explique-t-il à Gabe Melin. If we got rid of some of the powerful elements of each of the forms, and reduced it to its purity, then we can try to find some common ground. ». Une manière de dire que, par-delà les genres de musique, l’instrument lui-même choisi par Moran, en l’occurrence le piano, possède ses propres contraintes, dont il faut savoir se jouer en travaillant le toucher et le tempo.

Étant donné son goût pour l’art contemporain et pour le mélange de la musique avec la vidéo, la peinture et l’archive sonore, photographique et visuelle, on pourrait caractériser le travail de création de Moran par la déstructuration qu’il pratique volontiers. Cependant, sa « modernité » n’est jamais affichée contre l’héritage du jazz. Sur son piano, se trouve souvent posé un MP3 et il lui arrive de s’arrêter en plein concert, pour faire entendre une archive semblant dater des débuts du blues, parfois un vieux standard, parfois un simple extrait chanté, qu’il travaille ensuite en écho et en répétition, avant de se l’approprier avec ses musiciens et de partir sur ses propres combinaisons. Récemment, dans le cadre du Harlem Jazz Shrines Festival, il a samplé un fragment de mélodie avec des rythmes provenant de la Motown, de la House et du Hip-hop.

ISSN 2496-9389